La última ópera de Giacomo Puccini no necesita introducción. Tras 20 años de ausencia, Turandot regresó al Teatro Real de la mano de una nueva producción firmada por uno de los directores capitales de los siglos XX y XXI: Robert Wilson, creador de imágenes inolvidables en sus producciones de The Life and Death of Marina Abramovic y Pelléas et Mélisande.

Al frente de un reparto estelar encabezado por Nina Stemme, Gregory Kunde y Yolanda Auyanet, el director musical asociado del Teatro Real, Nicola Luisotti, dirige uno de los grandes títulos del repertorio italiano.

Partiendo del libro Escenas de la vida bohemia, de Henri Murger (1882-1861), nacido como una serie de relatos autobiográficos publicados en forma de folletín, los dos libretistas, siempre celosamente dirigidos por Puccini, construyeron un libreto coral, en el que cuatro jóvenes artistas bohemios sortean las dificultades económicas y las inclemencias del tiempo con humor e ilusión, buscando su lugar en un París efervescente, bullicioso e invernal.

La historia de amor trágica entre uno de ellos, Rodolfo, aspirante a poeta, y la sastrecilla Mimì, cuya muerte, inexorable, les sorprende, articula una especie de camino iniciático que despide los desenfrenos y sueños de la juventud y revela la vida real, con toda su contundencia y transcendencia.
Con su genial paleta orquestal, su dominio de la prosodia y su enorme talento dramático, Puccini va construyendo la personalidad de los jóvenes con su característica habilidad para articular los destellos más anecdóticos y divertidos de lo cotidiano con los sentimientos más hondos, pasionales y arrebatadores. Así, entrelaza sus frases cortas “de conversación” con otras de enorme aliento melódico y dramático. Su orquestación sugiere, con enorme eficacia tímbrica, desde detalles tan nimios como el serpenteo de las llamas o el tintineo de las monedas, hasta las ‘ambientaciones’ casi cinematográficas de la desangelada buhardilla, del bullicio del París navideño, o de la soledad y privaciones de la pobreza.

La evocación de momentos pasados como si fueran destellos que la memoria revive y actualiza está magistralmente recreada con la utilización de motivos musicales asociados a emociones, sentimientos, o incluso a objetos a los que Puccini concede un enorme poder simbólico, como la vela de Mimì, la cofia rosa que le compra Rodolfo, el gabán de Colline, o el manguito que calienta las manos frías de la protagonista en su lecho de muerte…

Son estos momentos que vienen y vuelven con la memoria, que están escondidos y asoman con las vivencias que suman y construyen el camino la vida, los que vertebran esta producción de La bohème. En su propuesta dramatúrgica, el prestigioso director de escena británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing presentan la ópera como una sucesión de Escenas de la vida bohemia presentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario. Así, el público ve como se cambian los decorados, cómo se utilizan diferentes artilugios para lograr efectos teatrales y cómo se amontonan elementos escenográficos en las bambalinas, como si fueran retazos de vida apiñados en la memoria.

Situándose en el lugar privilegiado, el espectador contempla permanentemente el pasado y el presente de los personajes, incapaz de sumergirse en el París frío y efervescente de los jóvenes bohemios porque lo verá siempre representado sobre el escenario. Pero este artificio del ‘teatro dentro del teatro’, en que se confunden el tiempo real y el teatral, el espacio del público y del artista, el drama de la ópera y sus metáforas, llevará al espectador a una interpretación más rica de la obra de Puccini, potenciada por su visión desde distintos ángulos, pero también con sus reflejos.

Aunque una de sus óperas líricas más consistentes, La rondine (La golondrina) sigue siendo una de las menos conocidas de Puccini. Insatisfecho con los resultados de su trabajo, Puccini escribió tres versiones, con dos finales diferentes, y continuó haciendo más revisiones hasta su muerte en 1924.

La innovadora producción de 2007 en el Festival Torre del Lago Giacomo Puccini, presentada en este programa, es una cuarta versión, que combina el Acto I y II de la primera versión (1917), con la orquestación de Lorenzo Ferrero en 1994 de partes del final del Acto III de la tercera versión incompleta (1921), algunas de las cuales habían sobrevivido solo en partitura para piano, así como la Ley de Ruggero I romanza "Parigi è la città dei desideri", de la segunda versión (1920).

Con la colaboración de Naxos

Tosca, la quinta ópera de Giacomo Puccini, se presentó por primera vez en el Teatro Costanzi de Roma el 14 de enero de 1900. La ópera inicialmente provocó reacciones diferentes entre el público y los críticos. Mientras que estos últimos generalmente expresaron fuertes reservas, el público apreció mucho la ópera y decretó un éxito que nunca ha disminuido desde esa fecha.

El libreto fue confiado a Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, nuevamente en sociedad después de Manon Lescaut y La bohème. Desde su primera aparición en 1887, Tosca demostró ser uno de los dramas más populares de Victorien Sardou (1831-1908), quien lo escribió para adaptarse a Sarah Bernhardt. El teatro de Sardou se basó esencialmente en la trama, enriquecido sin embargo por toques precisos realistas y psicológicos. Para Puccini, el encuentro con el teatro de Sardou significaba básicamente una incursión en la esfera del melodrama "verista", del cual el compositor siempre había mantenido su distancia. Su sensibilidad humana y musical estaba, de hecho, muy alejada de la tosquedad del verismo, y, sustancialmente, Tosca representaba una excepción.

Sin embargo, fue una excepción en la que todas las situaciones más típicas del verismo se destacaron, podríamos decir, en forma concentrada: los eventos se suceden en un crescendo de tensión y drama. Puccini también refinó musicalmente para insistir en los aspectos más truculentos de la trama, y ​​su música con frecuencia atenúa la crudeza de las situaciones.

Con la colaboración de Naxos

Cuando Il trittico se estrenó en el Metropolitan Opera de Nueva York en diciembre de 1918, Gianni Schicchi se convirtió en un éxito inmediato. El libreto se basa en un incidente mencionado en la Divina Comedia de Dante. La acción de Gianni Schicchi de Puccini tiene lugar en el dormitorio de Buoso Donati en la Florencia del siglo XIII, inmediatamente después de su muerte, mientras sus codiciosos parientes fingen dolor y buscan su voluntad. El estado de ánimo cambia a ira cuando los familiares descubren que han sido desheredados, por lo que buscan al ingenioso Schicchi para hacer un testamento falso. Schicchi, sin embargo, vuelve su plan contra ellos, legándose la mayor parte de la fortuna del difunto mientras los familiares, todos los involucrados en el crimen de falsificación, se ven obligados a sentarse en silencio.

La bohème de Puccini, una de las óperas veristas más célebres del mundo bajo una producción tradicional de Jonathan Miller llena de realismo, inspirada en las fotografías de Brassaï y Cartier-Bresson de la década de los años 30 del siglo XX. Marc Piollet dirige la Orquesta del Liceu en una bohème que destaca por la excelencia en su reparto: en el papel de Mimì Eleonora Buratto, y en el de Musetta, Olga Kluchynska, ganadora de la edición 2015 del Concurso Tenor Viñas. El grupo de bohemios está encabezado por el tenor Saimir Pirgu como Rodolfo, y Marcello por el barítono Gabriel Bermúdez.

La historia de amor entre Rodolfo, el poeta, y la dulce Mimì, una vecina bordadora, marca el ritmo de la obra, que se sitúa en el París de 1830, cien años antes que la apuesta de Miller. En el Barrio Latino, un grupo de bohemios, entre los cuales se encuentra el protagonista, con sus compañeros Marcello, Schaunard y Colline, conviven en una buhardilla con el frío y el hambre, sin poder pagar el alquiler. El contrapunto a la pareja protagonista, que se debate entre los celos y el miedo a la enfermedad de la muchacha, son la pareja Marcello, pintor, y Musetta, una femme fatale que acaba ayudando a Mimì en los momentos difíciles. La ópera presenta grandes momentos musicales, como la célebre aria del primer acto “Che gelida manina”, en la que Rodolfo calienta la mano de una Mimì desvalida que ha venido a la casa de los artistas a pedir cerillas. Después de que el poeta se presente en “Chi son? Sono un poeta”, le toca el turno a la muchacha, cantando “Mi chiamano Mimì”, una página llena de ternura donde queda reflejado el idealismo que rodea a la trama.

Una magnífica producción de Nuria Espert en la que Daniela Dessí da vida a la heroína de Puccini, con Fabio Armiliato en el papel de Cavaradossi y Ruggero Raimondi en el del villano Scarpia.

Un periódico se preguntaba en una ocasión, refiriéndose a Rinaldo, en qué radica la fascinación que el héroe canalla ejerce sobre el público. La misma reflexión cabe hacerse en torno a Scarpia, quien excita sobremanera a los aficionados de todo el mundo cuando canta “Più forte! Più forte!” mientras tortura a Cavaradossi; y escuchando las palabras de Tosca ante su cadáver, “E avanti a lui tremava tutta Roma!”, tenemos la impresión de que ella hubiera podido ser la amante del canalla si no hubiera encontrado a su pintor. Pero Tosca vive de las artes y del amor, por eso le gustaría que Cavaradossi pintara los ojos de la Magdalena negros y le gusta que la virgen sea testigo de su beso con el pintor. ¿Acaso se puede imaginar una máquina de lágrimas más perfecta que estas escenas de Sardou acompañadas de la tan cinematográfica música del gran Giacomo?

La crítica la alaba y el público la adora - Kristine Opolais, la primadonna y estrella de la Metropolitan Opera de Nueva York en un espléndido concierto en solitario en la Ópera Nacional de Letonia. El programa incluye arias de óperas que han dado a Kristine fama internacional y piezas que se incluirán en su futuro repertorio.

El hermoso programa, dedicado en su mayor parte a la música italiana, anima a soñar con el amor y a reflexionar sobre lo verdaderamente importante, llegando al corazón de muchas maneras.