Wainrot ha relatado que crear una obra coreográfica con un tema como “El Mesías”, surgió por diferentes necesidades y en el estreno en Buenos Aires en el año 1999 escribió en el programa de mano:  ¨Siento que, en este fin de milenio, por ser destacados protagonistas de una fecha y evento semejante, nos hace de alguna manera ser testigos y partícipes privilegiados del hecho. Será tal vez una fecha meramente estadística, pero que sin duda posee una carga emotiva y mística del mayor voltaje. “El Mesías” representa para mí, en este especial momento, una mirada a nuevas y-o viejas utopías, una mirada hacia nuestro interior, una necesidad de volver a escuchar nuestros íntimos silencios y de acercamiento a los otros, especialmente a los seres más cercanos, a esos que amamos, a los que comparten nuestra historia y destino y a los que fueron y son testigos de tantas alegrías como penurias. Crear El Mesías, ha sido una experiencia personal que me conmueve poder participar con todos¨.

La obra se desarrolla en una maravillosa atmósfera creada por la escenografía y el vestuario de Carlos Gallardo, donde todo es de suma claridad, diáfano como un cielo -piso, fondo, bancos, vestuarios y la caja escenográfica que la contiene- brindando un perfecto marco para mi ballet.

L’italiana in Algeri se representó en el Liceu la temporada 2018/19 en conmemoración de los 150 años de la muerte del compositor italiano Gioachino Rossini. El regista Vittorio Borrelli plantea un montaje vistoso y colorista, unido a la vibrante música rossiniana bajo la batuta del maestro Riccardo Frizza. El reparto está liderado por la mezzosoprano Varduhi Abrahamyan como Isabella, el bajo-barítono Luca Pisaroni como Mustafá y el tenor Maxim Mironov como Lindoro, tres voces muy cotizadas internacionalmente que confluyen en el escanario con Giorgio Caoduro como Taddeo, Sara Blanch como Elvira, Lidia Viñas-Curtis como Zulma y Toni Marsol como Haly.

L’ italiana in Algeri es una obra que juega la carta de la liberación de la mujer a través de su protagonista, Isabella, capaz de poner cada cosa en su lugar ante la rudeza de Mustafà. Rossini consiguió, a los 21 años, un triunfo total con esta farsa cómica en dos actos. A pesar de ser tan joven, el músico italiano consolidó su estilo personal, como legítimo heredero de la ópera buffa del siglo XVIII. Grandes arias como ‘Cruda sorte’ de Isabella y unos concertantes espléndidos —como por ejemplo el onomatopéyico final del primer acto— son algunos de los platos fuertes de este hilarante menú rossiniano.

"El corazón del Teatro Real” un documental producido por Telecinco Cinema dedicado a uno de los templos más exclusivos de la música y las artes escénicas del mundo. Un lugar donde el arte se crea, interpreta y experimenta al máximo.

La película dirigida por el prestigioso realizador de documentales José Luis López-Linares nos ofrece una visión general de la historia y funcionamiento del Teatro Real, a través de materiales de archivo nunca vistos, imágenes inéditas, entrevistas y la banda sonora de fantásticas producciones representadas en el Teatro Real. Un viaje condensado en 200 años de historia por camerinos, salas de ensayo, talleres, bambalinas; que se convierte en un verdadero placer para el espectador y la oportunidad de experimentar una sucesión majestuosa de descubrimientos y revelaciones acerca de este lugar.

Como explican las productores Álvaro Augustin y Ghislain Barrois “Si queríamos descubrir los secretos de 200 años de historia del Teatro Real, teníamos que desvelar lo que el Teatro Real es en realidad: es más que un edificio, más que un grupo de profesionales y artistas, más que un puñado de obras... El Teatro Real es historia; es el relato de unos apasionados por la música poniendo en pie un sueño. Un lugar donde cada noche cuando las luces se atenúan y el público se queda en silencio emergen todas las emociones absorbidas por su histórico telón de terciopelo.”

Entre las notables figuras que aparecen en la cinta, destacan Teresa Berganza, Mario Vargas Llosa, Plácido Domingo, Juan Diego Flórez, María Bayo, Nuria Espert, Mario Gas, Javier Camarena o Rufus Wainwright.

La Gioconda de Amilcare Ponchielli con la espectacular producción del director de escena, escenógrafo y figurinista Pier Luigi Pizzi. El maestro Guillermo García Calvo se estreno en el Liceu con esta ópera llena de lirismo que cuenta con un reparto de primer nivel encabezado por las soprano Saioa Hernández. Sobre el escenario les acompañarán el tenor Brian Jagde como Enzo Grimaldo, la mezzosoprano Dolora Zajick como Laura Adorno y el bajo Ildebrando D’Arcangelo como Alvise Badoero, entre muchos otros.  

En la Venecia del siglo XVII, Enzo Grimaldo quiere a Laura, esposa de Alvise, después de haber abandonado a la desafortunada Gioconda, hija de la Cieca, acusada de brujería. Pier Luigi Pizzi decide situar este drama en una Venecia “estilizada”, ayudándose de un “realismo poético que narra a través de estereotipos simbólicos” como el agua, la niebla, los canales, los puentes o las góndolas negras y funerarias. Una espectacular puesta en escena que en el año de su estreno en el Liceu recibió elogios como el que Roger Alier le dedicaba en La Vanguardia: “es una de aquellas óperas que tienen todos los elementos que gustan a los verdaderos amantes de la lírica, y además esta vez hemos tenido la suerte de caer en manos de un director escénico (Pizzi) que nos ha ofrecido espectáculo de calidad”.

Esta obra, emblemática del periodo comprendido entre la madurez verdiana y el verismo incipiente, es la partitura más celebrada de Amilcare Ponchielli. Además de la célebre “Danza de las horas” y del aria del suicidio de la Gioconda, la partitura esconde momentos de gran lirismo y sensibilidad postrománticos, así como la magistral orquestación y la escritura vocal para papeles como Laura, la Cieca, Enzo Grimaldo o Barnaba.

La Escuela Superior de Música Reina Sofía invita a artistas de primera línea para que impartan lecciones magistrales y compartan su conocimiento y experiencia con sus estudiantes.

Los alumnos de la Cátedra de Canto "Alfredo Kraus" Fundación Ramón Areces tuvieron la oportunidad de tener un encuentro con Javier Camarena, una las voces privilegiadas de nuestro tiempo. En este fragmento de su clase magistral, el tenor mexicano ayuda a Jorge Eleazar Álvarez a afrontar el aria "Come un'ape ne'giorni d'aprile" de la ópera "La Cenerentola" de Gioachino Rossini, una oportunidad única de ver el trabajo que hay detrás del resultado final y comprender el delicado equilibro de técnica, talento y expresión que es el canto lírico.

El monasterio franciscano de Santo Toribio, situado en la comarca cántabra de la Liébana, en las estribaciones de los Picos de Europa, es uno de los principales lugares santos del catolicismo junto con Roma, Santiago, Caravaca y Asís y, como ellos, es un importante centro de peregrinación. El lignum crucis que custodia está considerado por la Iglesia como el fragmento más grande que se conserva de la cruz de Jesucristo. El monasterio alberga además obras del Beato de Liébana, autor de los célebres manuscritos miniados del Comentario del Apocalipsis. Cada siete años, cuando la festividad de Santo Toribio coincide en domingo, como ocurrió en 2017, se celebra el Año Jubilar Lebaniego, que comprende multitud de iniciativas de tipo cultural. Una de ellas fue este concierto especial en celebración del Año Jubilar que se celebró el 13 de julio de ese año con el patrocinio de Viesgo. El concierto fue interpretado por la Camerata Viesgo bajo la dirección del maestro Péter Csaba. El programa consistía en un recorrido por la música instrumental del siglo XVIII. Sonó el segundo de los Conciertos op. 6 de Arcangelo Corelli, que vienen a ser el acta de nacimiento de una forma musical clave del periodo barroco: el concerto grosso. De Georg Philipp Telemann, se tocó uno de los muchísimos conciertos que escribió con esta misma forma. De Georg Friedrich Händel se incluyó un ejemplo de otra de las formas musicales más importantes de ese periodo: la sonata en trío. Se programó también una sonata de Carl Philipp Emanuel Bach, que mira ya a un tiempo nuevo, el mismo al que el padre Antonio Soler abrió las puertas del madrileño monasterio de el Escorial. De Soler se oyó una de sus obras maestras: el Fandango para clave. Un detalle interesante de este concierto es que las obras están ordenadas en orden cronológico inverso, empezando por el Soler postbarroco y terminando con el pionero Corelli.

No hay muchos pianistas que tengan la capacidad técnica y la musicalidad que se requieren para interpretar Iberia de Isaac Albéniz, una de las cumbres del arte pianístico universal. El madrileño Luis Fernando Pérez, que se hizo pianista con Dmitri Bashkirov en la Escuela Reina Sofía y trabajó intensamente también con Alicia de Larrocha, es uno de ellos. Es al autor de una magnífica edición de Iberia que la Escuela le encargó y está a disposición de todos. Es autor, también, de una grabación que está en la primera fila internacional de las iberias. Tanto como de Albéniz, Luis Fernando Pérez es un consumado intérprete del gran repertorio.

Las doce impresiones que integran los cuatro cuadernos de Iberia, son excepcionales no solo por su luminosidad y su carácter evocador, sino por su definición de un pianismo nuevo —y extremadamente difícil para el intérprete— en el que, a la manera del flamenco, el ornamento melódico y, sobre todo, armónico tiene una presencia exuberante y acaba alcanzando un valor estructural.  El Albaicín, impresión del popular barrio granadino, es la primera pieza del tercer cuaderno de Iberia y es también el asunto de esta clase magistral que Luis Fernando Pérez da a Izem Gürer, alumna del profesor Bashkirov en la Cátedra de Piano Fundación Banco Santander de la Escuela. La facilidad con que esta joven pianista turca asimila las explicaciones es prueba de que la música no conoce fronteras y de que, pese a todo su idiomatismo y su acento español, Iberia tiene la universalidad propia de las obras maestras y es accesible, por lo tanto, a grandes pianistas de cualquier procedencia.

La Escuela Superior de Música Reina Sofía invita a artistas de primera línea para que impartan lecciones magistrales y compartan su conocimiento y experiencia con sus estudiantes.

Leigh Melrose es un barítono australiano aclamado internacionalmente que combina el repertorio tradicional con frecuentes incursiones en la ópera moderna y contemporánea. En esta ocasión, Melrose disecciona con Raquel del Pino, alumna de la Cátedra de Canto "Alfredo Kraus" Fundación Ramón Areces, una pieza de Gioachino Rossini: "O tranquillo soggiorno", de la ópera "Sigismondo". Respiración, fraseo, pronunciación... Melrose repasa las herramientas necesarias para acometer una obra de la cumbre del Bel canto: Rossini.

Al Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid acuden cuartetos de cuerda de todo el mundo a perfeccionarse como intérpretes de la mano de Günter Pichler, violinista del legendario Cuarteto Alban Berg. Cuatro de estas agrupaciones dan muestra en este concierto de su excepcional nivel musical a través de obras de Haydn, Schubert, Schumann y Dvorák.

Franz Joseph Haydn está considerado el padre del cuarteto de cuerda, al que dio la forma que conocemos hoy. Compuso más de 80 cuartetos y el que interpreta el Cuarteto Barbican, su Cuarteto de cuerda núm. 60 en sol mayor, es uno de los últimos y más ambiciosos. Haydn sorprende con innovaciones en el tempo de los movimientos, incorporando temas populares y jugando con las tonalidades menores más allá de las convenciones de su época.

Más oscuro aún es el siguiente cuarteto: el Cuarteto de cuerda en re menor D 810 "La muerte y la doncella" de Franz Schubert. Interpretado por el Cuarteto Baum, debe su nombre al tema del primer movimiento, que Schubert tomó de su lied homónimo. La exploración del terror y consuelo de la muerte también está presente en este cuarteto, el único del compositor con todos sus movimientos en tonalidades menores, a través de fuertes contrastes anímicos y pasajes líricos y atormentados.

Un gran admirador del Cuarteto “La muerte y la doncella” era Robert Schumann, quien sin embargo sólo compuso tres cuartetos a lo largo de su carrera, el primero de los cuales interpretado aquí por el Cuarteto Gyldfeldt. Producto del estudio minucioso de los cuartetos de Haydn, Mozart y Beethoven, los de Schumann tienen un gusto clásico, pero no por ello tranquilo. El Cuarteto de cuerda en la menor op 41 núm. 1 arranca con gran intensidad, se divierte con un alegre scherzo, continúa con un movimiento lento ardiente y culmina en un torbellino de sonoridades.

Muchos de los grandes virtuosos de la historia del violonchelo han sido, además, compositores. Algunos, como Luigi Boccherini o Pablo Casals, han compuesto música de todos los géneros. Otros se han concentrado en el instrumento que les era propio. De estos, no todos han conseguido el reconocimiento que les corresponde por la calidad y el interés de su música. En este concierto de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, los jóvenes músicos de la Cátedra de Violonchelo Aline Foriel-Destezet, alumnos del profesor Ivan Monighetti, reivindican a tres de estos violonchelistas/compositores, muy admirados en la Europa de la segunda mitad del siglo XIX. David Popper, natural de Praga, triunfó en Viena como concertista y enseñó en la Academia Liszt de Budapest. El ruso Karl Davidov fue el violonchelista favorito de Chaikovski. Su magnífico stradivarius lo toca hoy Yo-Yo Ma. Desde Bélgica brilló en toda Europa Adrien Servais, padre de la escuela belga de violonchelo y amigo y compañero de conciertos de Vieuxtemps y Liszt. La música de estos tres virtuosos alterna en este concierto con dos pilares del repertorio de violonchelo, un fragmento de las Suites para violonchelo solo de Johann Sebastian Bach y el Concierto en mi menor de Edward Elgar, y con dos transcripciones de obras originales para violín y piano: la última de las diez sonatas de Beethoven y el Scherzo con que Brahms contribuyó a la sonata colectiva dedicada a Joseph Joachim.

La música de cámara es uno de los pilares en la formación de un músico y en la Escuela Superior de Música Reina Sofía todos los alumnos forman parte de grupos de cámara de primer nivel. En este concierto, parte del Ciclo Jóvenes Talentos Fundación Banco Sabadell, el Grupo Arriaga de Banco de España y el Grupo Da Vinci de Google interpretan obras para cuerda y piano de Johannes Brahms y Claude Debussy.

El Cuarteto con piano núm 3. en do menor, Op. 60 de Brahms es en ocasiones llamado su Cuarteto Werther por la novela de Goethe. Brahms compuso este cuarteto en un periodo de su vida muy influido por el movimiento Sturm und Drang, y en la naturaleza tormentosa de la música de esta obra muchos han querido ver una expresión de su amor no correspondido por Clara Schumann.

La segunda obra del concierto tiene también un marcado carácter romántico, algo que puede resultar sorprendente tratándose de una obra de Debussy, que nos acostumbra a las brumas del impresionismo. En este Primer trío con piano en sol mayor, obra de juventud y su primer gran proyecto musical, Debussy da muestras de su genio con la mirada puesta en su pasado musical pero dando firmes pasos hacia un estilo personal.

I Capuleti e i Montecchi, de Vincenzo Bellini, es una tragedia en dos actos con el libreto de Felice Romani –también autor de Giulietta e Romeo para Vaccai- que surge de la obra de Zingarelli Giulietta e Romeo, referencia a la Italia de principios del siglo XIX. Esta ópera es una de las versiones más apasionadas y concentradas del drama de los amantes de Verona que en esta producción luce un espectacular vestuario diseñado por Christian Lacroix. La dirección musical de Riccardo Frizza, que debutó en el Gran Teatre, se mezcla con una dirección de escena “sin ningún «espectro» elisabetino, pocos incisos, un gesto osado, apasionado e inspirado, dramático y enérgico como este final contundente y seco como una bofetada”, señala Vincent Boussard.

La mezzosoprano Joyce DiDonato, galardonada con el premio Grammy 2016 a la mejor cantante clásica, interpretará el rol de Romeo, conjuntamente con Patrizia Ciofi, que encarnan a Giulietta. El libreto no es, en cualquier caso, una adaptación del Romeo and Juliet de Shakespeare; no obstante, se nutre de las mismas fuentes que el dramaturgo inglés utilizó para su propio drama, remitiéndose también a la tradición poética. El reparto se completa con Antonio Siragusa como Tebaldo, Simón Orfila como Lorenzo y Marco Spotti como Capellio.

El vestuario es una de las piezas clave de I Capuleti e i Montecchi, con el espectacular diseño de Christian Lacroix. Según Lacroix, sus diseños siempre han destacado por su aspecto teatral. Es por ello que han tenido mucho éxito en esta producción. Boussard y Lacroix llevan unos 15 años trabajando y el diseñador “ha intentado escuchar a Boussard e ilustrar su fantasía”. La libertad de Lacroix para diseñar ha sido total “mezclando nuevos y antiguos patrones que revelan el interior oculto y frágil de los personajes”.

La breve aria de Romeo “Deh tu, bell’anima” es uno de los momentos más destacados de la obra, en la que Bellini, conservando algunos elementos del belcanto inicial –como el hecho de pensar un rol masculino para una mezzosoprano-, va un paso más allá hacia la liberación de la melodía respecto al ritmo: las evoluciones vocales de Giulietta y las de Romeo causaron el impacto previsible que dio al compositor un prestigio inmenso.