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Datos

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Parsifal

Richard Wagner
listado

Ópera
4 h 20 min
Alemán
4K , FULL HD
Español , Inglés
Producción

Con la vista puesta en La montaña mágica de Thomas Mann y el conocimiento histórico de la vieja Europa como base de la producción, el director de escena Claus Guth desmadeja una de las partituras mas emocionantes y aplaudidas del gran Richard Wagner.

 

El estreno de Parsifal en los grandes teatros de ópera a partir de 1914, tras caducar los derechos exclusivos que Richard Wagner había dejado al Festival de Bayreuth desde su estreno en 1882, produjo un impacto enorme. No sólo por el descubrimiento de una de las partituras más monumentales y emocionantes de la historia de la música, sino también por una temática turbadora en plenas Gran Guerra y postguerra. Ese Parsifal que llegaba tras años de espera impaciente para salvar el templo del Grial sintetizaba el clima emocional de la Europa del momento, de grandes sacrificios y penurias, desorientación colectiva y búsqueda desesperada de un líder.

 

Parsifal, el inocente educado en la compasión, encarna el espejismo de la redención. Este es el punto de partida de la puesta en escena de Claus Guth, uno de los grandes nombres de la dirección de escena contemporánea, que debutó en el Real con uno de sus más aclamados espectáculos. El decadente hospital para lisiados de guerra en el que transcurre la acción, inspirado en el sanatorio de La montaña mágica de Thomas Mann, encarna los traumas y el desánimo que siguió a la Primera Guerra Mundial, cuyas esperanzas puestas en un nuevo líder desembocarán en un nuevo desastre.

 

Producción grabada en tecnología 4K UHD. Para verla en dicha calidad, haz uso de nuestra aplicación en tu Samsung SmartTV 4K UHD.

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Festival escénico sacro en tres actos

 

Música y libreto de Richard Wagner, basado en el poema épico medieval Parzival de Wolfram von Eschenbach

Estrenada en el Festspielhaus de Bayreuth, el 26 de julio de 1882

Estrenada en el Teatro Real de Madrid, el 1 de enero de 1914

Coproducción de la Ópera de Zúrich y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

 

Equipo artístico


Director musical | Semyon Bychkov 

Director de escena | Claus Guth

Escenógrafo y figurinista | Christian Schmidt

Iluminador | Jürgen Hoffmann

Coreógrafo | Volker Michl

Diseñador de vídeo | Andi A. Müller

Director del coro | Andrés Máspero

 

Reparto


Amfortas | Detlef Roth

Titurel | Ante Jerkunica

Gurnemanz | Franz Josef Selig

Klingsor | Evgeny Nikitin

Kundry | Anja Kampe

Parsifal | Klaus Florian Vogt 

Klaus | Florian Vogt 

Dos caballeros del Grial | Vicenç Esteve, David Sánchez

Escuderos | Ana Puche, Kai Rüütel, Alejandro González, Jordi Casanova

Seis muchachas flor | Ilona Krzywicka, Khatouna Gadelia, Kai Rüütel, Samantha Crawford, Ana Puche, Rosie Aldridge

Una voz | Rosie Aldridge


 

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Con Das Rheingold, se marcó el inicio de El anillo del nibelungo, la colosal tetralogía de Richard Wagner y la segunda que el Teatro Real lleva a su escenario desde su reinauguración en 1997.

 

Pablo Heras-Casado, principal director invitado del Real, dirige un reparto con renombrados cantantes wagnerianos como Greer Grimsley, Sarah Connolly y Samuel Youn en una desoladora producción de Robert Carsen. El director de escena canadiense sitúa el prólogo del Anillo en la crudeza de nuestro contaminado mundo actual, donde se despliegan los personajes del conflicto cósmico retratado en la tetralogía, que veremos completa a lo largo de las próximas temporadas.

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El holandés errante de Richard Wagner, una de las obras maestras más representativas de la época romántica, llega al Teatro Real. La Fura dels Baus firma esta producción en la que la lucha entre el bien y el mal, la luz y las tinieblas, no son sino un reflejo de la tormenta interior de un espíritu al que se ha arrebatado la libertad.

 

El holandés es un ser maldito, condenado a vagar eternamente y cuyo único deseo es escapar del infierno marino y regresar al mundo terrenal. La historia encuentra un deslumbrante reflejo en una partitura que contiene ya todos los ingredientes del Wagner artísticamente maduro.
 

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Con La prohibición de amar estamos ante una ópera compuesta por un joven músico aún en proceso de hallar su propio lenguaje musical. Después de concluir Las hadas, su primera incursión en el género, sin conseguir presentarla públicamente, Wagner logra estrenar su segunda partitura operística el 29 de marzo de 1836, en Magdeburgo, pero esta sería la única función de la ópera en vida del compositor. La première fue un fracaso absoluto porque algunos cantantes no sabían su papel y la segunda representación no llegaría a celebrarse, ya que el marido de la protagonista, en un ataque de celos, agredió a uno de los tenores. Wagner dio el caso por perdido y mandó la obra al limbo del olvido, tachándola de “pecado de juventud”.

 

Con semejantes antecedentes no sorprende pues que Das Liebesverbot haya sido injustamente tratada como una ópera menor del genial compositor alemán. Sin embargo, esta desconocida obra resulta interesante por muchos motivos. La prohibición de amar es una ópera que rompe con los clásicos tópicos musicales asociados a Wagner y, desde luego, muy alejada de su densidad y hondura características. Esta obra es para el joven Wagner el equivalente al Viaje a Italia de Goethe: un elogio a los aires cálidos del sur, al sol, a lo lúdico, al sexo y al hedonismo meridional.

 

Para sustentar la parte dramática de la ópera, Wagner decidió adaptar Medida por medida, de Shakespeare, obra rara vez representada entonces por considerarse inmoral. Modificando sustancialemente el argumento original, el joven compositor consiguió presentar una dura crítica al puritanismo alemán que imperaba en esos momentos. Wagner traslada la acción de Sicilia, donde un alemán, Friedrich, rígido e incapaz de comprender la joie de vivre, actúa de regente y decide disciplinar a los sicilianos prohibiendo el Carnaval, los prostíbulos, los cabarets y el amor fuera del matrimonio.

 

En cuanto a la parte musical, las influencias que se aprecian en la obra son evidentes. Wagner, en una reacción contra la “pedantería” y “erudición” que le rodea, celebra y homenajea las virtudes musicales italianas con ritmos frenéticos, líneas melódicas potentes, llenas de carácter y vibrantes, además del gusto por la repetición y las armonías directas. La admiración que sentía por compositores como Bellini y Rossini se puede apreciar en momentos en los que prácticamente cita a Il barbiere di Siviglia, o a Guillaume Tell. Encontramos también mucha influencia francesa, tanto del código de la opera comique, como de las grand operas más características de la época como La Muette de Portici, de Auber y Robert le Diable, de Meyerbeer.

 

Otro punto interesante a destacar en esta ópera es que en su partitura ya se puede apreciar lo que será el futuro Wagner. Hay mucho de Lohengrin en ella, y el personaje de Pontio Pilato es un claro precedente de Mime. Además, La prohibición de amar es la primera vez que Wagner utiliza de forma estructural la técnica de leit motiv, especialmente el motivo de la prohibición de amar decretada por Friedrich, que reaparece a lo largo de la obra, ya sea de forma solemne o irónica.

 

En definitiva, estamos ante una obra poco conocida pero interesante, que, desde luego, merece conocerse y a través de la cual podemos comprender mejor de dónde sale el Richard Wagner que todos conocemos. En el IV Centenario de la muerte de Shakespeare difícilmente podríamos encontrar algo que tenga más sentido.

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El mayor proyecto del coreógrafo belga Alain Platel, una combinación de ópera, danza y teatro con coros de Verdi y Wagner magistralmente interpretados por el Coro Titular del Teatro Real.

 

C(h)œurs constituye una reflexión sobre las emociones que genera el encuentro del individuo con el grupo, la dinámica de los movimientos colectivos y la dimensión de lo público y lo privado, temas de gran actualidad por las transformaciones que experimenta la sociedad de hoy. Los autores que lo han inspirado son: José Ortega y Gasset, Elias Canetti, Mario Vargas Llosa y Johnatan Littell.

EXTRAS

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Como cada mes, José Luis Téllez expone los particularidades de la ópera en cartel. En esta ocasión, el musicólogo analiza 'Parsifal' de Richard Wagner. Producción de la Ópera de Zúrich y el Gran Teatre del Liceu de Barcelnoa. En el Teatro Real del 2 al 30 de abril de 2016.

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El estreno de Parsifal en los grandes teatros de ópera a partir de 1914, tras caducar los derechos exclusivos que Richard Wagner había dejado al Festival de Bayreuth desde su estreno en 1882, produjo un impacto enorme. No sólo por el descubrimiento de una de las partituras más monumentales y emocionantes de la historia de la música, sino también por una temática turbadora en plenas Gran Guerra y postguerra. Ese Parsifal que llegaba tras años de espera impaciente para salvar el templo del Grial sintetizaba el clima emocional de la Europa del momento, de grandes sacrificios y penurias, desorientación colectiva y búsqueda desesperada de un líder. Parsifal, el inocente educado en la compasión, encarna el espejismo de la redención. Este es el punto de partida de la puesta en escena de Claus Guth, uno de los grandes nombres de la dirección de escena contemporánea, que debuta en el Real con uno de sus más aclamados espectáculos. El decadente hospital para lisiados de guerra en el que transcurre la acción, inspirado en el sanatorio de La montaña mágica de Thomas Mann, encarna los traumas y el desánimo que siguió a la Primera Guerra Mundial, cuyas esperanzas puestas en un nuevo líder desembocarán en un nuevo desastre.
 

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Teatro Real
Richards Wagner
-

"Parsifal" de Richard Wagner.

Producción de la Ópera de Zúrich y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona.

Dirección musical: Semyon Bychkov

Dirección de escena: Claus Guth

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real