Ópera

Ópera
Opéra National de Paris
Jules Massenet
Michel Plasson, Benoît Jacquot

Bajo la dirección de Michel Plasson, especialista en Massenet, Jonas Kaufmann y Sophie Koch interpretan una de las historias de amor más conmovedoras de la ópera. En la obra maestra de Massenet, las lágrimas no cesan de brotar desde el mismo momento en que el idilio a la luz de la luna se revela y se destruye. "Todo mi ser llora ante ello", dice Werther. Estamos muy lejos de las lágrimas habituales de la ópera, ya sean furtivas o violentas. Estas lágrimas fluyen lenta e inexorablemente, una a una. "Lágrimas pacientes", como dice Charlotte. En el espacio de cuatro actos, habrán hecho su trabajo. Charlotte no puede contenerlas mientras relee las cartas de Werther, y sus lágrimas son la única parte de ella, el único sacrificio que él se atreve a pedirle. Fluirán frente a Sophie, el ángel del consuelo. Fluirán cuando Werther lea a Ossian. Y finalmente fluirán al ver el cuerpo ensangrentado de Werther. Sin embargo, él rechaza estas últimas lágrimas: porque ahora es feliz y libre.

 

Werther es un largo réquiem, "lacrimosa dies illa", un día de lágrimas como nunca lo hubo, un réquiem por un joven poeta que termina en el paraíso.

 

RECOMENDADO

Ópera
Teatro Real
Giuseppe Verdi
Maurizio Benini, Francisco Negrín

Uno de los títulos más populares de todo el repertorio operístico Verdiano: Il trovatore. En una nueva producción del Teatro Real, Maurizio Benini dirige dos repartos repletos de grandes estrellas verdianas: Ludovic Tézier, Maria Agresta, Ekaterina Semenchuk, Francesco Meli y Roberto Tagliavini, entre muchos otros. La enrevesada trama, basada en la obra de teatro de Antonio García Gutiérrez, cuenta aquí con una gran producción a cargo de Francisco Negrín, que destaca la tensión dramática y arrolladora de esta obra de Verdi.

 

De la impenetrable –y a menudo delirante– trama de Il trovatore, el aspecto que sin duda alguna más atrajo a Giuseppe Verdi fue la profunda contradicción vital en que se ve sumida Azucena, tan llena de amor hacia su hijo como de odio hacia su madre. El músico buscaba a toda costa revelar las pasiones desbordadas de la mujer, y así lo defendió ante su libretista, llegando a proponerle que abandonaran la historia si no le convencía (como alternativa, le proponía centrarse en una trama que terminaría siendo alumbrada como La traviata). No fue necesario. La obra se gestó a lo largo de tres años de frenética actividad musical y de serios quebraderos de cabeza personales, pero Verdi logró lo que buscaba. Con un temperamento casi desenfrenado y un ímpetu arrollador, Il trovatore rebosa tensión dramática y genialidad musical, y el resultado es una historia de amor y venganza que avanza con intensidad y de forma imparable hacia la catástrofe final. Desde su mismo estreno, la ópera comenzó a ganar en popularidad y, más de siglo y medio después, sigue siendo una rotunda cima del repertorio operístico.

Ópera
Glyndebourne Festival
Jules Massenet
John Wilson, Fiona Shaw, Fiona Dunn

Con su combinación de encantadora historia de amor y amplia comedia burlesca, La Cenicienta es uno de los grandes cuentos de hadas operísticos: una Cenicienta que recuerda la historia original de Charles Perrault en toda su riqueza y ambigüedad. El sensual cuento de hadas de la belle époque de Massenet está adornado con lujosas texturas orquestales y brillante escritura vocal, que se inspira en todo, desde bailes barrocos hasta cromatismo inspirado en Wagner para darle vida a su historia, evocando un mundo de infinita variedad musical y emocional.

 

La producción original del Tour de Fiona Shaw hace su debut en el Festival, redirigida por Fiona Dunn y dirigida por John Wilson, con un elenco liderado por los favoritos de Glyndebourne, Danielle de Niese como Cendrillon y Kate Lindsey como su Príncipe.

 

Con la colaboración de Naxos

Ópera
Teatro Real
Giacomo Puccini
Nicola Luisotti, Bob Wilson

La última ópera de Giacomo Puccini no necesita introducción. Tras 20 años de ausencia, Turandot regresó al Teatro Real de la mano de una nueva producción firmada por uno de los directores capitales de los siglos XX y XXI: Robert Wilson, creador de imágenes inolvidables en sus producciones de The Life and Death of Marina Abramovic y Pelléas et Mélisande.

 

Al frente de un reparto estelar encabezado por Nina Stemme, Gregory Kunde y Yolanda Auyanet, el director musical asociado del Teatro Real, Nicola Luisotti, dirige uno de los grandes títulos del repertorio italiano.

 

 

TODO ÓPERA

Ópera
Opéra National de Paris
Jules Massenet
Michel Plasson, Benoît Jacquot

Bajo la dirección de Michel Plasson, especialista en Massenet, Jonas Kaufmann y Sophie Koch interpretan una de las historias de amor más conmovedoras de la ópera. En la obra maestra de Massenet, las lágrimas no cesan de brotar desde el mismo momento en que el idilio a la luz de la luna se revela y se destruye. "Todo mi ser llora ante ello", dice Werther. Estamos muy lejos de las lágrimas habituales de la ópera, ya sean furtivas o violentas. Estas lágrimas fluyen lenta e inexorablemente, una a una. "Lágrimas pacientes", como dice Charlotte. En el espacio de cuatro actos, habrán hecho su trabajo. Charlotte no puede contenerlas mientras relee las cartas de Werther, y sus lágrimas son la única parte de ella, el único sacrificio que él se atreve a pedirle. Fluirán frente a Sophie, el ángel del consuelo. Fluirán cuando Werther lea a Ossian. Y finalmente fluirán al ver el cuerpo ensangrentado de Werther. Sin embargo, él rechaza estas últimas lágrimas: porque ahora es feliz y libre.

 

Werther es un largo réquiem, "lacrimosa dies illa", un día de lágrimas como nunca lo hubo, un réquiem por un joven poeta que termina en el paraíso.

 

Ópera
Festspielhaus Baden-Baden
Giacomo Puccini
Sir Simon Rattle, Richard Eyre

El hecho de que la Filarmónica de Berlín haya recurrido a Puccini -este compositor tan querido y a la vez tan condenado al ostracismo- es simbólico. Se trata de alguien que durante mucho tiempo se pensó que estaba pasado de moda, pero en realidad hay mucho más que descubrir sobre él y su obra. La historia de quien se convierte en modelo pero sigue siendo una niña, es muy contemporánea.

 

Ópera
Teatro Real
Giuseppe Verdi
Maurizio Benini, Francisco Negrín

Uno de los títulos más populares de todo el repertorio operístico Verdiano: Il trovatore. En una nueva producción del Teatro Real, Maurizio Benini dirige dos repartos repletos de grandes estrellas verdianas: Ludovic Tézier, Maria Agresta, Ekaterina Semenchuk, Francesco Meli y Roberto Tagliavini, entre muchos otros. La enrevesada trama, basada en la obra de teatro de Antonio García Gutiérrez, cuenta aquí con una gran producción a cargo de Francisco Negrín, que destaca la tensión dramática y arrolladora de esta obra de Verdi.

 

De la impenetrable –y a menudo delirante– trama de Il trovatore, el aspecto que sin duda alguna más atrajo a Giuseppe Verdi fue la profunda contradicción vital en que se ve sumida Azucena, tan llena de amor hacia su hijo como de odio hacia su madre. El músico buscaba a toda costa revelar las pasiones desbordadas de la mujer, y así lo defendió ante su libretista, llegando a proponerle que abandonaran la historia si no le convencía (como alternativa, le proponía centrarse en una trama que terminaría siendo alumbrada como La traviata). No fue necesario. La obra se gestó a lo largo de tres años de frenética actividad musical y de serios quebraderos de cabeza personales, pero Verdi logró lo que buscaba. Con un temperamento casi desenfrenado y un ímpetu arrollador, Il trovatore rebosa tensión dramática y genialidad musical, y el resultado es una historia de amor y venganza que avanza con intensidad y de forma imparable hacia la catástrofe final. Desde su mismo estreno, la ópera comenzó a ganar en popularidad y, más de siglo y medio después, sigue siendo una rotunda cima del repertorio operístico.

Ópera
Monteverdi Choir and Orchestras
Georg Friedrich Händel
John Eliot Gardiner, Thomas Guthrie

Resulta irónico -y seguramente no es casualidad- que la primera gran ópera completa en lengua inglesa la compusiese Händel en 1743, un emigrante alemán que se acercaba a la cúspide de sus poderes, pero que se había autoimpuesto el retiro de la tóxica escena operística londinense.

Sémele fue su desafiante contraataque a los que durante años habían tratado de controlarle: los aristocráticos propietarios de teatros y directores de compañías rivales. No es de extrañar que Händel prefiriera promover y organizar su propia temporada anual de conciertos en el Covent Garden sin interferencias y con sus propios solistas, orquesta y coro elegidos a dedo. Sémele sorprendió a su público: no era una ópera italiana convencional debidamente "escenificada" (aunque claramente lo era en la imaginación de Händel y a pesar de la presencia de elaboradas indicaciones escénicas); tampoco era un oratorio piadoso basado en el Antiguo Testamento adaptado a la época de Cuaresma. Ni mucho menos. En su lugar, eligió una historia "profana" basada en Ovidio, en la que los dioses y los mortales actúan al mismo nivel, comportándose mal y apasionadamente, pero de forma que todo el mundo -excepto el descontento público de la época o, más tarde, los mojigatos victorianos- puede identificarse con ella.

Ópera
La Fenice
Giuseppe Verdi
Maurizio Benini, Arnaud Bernard

Basado en la obra de Schiller Kabale und Liebe (Intriga y amor), el trágico melodrama de Verdi Luisa Miller gira en torno a los amores de la heroína del título y de Rodolfo, hijo del conde Walter, y a las maquinaciones del mayordomo del conde, Wurm, que quiere a Luisa para sí, con el resultado de la muerte de los tres. Dirigida por Arnaud Bernard, que se inspiró en la película 1900 de Bernardo Bertolucci de 1976, esta producción de La Fenice está protagonizada por la extraordinaria soprano búlgara Darina Takova, cuya intensa caracterización de Luisa pone de relieve la tortura interior de la heroína, y por Giuseppe Sabbatini, que aporta una emocionante teatralidad al papel de Rodolfo, especialmente en el aria más famosa de la ópera, "Quando le sere al placido".

 

Con la colaboración de Naxos.

Ópera
Teatro Real
Giuseppe Verdi
Renato Palumbo, David Alden

David Alden plantea su puesta en escena de Otello desde la coherencia de la adaptación del texto de Shakespeare que propone Giuseppe Verdi. En el primer acto del dramaturgo inglés, que Verdi suprime, conocemos la grandeza del amor de Desdemona, dama veneciana joven, aristocrática y bella, por ese soldado tan rudo, tan viril, tan moro y tan colérico que es Otello. A este amor se opone su padre, el noble Brabantio, que ya en el primer acto cuestiona cómo su hija ha podido elegir “refugiarse en un pecho tan negro como el vuestro, que da miedo”.

 

De hecho, el amor de Desdemona por Otello se considera arte de magia. En cambio, el amor de Otello por Desdemona se considera como lo más lógico del mundo: Desdemona es tan refinada, tan blanca, tan aristocrática y tan buena cristiana que cualquiera comprende que Otello no pueda menos que amarla. Se aman, pero la diferencia direccional del amor de ambos es innegable. Y es sobre estas diferencias cómo un personaje resentido y diabólico, el alférez Iago, acabará logrando tejer su venganza contra el general Otello por no haberlo ascendido a capitán, como esperaba.

 

La venganza necesita de un resorte mínimo, porque en esencia consiste en hacer creer a Otello lo que ya cree todo el mundo: que no es posible que una dama así se pueda haber enamorado de alguien como él. Resulta por tanto muy fácil hacerle sospechar que la dulce Desdemona se ha enamorado de un hombre de su misma condición, Cassio, que el mismo Iago define como la antítesis de Otello. Y por esto, pese a que Otello tiene un alma noble, pese a que Desdemona está realmente enamorada de él, pese a que Cassio es leal e intachable, la insinuación de Iago da sus frutos y Otello realmente cree que Desdemona le engaña.

 

En el texto teatral, Shakespeare explica la acción dramática a través del tema del racismo, que es la fuerza motriz de la tragedia. Pero tanto el libretista, Arrigo Boito, como Verdi comprenden que la intensidad del drama se puede incrementar todavía más si se logra que el racismo juegue un papel menos visible y el acento se sitúe en la fragilidad de un personaje perfectamente asimilable físicamente a cualquiera de los otros; un personaje vulnerable y dominado por una turbulencia interior. Así, Verdi convierte el racismo en algo muy colateral, apenas mencionado en momentos aislados. Y eso mismo propone David Alden: Otello es un outsider, es “el otro” porque así lo siente en su fuero interno. No tiene por qué ser negro ni físicamente diferente a los demás personajes.

 

Su conflicto es interior y tiene un nombre: inseguridad, que es lo que a tantos hombres ha llevado a cometer las mayores atrocidades. Vemos la trágica desintegración del héroe con horror fascinado, encerrado en el ciclo destructivo del destino. La escenografía alude a un patio chipriota, pero, sobre todo, a un mundo militarizado, brutal, de soldados deshumanizados, en una guerra que les impide responder al amor o la ternura. Y en este contexto, Otello nos coloca ante uno de los miedos más inconfesables del ser humano: no sentirse merecedor de lo que más se ama.

 

Renato Palumbo, que en el Real ha dirigido Les Huguenots, Tosca y La traviata, vuelve con otro título verdiano, de nuevo con la soprano albanesa Ermonela Jaho, que triunfó con su interpretación de La traviata, en 2014. Acompañada por el tenor Gregory Kunde, uno de los más alabados intérpretes del exigente papel de Otello en la actualidad, que también inauguró una de las pasadas temporadas del Real con su aplaudido Roberto Devereux. Junto a ellos, encarnando al sádico y sibilino Iago, el barítono George Petean, participante en la ópera I puritani.

Ópera
English National Opera
Benjamin Britten
Edward Gardner, Deborah Warner

La bella y evocadora producción de Deborah Warner de la última obra maestra operística de Britten ha sido aclamada como un "exquisitamente conseguido matrimonio entre la música, el teatro y el diseño" (The Independent). En la luminosa y convincente interpretación de Britten de la clásica novela de Thomas Mann, la obsesión del escritor Gustav von Aschenbach con el chico polaco Tadzio y su consecuente caída se reflejan en una "notable y desgarradoramente creíble interpretación" (The Guardian), de John Graham-Hall, que ya había recibido grandes críticas por cantar el papel de Aschenbach en La Scala. Los geniales coro y orquesta de la English National Opera son dirigidos por Edward Gardner, un defensor de la música de Britten durante mucho tiempo.

 

Con la colaboración de Naxos

Ópera
Maggio Musicale Fiorentino
Giacomo Puccini
Valerio Galli, Denis Krief

Cuando Il trittico se estrenó en el Metropolitan Opera de Nueva York en diciembre de 1918, Gianni Schicchi se convirtió en un éxito inmediato. El libreto se basa en un incidente mencionado en la Divina Comedia de Dante. La acción de Gianni Schicchi de Puccini tiene lugar en el dormitorio de Buoso Donati en la Florencia del siglo XIII, inmediatamente después de su muerte, mientras sus codiciosos parientes fingen dolor y buscan su voluntad. El estado de ánimo cambia a ira cuando los familiares descubren que han sido desheredados, por lo que buscan al ingenioso Schicchi para hacer un testamento falso. Schicchi, sin embargo, vuelve su plan contra ellos, legándose la mayor parte de la fortuna del difunto mientras los familiares, todos los involucrados en el crimen de falsificación, se ven obligados a sentarse en silencio.

Ópera
Deutsche Oper Berlin
Chaya Czernowin
Johannes Kalitzke, Claus Guth

Heart Chamber es un "examen del amor" en el siglo XXI, que aborda el sentido romántico del amor con dudas y destrucción mientras se espera una utopía del amor. En el centro de Heart Chamber hay una relación amorosa entre dos personas y las fuerzas que resultan de ella: alternan entre atracción y repulsión, entre el anhelo de fundirse el uno en el otro y el deseo de independencia. Chaya Czernowin escribe una ópera sobre los momentos más pequeños y más grandes en el encuentro de dos corazones. En Heart Chamber, sus agitaciones se envían a través de la habitación como sonidos frágiles, los propios personajes. O se acumulan en voluminosas nubes de orquesta y electrónica, y luego se desatan en una violenta ráfaga de sonido.

Con la colaboración de Naxos

 

 

Ópera
Theater an der Wien
Carl Maria von Weber
Constantin Trinks, Christof Loy

La "gran ópera heroico-romántica" de Weber, Euryanthe, se estrenó en Viena en 1823. Euryanthe es víctima de un complot para demostrar su infidelidad, pero su amor la imbuye de una fuerza colosal, que Weber caracteriza con una aguda perspicacia psicológica.

 

A través de la composición y prescindiendo del diálogo hablado, su trama caballeresca brinda oportunidades para una serie de arias, ariosos, duetos, cavatinas y coros que contienen algunas de sus mejores músicas operísticas. Esta producción muestra la versión original de la ópera, con algunos cortes muy menores.

 

Con la colaboración de Naxos

 

 

Ópera
Teatro Real
Richard Wagner
Semyon Bychkov, Claus Guth

Con la vista puesta en La montaña mágica de Thomas Mann y el conocimiento histórico de la vieja Europa como base de la producción, el director de escena Claus Guth desmadeja una de las partituras mas emocionantes y aplaudidas del gran Richard Wagner.

 

El estreno de Parsifal en los grandes teatros de ópera a partir de 1914, tras caducar los derechos exclusivos que Richard Wagner había dejado al Festival de Bayreuth desde su estreno en 1882, produjo un impacto enorme. No sólo por el descubrimiento de una de las partituras más monumentales y emocionantes de la historia de la música, sino también por una temática turbadora en plenas Gran Guerra y postguerra. Ese Parsifal que llegaba tras años de espera impaciente para salvar el templo del Grial sintetizaba el clima emocional de la Europa del momento, de grandes sacrificios y penurias, desorientación colectiva y búsqueda desesperada de un líder.

 

Parsifal, el inocente educado en la compasión, encarna el espejismo de la redención. Este es el punto de partida de la puesta en escena de Claus Guth, uno de los grandes nombres de la dirección de escena contemporánea, que debutó en el Real con uno de sus más aclamados espectáculos. El decadente hospital para lisiados de guerra en el que transcurre la acción, inspirado en el sanatorio de La montaña mágica de Thomas Mann, encarna los traumas y el desánimo que siguió a la Primera Guerra Mundial, cuyas esperanzas puestas en un nuevo líder desembocarán en un nuevo desastre.

 

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Ópera
Inolvidables
Camille Saint-Saëns
Luis Antonio García Navarro, Beni Montresor

Sansón y Dalila es un representativo ejemplo de ese exotismo que en el s. XIX actuó como una de las principales corrientes de la imaginación francesa. La única de sus trece óperas que se ha mantenido en el repertorio, en ella Saint-Saëns se adhiere a una auténtica tradición escénica en la que se cuentan títulos como L'Africaine de Meyerbeer, Les pêcheurs de perles de Bizet, o Lakmé de Delibes. La conocida trama bíblica es manejada para crear una obra que se sitúa entre el oratorio y la "grand-opéra". Del primero se recoge el sentido estructural, la importancia del coro y cierto estatismo, patente en el Acto I. Del segundo, el tono casi grandilocuente, la espectacularidad de la puesta en escena o la importancia del ballet, así como una envolvente voluptuosidad.

 

Junto a las frecuentes intervenciones corales, cabe destacar los números de Sansón, un tenor de tonalidades heroicas, y especialmente los de Dalila, uno de los papeles más importantes asignados a la voz de mezzosoprano en la historia del género, como el bellísimo "Mon coeur s'ouvre à ta voix", del Acto II. En el orientalismo que domina la brillante ambientación, Saint-Saëns utiliza procedimientos derivados de la música árabe, frecuentemente al Norte de África, y que también se reflejan en el último de sus conciertos para piano, subtitulado "Egipcio" en la Suite Algérienne o en Africa, para piano y orquesta.