Ópera

Ópera
Theater an der Wien
Carl Maria von Weber
Constantin Trinks, Christof Loy

La "gran ópera heroico-romántica" de Weber, Euryanthe, se estrenó en Viena en 1823. Euryanthe es víctima de un complot para demostrar su infidelidad, pero su amor la imbuye de una fuerza colosal, que Weber caracteriza con una aguda perspicacia psicológica.

 

A través de la composición y prescindiendo del diálogo hablado, su trama caballeresca brinda oportunidades para una serie de arias, ariosos, duetos, cavatinas y coros que contienen algunas de sus mejores músicas operísticas. Esta producción muestra la versión original de la ópera, con algunos cortes muy menores.

 

Con la colaboración de Naxos

 

 

RECOMENDADO

Ópera
Teatro Real
Richard Wagner
Pablo Heras-Casado, Àlex Ollé

El holandés errante de Richard Wagner, una de las obras maestras más representativas de la época romántica, llega al Teatro Real. La Fura dels Baus firma esta producción en la que la lucha entre el bien y el mal, la luz y las tinieblas, no son sino un reflejo de la tormenta interior de un espíritu al que se ha arrebatado la libertad.

 

El holandés es un ser maldito, condenado a vagar eternamente y cuyo único deseo es escapar del infierno marino y regresar al mundo terrenal. La historia encuentra un deslumbrante reflejo en una partitura que contiene ya todos los ingredientes del Wagner artísticamente maduro.
 

Ópera
Teatro Real
Richard Wagner
Pablo Heras-Casado, Robert Carsen

Con Das Rheingold, se marcó el inicio de El anillo del nibelungo, la colosal tetralogía de Richard Wagner y la segunda que el Teatro Real lleva a su escenario desde su reinauguración en 1997.

 

Pablo Heras-Casado, principal director invitado del Real, dirige un reparto con renombrados cantantes wagnerianos como Greer Grimsley, Sarah Connolly y Samuel Youn en una desoladora producción de Robert Carsen. El director de escena canadiense sitúa el prólogo del Anillo en la crudeza de nuestro contaminado mundo actual, donde se despliegan los personajes del conflicto cósmico retratado en la tetralogía, que veremos completa a lo largo de las próximas temporadas.

Ópera
Teatro Real
Richard Wagner
Ivor Bolton, Kasper Holten

Con La prohibición de amar estamos ante una ópera compuesta por un joven músico aún en proceso de hallar su propio lenguaje musical. Después de concluir Las hadas, su primera incursión en el género, sin conseguir presentarla públicamente, Wagner logra estrenar su segunda partitura operística el 29 de marzo de 1836, en Magdeburgo, pero esta sería la única función de la ópera en vida del compositor. La première fue un fracaso absoluto porque algunos cantantes no sabían su papel y la segunda representación no llegaría a celebrarse, ya que el marido de la protagonista, en un ataque de celos, agredió a uno de los tenores. Wagner dio el caso por perdido y mandó la obra al limbo del olvido, tachándola de “pecado de juventud”.

 

Con semejantes antecedentes no sorprende pues que Das Liebesverbot haya sido injustamente tratada como una ópera menor del genial compositor alemán. Sin embargo, esta desconocida obra resulta interesante por muchos motivos. La prohibición de amar es una ópera que rompe con los clásicos tópicos musicales asociados a Wagner y, desde luego, muy alejada de su densidad y hondura características. Esta obra es para el joven Wagner el equivalente al Viaje a Italia de Goethe: un elogio a los aires cálidos del sur, al sol, a lo lúdico, al sexo y al hedonismo meridional.

 

Para sustentar la parte dramática de la ópera, Wagner decidió adaptar Medida por medida, de Shakespeare, obra rara vez representada entonces por considerarse inmoral. Modificando sustancialemente el argumento original, el joven compositor consiguió presentar una dura crítica al puritanismo alemán que imperaba en esos momentos. Wagner traslada la acción de Sicilia, donde un alemán, Friedrich, rígido e incapaz de comprender la joie de vivre, actúa de regente y decide disciplinar a los sicilianos prohibiendo el Carnaval, los prostíbulos, los cabarets y el amor fuera del matrimonio.

 

En cuanto a la parte musical, las influencias que se aprecian en la obra son evidentes. Wagner, en una reacción contra la “pedantería” y “erudición” que le rodea, celebra y homenajea las virtudes musicales italianas con ritmos frenéticos, líneas melódicas potentes, llenas de carácter y vibrantes, además del gusto por la repetición y las armonías directas. La admiración que sentía por compositores como Bellini y Rossini se puede apreciar en momentos en los que prácticamente cita a Il barbiere di Siviglia, o a Guillaume Tell. Encontramos también mucha influencia francesa, tanto del código de la opera comique, como de las grand operas más características de la época como La Muette de Portici, de Auber y Robert le Diable, de Meyerbeer.

 

Otro punto interesante a destacar en esta ópera es que en su partitura ya se puede apreciar lo que será el futuro Wagner. Hay mucho de Lohengrin en ella, y el personaje de Pontio Pilato es un claro precedente de Mime. Además, La prohibición de amar es la primera vez que Wagner utiliza de forma estructural la técnica de leit motiv, especialmente el motivo de la prohibición de amar decretada por Friedrich, que reaparece a lo largo de la obra, ya sea de forma solemne o irónica.

 

En definitiva, estamos ante una obra poco conocida pero interesante, que, desde luego, merece conocerse y a través de la cual podemos comprender mejor de dónde sale el Richard Wagner que todos conocemos. En el IV Centenario de la muerte de Shakespeare difícilmente podríamos encontrar algo que tenga más sentido.

TODO ÓPERA

Ópera
Theater an der Wien
Carl Maria von Weber
Constantin Trinks, Christof Loy

La "gran ópera heroico-romántica" de Weber, Euryanthe, se estrenó en Viena en 1823. Euryanthe es víctima de un complot para demostrar su infidelidad, pero su amor la imbuye de una fuerza colosal, que Weber caracteriza con una aguda perspicacia psicológica.

 

A través de la composición y prescindiendo del diálogo hablado, su trama caballeresca brinda oportunidades para una serie de arias, ariosos, duetos, cavatinas y coros que contienen algunas de sus mejores músicas operísticas. Esta producción muestra la versión original de la ópera, con algunos cortes muy menores.

 

Con la colaboración de Naxos

 

 

Ópera
Teatro Real
Richard Wagner
Semyon Bychkov, Claus Guth

Con la vista puesta en La montaña mágica de Thomas Mann y el conocimiento histórico de la vieja Europa como base de la producción, el director de escena Claus Guth desmadeja una de las partituras mas emocionantes y aplaudidas del gran Richard Wagner.

 

El estreno de Parsifal en los grandes teatros de ópera a partir de 1914, tras caducar los derechos exclusivos que Richard Wagner había dejado al Festival de Bayreuth desde su estreno en 1882, produjo un impacto enorme. No sólo por el descubrimiento de una de las partituras más monumentales y emocionantes de la historia de la música, sino también por una temática turbadora en plenas Gran Guerra y postguerra. Ese Parsifal que llegaba tras años de espera impaciente para salvar el templo del Grial sintetizaba el clima emocional de la Europa del momento, de grandes sacrificios y penurias, desorientación colectiva y búsqueda desesperada de un líder.

 

Parsifal, el inocente educado en la compasión, encarna el espejismo de la redención. Este es el punto de partida de la puesta en escena de Claus Guth, uno de los grandes nombres de la dirección de escena contemporánea, que debutó en el Real con uno de sus más aclamados espectáculos. El decadente hospital para lisiados de guerra en el que transcurre la acción, inspirado en el sanatorio de La montaña mágica de Thomas Mann, encarna los traumas y el desánimo que siguió a la Primera Guerra Mundial, cuyas esperanzas puestas en un nuevo líder desembocarán en un nuevo desastre.

 

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Ópera
Inolvidables
Camille Saint-Saëns
Luis Antonio García Navarro, Beni Montresor

Sansón y Dalila es un representativo ejemplo de ese exotismo que en el s. XIX actuó como una de las principales corrientes de la imaginación francesa. La única de sus trece óperas que se ha mantenido en el repertorio, en ella Saint-Saëns se adhiere a una auténtica tradición escénica en la que se cuentan títulos como L'Africaine de Meyerbeer, Les pêcheurs de perles de Bizet, o Lakmé de Delibes. La conocida trama bíblica es manejada para crear una obra que se sitúa entre el oratorio y la "grand-opéra". Del primero se recoge el sentido estructural, la importancia del coro y cierto estatismo, patente en el Acto I. Del segundo, el tono casi grandilocuente, la espectacularidad de la puesta en escena o la importancia del ballet, así como una envolvente voluptuosidad.

 

Junto a las frecuentes intervenciones corales, cabe destacar los números de Sansón, un tenor de tonalidades heroicas, y especialmente los de Dalila, uno de los papeles más importantes asignados a la voz de mezzosoprano en la historia del género, como el bellísimo "Mon coeur s'ouvre à ta voix", del Acto II. En el orientalismo que domina la brillante ambientación, Saint-Saëns utiliza procedimientos derivados de la música árabe, frecuentemente al Norte de África, y que también se reflejan en el último de sus conciertos para piano, subtitulado "Egipcio" en la Suite Algérienne o en Africa, para piano y orquesta.

Ópera
Dutch National Opera
Ruggero Leoncavallo / Pietro Mascagni
Lorenzo Viotti, Robert Carsen

Pagliacci y Cavalleria rusticana son probablemente el doble cartel más famoso de la historia de la ópera. Lleno de amor, infidelidad, traición, celos y asesinato, estos dos pináculos del repertorio de ópera italiana lo tienen todo. Ambos son ejemplos clásicos del “verismo”, que cuentan las llamadas historias realistas sobre la vida de la gente corriente. Aquí, los temperamentos sureños impulsivos provocan rivalidades y amenazan las relaciones. Mientras que Pagliacci se alimenta de la tensión entre la vida cotidiana y el mundo estético del escenario, Cavalleria rusticana yuxtapone una pasión desenfrenada con una fe profunda.

 

Robert Carsen cambia la tradición al abrir con Pagliacci y juega un juego magistral de teatro en teatro, cuestionando la naturaleza de la realidad. ¿Las emociones que vemos en el escenario son actuadas o son reales? ¿Y en qué medida nos proyectamos en los personajes? Cuando se quitan las máscaras, la verdad se convierte en teatro y el teatro en verdad.

 

Con la colaboración de Naxos

Ópera
La Monnaie
Nikolai Rimsky-Korsakov
Alain Altinoglu, Dmitri Tcherniakov

Los títulos de algunas óperas son en sí mismos suficientes para capturar la imaginación. Para el centenario del nacimiento de Pushkin en 1899, Nikolai Rimsky-Korsakov se inspiró en uno de sus famosos cuentos de hadas y compuso una ópera deliciosamente imaginativa, con El vuelo del abejorro como éxito instantáneo. El don del compositor para la melodía y la orquestación se combina perfectamente con el humor a menudo absurdo y la imaginación desbordante del poeta. Alain Altinoglu puede deleitarse aquí en el papel de mago orquestal, mientras que el director ruso Dmitri Tcherniakov regresa con una puesta en escena psicológica de muchas capas.

 

El zar Saltán se casa con la menor de tres hermanas, habiendo escuchado que es su mayor deseo presentarle un heroico hijo y heredero. Sus hermanas celosas y la anciana tía Barbarikha no pueden soportar esto, y con engaños se encargan de que la Tsaritsa y su hijo recién nacido Gvidon sean arrojados al mar. En su barril son arrastrados a tierra en una isla encantada donde el hijo del zar en rápido crecimiento salva a un cisne de las garras de un mago. En agradecimiento, el cisne ayuda a Gvidon a visitar su país natal una vez más bajo la apariencia de un abejorro. Tres deseos, tres milagros y tres picaduras de abeja más tarde, padre e hijo finalmente pueden conocerse.

 

Con la colaboración de Naxos

Ópera
Glyndebourne Festival
Jules Massenet
John Wilson, Fiona Shaw, Fiona Dunn

Con su combinación de encantadora historia de amor y amplia comedia burlesca, La Cenicienta es uno de los grandes cuentos de hadas operísticos: una Cenicienta que recuerda la historia original de Charles Perrault en toda su riqueza y ambigüedad. El sensual cuento de hadas de la belle époque de Massenet está adornado con lujosas texturas orquestales y brillante escritura vocal, que se inspira en todo, desde bailes barrocos hasta cromatismo inspirado en Wagner para darle vida a su historia, evocando un mundo de infinita variedad musical y emocional.

 

La producción original del Tour de Fiona Shaw hace su debut en el Festival, redirigida por Fiona Dunn y dirigida por John Wilson, con un elenco liderado por los favoritos de Glyndebourne, Danielle de Niese como Cendrillon y Kate Lindsey como su Príncipe.

 

Con la colaboración de Naxos

Ópera
Lied Festival Victoria de los Ángeles
Francis Poulenc
Mercedes Gancedo, Julius Drake

La voix humaine (1958) es una tragedia lírica en un acto para soprano y orquesta con música de Francis Poulenc basada en la obra teatral homónima de Jean Cocteau. La obra de teatro (1929) se estrenó el 17 de febrero de 1930 en la Comédie-Française de París, mientras la ópera se estrenó el 6 de febrero de 1959 en la Opéra Comique de París a cargo de Denise Duval y bajo la dirección de Georges Prêtre. El compositor finalizó la partitura para voz y piano el 2 de junio de 1958, versión que se interpretó en el LIFE Victoria el 2019.

 

Una mujer, sola, en un apartamento en París, a altas horas de la madrugada se aferra desesperadamente a un teléfono que es la única conexión que le queda con su compañero y amante, que la ha abandonado a pesar de que ella no lo acepta. Ridícula -como ella misma dice- y anulada por esta adicción a la otra persona, ella no tiene ni nombre. Simplemente es elle (ella), sin que ni nosotros como público, sepamos que haya verdaderamente un lui (él) al otro lado del teléfono. A lo largo de esta agitada conversación telefónica, el espectador va descubriendo cosas de la vida de esta solitaria mujer, llegando a un desesperado clímax final.

 

Los dos artistas residentes del LIFE Victoria 2019, Mercedes Gancedo y Julius Drake colaboran por primera vez presentando la versión pianística de esta potente ópera de Poulenc.

 

Pardonne-moi. Je sais que cette scène est intolérable et que tu as bien de la patience, mais comprends-moi, je souffre, je souffre. Ce fil, c’est le dernier qui me rattache encore à nous... Avant-hier soir? J’ai dormi. Je m’étais couchée avec le téléphone... Non, non.Dans mon lit... Oui. Je sais. Je suis très ridicule, mais j’avais le téléphone dans mon lit et malgré tout, on est relié par le téléphone.


(Perdoname. Sé que esta escena es intolerable y que tienes mucha paciencia, pero, entíndeme, sufro, sufro. Este hilo es lo único que nos sigue unindo...
Antes de ayer por la noche? Dormí. Me dormí al lado del teléfono... No, no. En mi cama... Sí. Lo sé. Soy muy ridícula, pero tenía el teléfono dentro de mi cama y, a pesar de todo, estamos unidos por este teléfono.)

Ópera
Staatsoper Sttugart
Hans Werner Henze
Cornelius Meister, Stephan Kimmig

La ópera está ambientada en Fehrbellin en Brandeburgo durante las Guerras Pruso-Suecas, inmediatamente después de la derrota sueca en la batalla de Fehrbellin en 1675. El Príncipe Friedrich y la Princesa Natalie están enamorados, y el Elector se la prometió a él. El mariscal de campo Dörfling describe el plan de batalla, pero el príncipe sueña despierto con la princesa. Durante la batalla, al no haber escuchado las órdenes que le dieron, ataca Consoprematuramente, poniendo en peligro el resultado al enviar a su caballería tras la retirada de los suecos. Sin embargo, el ataque tiene éxito. El Elector ordena arrestar al oficial desobediente.

 

El príncipe está preso y se espera que el elector ratifique la sentencia de muerte. El príncipe apela a través de la princesa Natalie, pero le dicen que el príncipe debe estar de acuerdo con la legitimidad de la sentencia. Natalie usa sus dragones para liberar al príncipe. Mientras tanto, el Elector, sabiendo que le ha enseñado la lección al Príncipe, decide perdonarlo. Con los ojos vendados, el Príncipe es conducido hacia su ejecución, pero cuando se quita la venda de los ojos, el Elector le da la mano de la Princesa.

 

Con la colaboración de Naxos

Ópera
Glyndebourne Festival
Wolfgang Amadeus Mozart
Ryan Wigglesworth, Barbe & Doucet

Una de las obras más encantadoras de Mozart, La flauta mágica es un cuento de hadas que utiliza arquetipos familiares para hacer preguntas provocativas y difíciles sobre la religión, la naturaleza del poder, los lazos familiares y, por supuesto, el amor.

 

Estrenada unos meses antes de la muerte de Mozart, La flauta mágica representa en muchos sentidos un nuevo punto de partida para el compositor. Al captar el espíritu de la revolución en el aire, Mozart dirigió su atención por primera vez de la ópera de la corte a la ópera popular, escribiendo este singspiel ("obra de teatro") para un público nuevo y mucho más amplio.

 

El célebre dúo de directores canadienses Barbe & Doucet debutan aquí tanto en el Reino Unido como en Glyndebourne con su nueva La flauta mágica, una auténtica "fiesta teatral de excentricidad", (The Guardian). Ryan Wigglesworth dirige un elenco excepcional que incluye a la soprano rusa Sofia Fomina como Pamina, David Portillo como su amado Tamino, Brindley Sherratt como Sarastro y la exaltada Björn Bürger como Papageno.

 

Con la colaboración de Naxos

Ópera
Opera Lafayette
Ludwig van Beethoven
Ryan Brown, Oriol Tomas

Beethoven empezó a componer Leonora en enero de 1804. El tema -la liberación de un hombre encarcelado injustamente por su devota esposa- formaba parte del género de las "óperas de rescate" que fueron muy populares a finales del siglo XVIII. El estreno de Leonora, ofrecido ante una audiencia que no la comprendía en un momento de agitación política, fue un fracaso y Beethoven respondió acortando la obra de tres actos a dos, que fue la versión interpretada en 1806. Después de nuevas revisiones, emergería en 1814 como Fidelio.

 

La producción incluye el aria cantada por Florestan al comienzo del tercer acto, que se perdió en parte durante las numerosas revisiones de la ópera. Otros directores han utilizado la revisión de 1806 del aria, pero Opera Lafayette se basó en una reconstrucción realizada por el director Will Crutchfield.

 

Con la colaboración de Naxos

Ópera
Festival della Valle d’Itria
Georg Friedrich Händel / Leonardo Leo
Fabio Luisi, Giorgio Sangati

Por primera vez en los tiempos modernos, el Festival della Valle d'Itria presenta la versión napolitana del Rinaldo de Händel, un pastiche con encanto mediterráneo que Leonardo Leo ensambló en 1718 y que se consideró perdido hasta hace unos años.

 

La historia detrás de esta ópera es cautivadora: la partitura de la obra maestra de Handel fue traída ilegalmente a Nápoles por el cantante castrato Nicolò Grimaldi, quien interpretó por primera vez a Rinaldo en Londres. Una vez en Italia, Leo y otros compositores locales hicieron un refrito de la obra, que la adaptaron al gusto del público napolitano local, añadiendo algunos intermezzos y personajes divertidos.

 

El director Giorgio Sangati convierte esta obra en una ópera "ba-rock" ambientada en los años 80, donde la lucha entre cristianos y turcos se convierte en una batalla entre cantantes de pop-rock (los cristianos) y los de dark-metal (los turcos). Estas dos facciones representan dos perspectivas opuestas sobre el amor y la vida.

 

El director Fabio Luisi está al frente del ensemble barroco La Scintilla, un grupo de especialistas en el repertorio barroco.

 

Con la colaboración de Naxos

Ópera
Teatro Real
Philip Glass
Dennis Russell Davies, Phelim McDermott

Acusado de racista y de antisemita (aunque sin pruebas concluyentes de esto último), Walter Elias Disney (1901-1966) fue el creador de la mayor industria de cine de animación, cuyos productos han alcanzado una difusión universal. Los seres de la factoría Disney son animales a los que se aplica una sistemática prosopopeya, y cuya dimensión humanizada ha contribuido de forma decisiva a configurar el imaginario del más edulcorado 'american dream' en el periodo de entreguerras.

 

Autor de veinticuatro óperas, Philip Glass fue uno de los creadores del minimalismo estadounidense, junto con La Monte Young, Steve Reich y Terry Riley, estética de la que se distanció paulatinamente buscando una escritura más simple y una forma menos compleja. Pulsante, con fuerte insistencia sobre ritmos muy marcados, la música de Glass tiene evidentes correlaciones con el rock y el pop, y de ahí la ocasional colaboración del músico de Baltimore con artistas como Paul Simon, Suzanne Vega o Laurie Anderson.

 

El encuentro entre Glass y Disney era previsible e inevitable: se trata de dos exponentes altamente representativos de cierta estética estadounidense.