Que en este melodrama verista de rivalidades políticas, pasiones cruzadas y sangriento desenlace no se pronuncien jamás las palabras 'honor' o 'venganza' da una idea de las intenciones de Puccini de trascender y renovar el marco tanto del melodrama italiano como del verismo. Prueba de ello son el ritmo casi cinematográfico de la acción dramática, la profusión en el empleo del leitmotiv, o una masiva orquestación que alcanza sus picos en escenas como las del «Te Deum» o la del interrogatorio. Frente a la maquinaria represiva dirigida con mano de hierro por el siniestro Scarpia, los amantes Tosca y Cavaradossi no podrán elevar sus voces sino para expresar su desaliento y su derrota, retratándose así como víctimas y como habitantes de pleno derecho de un siglo que asistirá impotente al nacimiento del estado totalitario moderno, la destrucción masiva y el genocidio. Estrenada en el Teatro Costanzi de Roma en 1900, Tosca se mantiene hasta hoy como una de las óperas más populares e incombustibles, un bocado apto para todos los paladares que sube al escenario del Real en versión escénica de Paco Azorín estrenada en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, una lectura fresca y directa situada sobre un escenario giratorio y realzada con proyecciones.

"El programa comienza con Réquiem para una Rosa de Annabelle Lopez Ochoa, destacada coreógrafa internacional, con quien trabajamos a través de una pantalla. Nos separaban miles de kilómetros de distancia, pero gracias al profesionalismo de los bailarines y el entusiasmo de ella, llegamos a un exitoso resultado.

Luego presentaremos Tres Preludios de Ben Stevenson, remontada por Sara Nieto, quien después de muchos años volvió a reencontrarse con la compañía, rescatando la tradición del Ballet de Santiago y transmitiendo todos sus conocimientos a las nuevas generaciones.

Otro momento especial será la interpretación que harán Andreza Randisek y Rodrigo Guzmán del "pas de deux" de Carmen, creado por Marcia Haydée. Andreza, primera bailarina estrella de esta compañía, hoy se despide del Ballet de Santiago y de los escenarios.

Finaliza el programa con La 5ª, creación de Esdras Hernández, quien también es Solista de la compañía, poniendo en escena toda la fuerza de una obra con un lenguaje moderno."

Luis Ortigoza, director artístico

Les contes fantastiques d’Hoffmann, obra teatral de Jules Barbier y Michel Carré producida en el Teatro Odeón de París en 1851, fue vista por Offenbach. Luego se representó como ópera, al piano y con cortes, en casa del compositor en 1879, quien murió en 1880 dejándola inconclusa. Ernest Giraud (1837-1892) emprendió su orquestación y añadió recitativos. Se estrenó en la Opéra Comique parisina, el 10 de febrero de 1881, sin el acto de Giulietta. La presente puesta de Eugenio Zanetti introduce un equipo de filmación, preparándose para filmar una biografía de Hoffmann. Estos personajes intervendrán varias veces en la acción.

El Gran Teatro Nacional del Ministerio de Cultura, presenta Alzira de Giuseppe Verdi, obra ambientada en el virreinato Perú. Esta ópera es la primera gran coproducción internacional del Gran Teatro Nacional del Perú, la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO) de España y Opera Royal de Wallonie-Liége de Bélgica.

La puesta en escena se estrenó hace dos años, iniciando las celebraciones por el Bicentenario de nuestra independencia, y cuenta con libreto de Salvatore Cammarano, inspirado en la célebre novela de Voltaire “Alzira y los americanos”. El equipo creativo estuvo a cargo del regista peruano Jean Pierre Gamarra, quien se encargó de la dirección escénica y el maestro español Oliver Díaz, fue el responsable de la dirección musical.

Alzira es una tragedia protagonizada por la soprano argentina Jaquelina Livieri (Alzira), el tenor peruano Juan Antonio de Dompablo (Zamoro) y el barítono Jorge Tello (Guzmán), acompañados por destacados solistas del Coro Nacional de Perú y la Orquesta Sinfónica Nacional. Esta producción fue reconocida este año con el premio Ópera XXI en la categoría “Mejor Nueva Producción Latinoamericana” por la Asociación de Teatros, Festivales y Temporadas Estables de Ópera de España.

La historia empieza en una planicie junto al río Rímac, con indígenas al mando de “Otumbo” que mantienen preso al viejo gobernador español “Álvaro”. El inca “Zamoro” llega hasta el lugar y ordena su liberación, pese a que fue secuestrado y torturado por órdenes del tirano “Guzmán” (hijo de “Álvaro”) para que el pueblo piense que estaba muerto. “Zamoro” se entera de que su amada “Alzira” está cautiva en la capital junto a su padre “Ataliba” y reúne a los pueblos diseminados para resistir a las fuerzas invasoras, convirtiéndose el relato en una arenga de lucha por la libertad.

En una relectura contemporánea, esta versión de la obra permite sostener un diálogo entre la historia del Perú virreinal y la década de 1920. Es así que de fondo se expone un periodo de conflicto entre el gobierno aristocrático y los pueblos originarios, en un espacio abstracto que representa la tierra profanada y violentada. También proyecta el combate entre europeos en América y el americano dueño del territorio invadido, la lucha incesante por el poder y el trágico destino de una mujer sometida a un sistema político y social guiado por hombres ambiciosos y obsesivos.

Una inventora recibe la visita de un hombre, en el Centro de la Tierra, que pide la construcción de una máquina que pueda moverse eternamente. Más que ciencia ficción, la ópera Moto-continuo, del compositor Piero Schlochauer, trata de algo más profundo.

Con libreto de Beatriz Porto, Isabela Pretti y el propio Piero, Moto-continuo es una ópera de un solo acto, de unos 30 minutos de duración, escrita para un quinteto de viento (flauta, oboe, clarinete, trompa y fagot), tímpano y dos percusionistas, y cuenta con la participación de la Filarmónica de Amazonas, con los solistas Juliana Taino (mezzosoprano) y Erick Souza (barítono).

Un movimiento perpetuo, que da nombre a la obra, es una máquina hipotética que utilizaría la energía de su propio movimiento de forma indefinida. Una máquina imposible, ya que su idea viola las leyes de la termodinámica. “La invención en sí, el movimiento perpetuo, fue una de las últimas ideas que se discutieron. Los impulsos y ansiedades de los personajes en escena fueron lo primero y fueron los elementos rectores en la construcción de la narrativa ”, apunta el compositor. Piero destaca que toda la ópera se estructura en un diálogo ininterrumpido entre la inventora y el hombre que la visita. A pesar de dar la impresión de ciencia ficción que podría haber salido de uno de los libros del escritor francés Jules Verne, Piero garantiza que el punto central de la obra es otro.

“El verdadero meollo del asunto es la dinámica entre los dos en esta eterna búsqueda de sentido, que se desconoce. El texto en sí, en las palabras habladas y cantadas, ni siquiera es tan metafórico: los diálogos pueden ser dichos por cualquiera. Pero la concepción del conjunto da lugar a muchas lecturas e interpretaciones diferentes, lo que siempre aporta una rica experiencia para el público ”, enfatiza.

Sobre la producción y los solistas elegidos, el compositor revela que el público puede esperar un evento “impecable”. “Juliana Taino y Erick Souza leyeron el material de manera hermosa, dándose cuenta y dando una dimensión a los personajes mucho más allá de la superficie, y con hermosas voces. Todo el equipo escalado por la FAO fue impecable, la dirección de William Pereira, la ejecución de la Filarmónica de Amazonas, la escenografía de Giorgia Massetani, construida a partir de la estructura existente del Museo Catavento.

Comedia de enredos que se desarrolla en Sevilla, España, donde Fígaro y Susana - siervos del conde Almaviva - están por unirse en matrimonio. Antes de otorgar su permiso para el enlace, el conde planea seducir a Susana, ejerciendo el abolido “derecho de pernada”. La pareja de enamorados, en complicidad con la dolida condesa Almaviva, se preparan para impedirlo a toda costa. Por otra parte, el propio conde descubre que el paje Cherubino intenta flirtear con su esposa, hecho que despierta su furia contra el joven. Y, a su vez, Marcelina y Bartolo harán lo posible porque Fígaro cumpla un antiguo contrato que lo obliga a casarse con ella, para regocijo del conde. El embrollo generalizado que priva en el palacio de Almaviva irá en aumento hasta llegar a un clímax en cuya resolución intervendrán una serie de hechos inesperados.
 

La historia de la sirvienta que se transforma mágicamente en princesa está presente en las tradiciones folclóricas de la antigua Grecia, la dinastía Tang en China, Las mil y una noches, así como en las antologías de Perrault, los hermanos Grimm y –como todos sabemos– Walt Disney. Ahora bien, en ninguna de ellas –que sepamos– se pronuncia la pregunta de resonancias hamletianas que si escuchamos en La Cenerentola de Rossini: ≪.Soy un príncipe o una coliflor?≫. En efecto, un siglo y medio de tradición de commedia dell’arte y otro mas de opera buffa no habían transcurrido en balde y, así, el último dramma giocoso del último gran representante de este género batió todas las expectativas en su tiempo –la ópera llegó hasta Constantinopla, Buenos Aires, Calcuta y Sidney a solo unas pocas décadas de su estreno en Roma– del mismo modo que sigue sin defraudar en el nuestro.

La divertida y animada producción de Stefan Herheim que nos visita en esta ocasión añade un inesperado ingrediente a esta excitante mezcla de humor y fantasía, pues en ella el propio compositor hará acto de presencia y demostrara como la verdadera magia se encuentra, en realidad, en la voz humana.

El debut de Anne Schwanewilms es uno de los más esperados en el LIFE Victoria. Nacida en Alemania, destaca en los roles femeninos creados por Richard Strauss -su última aparición en Barcelona fue Arabella en el Liceu- pero también en roles wagnerianos tales como Elsa (Lohengrin) o Elisabeth (Tannhäuser), así como en otros títulos comoDialogue des Carmélites, Wozzeck o Otello. Inspirada por el drama de la ópera, la soprano se presenta de nuevo en Barcelona en un programa dividido en cuatro partes, cuatro viajes del alma que repasan algunos de sus compositores recitalísticos de cabecera.

En la primera parte, Himmelfahrt (Ascensión) interpretará Lieder eteris de Mahler, comoWo die Trompeten blasen y Debussy, como L’invitation au voyage, que da nombre a la edición de 2020. Los tres Lieder d’Ofelia de Strauss, su compositor de cabecera, centrarán la segunda parte dedicada a Reisen in den Irrsinn (Viajes a la locura), mientras que las Proses lyriques de Debussy centrarán los Traumreisen (Viajes poéticos). Para finalizar el Lieder de Wolf pondrán la magia cerrando con la última parte Phantasiereisen (Viajes a la fantasía) este recital tan esperado.

Para celebrar el 90º aniversario del gran coreógrafo del siglo XX, Yuri Grigorovich, el Teatro Bolshói revive La edad de oro. El ballet se presentó por primera vez en el Teatro Kirov en 1930 con, como tema central, la batalla y el triunfo del proletariado contra la burguesía decadente. Sorprendentemente, la partitura de Dmitri Shostakóvich suscitó controversias políticas y, en consecuencia, el ballet desapareció de los teatros hasta 1982, cuando Yuri Grigorovich lo reestrenó con decorados de Simon Virsaladze y un libreto completamente nuevo con una historia de amor como eje central. El conflicto de la producción original se reformuló como un enfrentamiento entre los pescadores -los trabajadores idealistas y moralmente superiores- y los elementos criminales de la sociedad.

Revivido treinta y cuatro años después con grandes artistas de la nueva generación del Ballet Bolshói interpretando los papeles principales, como Nina Kaptsova, Mikhail Lobukhin o Ruslan Skvortsov, el ballet finalmente hizo historia.

En octubre de 2020, el Festival Victoria de los Ángeles programa por primera vez el Winterreise.

El barítono Samuel Hasselhorn acompañado al piano por Ammiel Bushakevitz nos adentran en el El viaje de invierno de Schubert.

Viaje de voz de mujer

Dedicando la edición a los viajes del alma, era casi obligatorio comenzar el festival de 2021 con Winterreise, este viaje de invierno, introspectivo, misterioso… y una fuente inagotable de interpretaciones y matices. Así, a lo largo de 2020-21 nos habremos acercado al ciclo de Schubert a través de varias visiones: la más clásica, con la interpretación barítona pero joven y fresca de Samuel Hasselhorn y la experiencia de Malcolm Martineau; una más innovadora, con el acercamiento dramático de Rafael R. Villalobos en la tesis de contratenor de Xavier Sabata y Francisco Poyato al piano; y finalmente el de un tenor de referencia como Mark Padmore, representante de la escuela inglesa, con James Baillieu al piano. Esta lista no podía perderse el acercamiento femenino al viaje, y nadie mejor para hacerlo que la mezzosoprano Fleur Barron, que ofrecerá, junto con la siempre romántica Julius Drake en el piano, una visión con mucho que decir sobre el mito de Schubert y que no dejará indiferente a nadie.

La interpretación de Bieito de Lohengrin de Wagner trata del amor, el odio, los celos y la esperanza, pero sobre todo de la necesidad imperiosa del hombre de creer en algo. Para visualizar estos dos mundos contrapuestos, Bieito crea dos escenarios: el mundo de los cuentos de hadas (el bosque) y la realidad (la sala del tribunal). Según Bieito, los cuentos de hadas son tan relevantes hoy en día como lo fueron en su día y no son sólo fábulas que contamos a nuestros hijos, sino una necesidad en la edad adulta, ya que reflejan la vida misma ofreciendo tanto lo bueno como lo malo.