Como una de las obras maestras más populares creadas por el maestro de ópera Verdi, Aida siempre es favorecida por los amantes de la ópera en todo el mundo: la vívida caracterización tridimensional y las melodías apasionadas. El equipo creativo está acompañado por el escenógrafo italiano Ezio Frigerio y la diseñadora de vestuario Franca Squarciapino, que fueron miembros creativos de la producción de Nabucco de NCPA.

Aida se estrenó en 1871. La trama se centra en la historia de amor entre la princesa etíope Aida y el héroe egipcio Radamés. Al elegir entre amor y lealtad para defender el país, la pareja es indecisa en un dilema. La ópera está llena de un fuerte contraste para las emociones: Aida ama con el enamoramiento de la patria y Radames, Radames celebra la victoria y decide sobre el 'acto injusto', y la princesa egipcia Amneris tiene un deseo dominante por Radames. La historia presenta una textura regordeta para que la gente se lamente por este hermoso amor.

Para lograr una representación precisa de las características regionales y las características culturales de toda la historia, Verdi fue repetidamente a museos para ver antigüedades egipcias y pidió consejo a expertos egipcios. Combina los antiguos materiales musicales en la presentación de la ópera con una comprensión viva y profunda. El gran escenario lo hace adecuado para auditorios al aire libre.

Este título no incluye subtítulos en castellano

Cuando Georges Bizet estrenó su ópera Carmen, no podía imaginar que su bella y seductora cigarrera se convertiría en un mito, en la precursora de un comportamiento femenino que rompía todos los convencionalismos. Es uno de los títulos que más se ha representado en el Teatro Real y su presencia es constante en las temporadas de ópera de todos los teatros del mundo.

El director de escena Emilio Sagi recurre al imaginativo vestuario del diseñador Jesús del Pozo para enfatizar la sensualidad, los rasgos, la fiesta y el trágico final. Sus originales concepciones dibujan la atmósfera, casi de colmena, de la fábrica de tabacos, la calidez de la luz sevillana, el frío del campamento en la serranía…

García Navarro, director musical del Teatro Real, en el momento de esta grabación (8 de abril de 1999), aúna bajo su batuta al Coro de la Comunidad de Madrid, a los niños de la Escolanía Nuestra Señora del Recuerdo, a la Orquesta Sinfónica de Madrid y a un elenco encabezado
por Agnes Baltsa, Neil Shicoff, Geer Grimsley y Andrea Dankova.

Con Das Rheingold, se marca el inicio de El anillo del nibelungo, la colosal tetralogía de Richard Wagner y la segunda que el Teatro Real lleva a su escenario desde su reinauguración en 1997. Pablo Heras-Casado, principal director invitado del Real, dirige un reparto con renombrados cantantes wagnerianos como Greer Grimsley, Sarah Connolly y Samuel Youn en una desoladora producción de Robert Carsen. El director de escena canadiense sitúa el prólogo del Anillo en la crudeza de nuestro contaminado mundo actual, donde se despliegan los personajes del conflicto cósmico retratado en la tetralogía, que veremos completa a lo largo de las próximas temporadas.

Norma (1831), con libreto de Felice Romani, habitual colaborador de Bellini, se basa en la tragedia de Alexandre Soumet Norma ou L’Infanticide de Louis, representada poco antes en París con éxito. Se trata de una actualización, en clave romántica, de algunos temas de la tradición clásica, como el de la sacerdotisa que rompe sus votos por amor (La Vestale de Spontini, 1807) y el infanticidio como venganza (Medea de Cherubini, 1797). La  ambientación en el mundo de los druidas de la Galia y los amores de una sacerdotisa con un militar romano tienen el referente de un episodio de Les Martyrs (1809) de Chateaubriand.

La acción se concentra en la unidad de tiempo que exige el teatro clásico y las formas tradicionales del melodrama italiano se integran en un gran cuadro colectivo. La figura de Norma, de una gran complejidad psicológica, se levanta por encima de todos,con una belleza melódica inaudita.

Teresa Lloret
Filóloga

En una época marcada por las prisas y la necesidad de alcanzar inmediatamente las más rápidas metas, Alfredo Kraus supo instalar la prudencia y la mesura entre sus objetivos. La inteligencia comienza con el descubrimiento de su capacidad vocal, sigue con la elección del oportuno repertorio y termina con la controlada distribución de sus posibilidades. La coherencia de su trayecto profesional es determinante. De casi 40 roles operísticos, unos veinte bastan para cimentar su leyenda, todos cantados en italiano o francés y, por lo tanto, pertenecientes a estos repertorios. Personalidades juveniles, apasionadas y proclives al sentimiento amoroso, entidades que facilitan las mejores armas de su canto: la elegancia, la flexibilidad, la fluidez, la espontaneidad, la transparencia del sonido, la sutileza y la facilidad de ascensión al registro agudo, cualidades mantenidas impolutas, con los lógicos cambios aportados por la edad, a lo largo de su dilatada carrera.

Kraus nos impresiona por muchas razones, pero especialmente por la característica calidad tímbrica, la fantasía del fraseo, la exhibición de sus regulaciones, la naturalidad de su legato y la perfección de la línea.

Fernando Fraga 

Mantua, Italia. Rigoletto, bufón del duque de Mantua, tiene una hija secreta que es seducida precisamente por el duque. Los cortesanos la raptan y la llevan a palacio creyendo que es la amante de Rigoletto, que los insulta y les reclama su hija. Después de hacer comprender a la hija que el duque no la ama, Rigoletto urde su venganza.

Debut de Javier Camarena y Antonino Siragusa en el rol del duque de Mantua en el Liceu, acompañados de Carlos Álvarez, Àngel Òdena -que debuta el rol de Rigoletto- y Leo Nucci, en un Rigoletto de lujo en el coliseo barcelonés. Una pieza esencial de la ópera basada en un drama de Victor Hugo y censurada antes de su estreno por su crítica a la monarquía de la época.
La producción de Monique Wagemakers es minimalista pero muy compleja técnicamente, con un vestuario rojo veneciano renacentista que recrea el intenso abanico emocional de Rigoletto. 

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El estreno en el Teatro Real de Street Scene, de Kurt Weill, en febrero de 2018, fue uno de los acontecimientos de la Temporada. Con libreto de Elmer Rice, basado en su obra homónima (premio Pulitzer 1929), y letra para las canciones de Langston Hughes, Street Scene cuenta una historia de vidas anónimas en una gran ciudad de manera brutalmente realista.

Esta ópera, la primera compuesta por Weill en su exilio americano, fue denominada por el autor “ópera estadounidense”, y en ella se amalgaman la comedia musical de Broadway, el jazz norteamericano y la tradición europea operística.
 

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La ópera Aida de Giuseppe Verdi con libreto de Antonio Ghislanzoni está ligada al Teatro Colón de Buenos Aires desde sus orígenes. En 1908, fue el título con el que se inauguró su actual edificio. Desde entonces, se representó innumerables veces, con figuras tan deslumbrantes como Enrico Caruso, Beniamino Gigli, Renata Tebaldi y María Callas, entre otros. 

A partir de 1966, el argentino Roberto Oswald se hizo cargo de la escenografía y del vestuario y en 1989 asumió la puesta en escena, mientras el vestuario estuvo a cargo de Aníbal Lápiz. Esta clásica producción de la casa argentina, realizada íntegramente en sus talleres, fue repuesta en
mayo de 2018 para celebrar los 110 años del edificio con un elenco que contó con las voces de Latonia Moore y Riccardo Massi junto a figuras locales y la Orquesta, el Ballet y el Coro Estables del Teatro Colón.

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Para celebrar Fin de Año de 2017, el Teatro Real estrenaba, en la Sala Principal, una nueva producción para todos los públicos. La música de la célebre obra de Maurice Ravel, Mi madre la oca, interpretada por la Orquesta Titular del Teatro Real, con dirección musical de Carlos Chamorro, va a estar acompañada de las siempre brillantes narraciones de Fernando Palacios que, en esta ocasión, pondrá voz a algunos de los cuentos tradicionales más famosos, como Pulgarcito o La bella durmiente. Las ilustraciones de Iban Barrenetxea nos servirán para adentrarnos en un mundo de fantasía del que no querremos salir.

Las primeras ediciones de cuentos de hadas surgieron en Francia hace varios siglos. Unas veces eran recopilaciones de cuentos redactados con primor, otras eran nuevos cuentos inventados en el estilo tradicional. El primer autor fue Charles Perrault (La bella durmiente del bosque, Caperucita roja, Barba azul, El gato con botas, La cenicienta, Pulgarcito...) Madame d’Aulnoy le siguió con El cuarto de las hadas y Madame de Beaumont con La bella y la bestia. Un par de siglos después (ya en el XX), Maurice Ravel eligió algunos momentos mágicos de estos cuentos para inspirar su obra Ma mére l’oye. Y un siglo después hemos unido los cuentos con la música y ha surgido un cuento musical.

El 26 de enero de 2018, tiene lugar en el Teatro Real el estreno en España de Dead Man Walking, primera ópera del compositor Jake Heggie, basada en el libro homónimo de la hermana Helen Prejean, llevada al cine como Pena de muerte por Tim Robbins con Sean Penn y Susan Sarandon, ganadora del Óscar a Mejor Actriz.

Dead Man Walking (Ahí va el hombre muerto) - argot de las prisiones estadounidenses para referirse al condenado a muerte cuando es trasladado desde la celda hasta la silla eléctrica- es una reflexión sobre la pena de muerte y, al mismo tiempo, sobre el poder redentor del amor.

La mezzosoprano Joyce DiDonato dará vida en el Real a la hermana Helen Prejean, protagonista del drama, bajo la dirección musical de Mark Wigglesworth y escénica de Leonardo Foglia.

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Fundado en México en 1982, ganó en dos ocasiones el Grammy Latino: en 2012, por su disco Brasileiro, works of Francisco Mignone, y en 2016 por El Hilo Invisible. Hoy representa una voz única en el ámbito internacional, difundiendo la creación musical de América Latina en los cinco continentes.
El Cuarteto Latinoamericano ha obtenido, desde 2004, importantes apoyos del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México como parte del proyecto México en Escena. Estas becas le han permitido al Cuarteto desarrollar diferentes planes de trabajo, que han incluido cursos, seminarios, proyectos de investigación musical, grabaciones, así como giras de concierto a nivel mundial.
El Cuarteto juega un papel decisivo en la formación de músicos en México, y sus miembros han estado afiliados a distintas instituciones de educación musical mexicanas.

Además, tiene a su cargo la Academia Latinoamericana de Cuartetos de Cuerda, afiliada al Sistema de Orquestas Juveniles de Venezuela. El cuarteto  que Cuarteto Residente de la Universidad Carnegie Mellon en Pittsburgh, Estados Unidos, desde 1987 hasta 2007.

El Cuarteto Latinoamericano graba para los sellos Quindecim, Urtext, Luzam, Naxos, Tonar, Tocatta, Elan, New Albion y Dorian Sono Luminus, para el cual grabó la integral de los 17 cuartetos de Villalobos, habiendo recibido por el Vol.6 de esta colección dos nominaciones al Premio Grammy en  2002.
En noviembre de 1992, el Cuarteto llevó a cabo la primera grabación del Concierto Grosso para cuarteto y orquesta de Julián Orbón con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, bajo la dirección de Eduardo Mata, para el sello Dorian. Esta misma obra ha sido interpretada con las Orquestas Sinfónicas de Dallas, Los Ángeles, San Antonio y National Arts Center de Ottawa. Por su contribución a la vida cultural de las ciudades de Pittsburgh y Toronto, sus respectivos alcaldes le rindieron honores en noviembre y diciembre de 1991, mediante sendas declaraciones de Día del Cuarteto Latinoamericano en ambas ciudades.
Dentro de los conciertos recientes, destacan las presentaciones en Milán (Teatro alla Scala), Ámsterdam (Concertgebouw), Bonn, Bruselas,  Luxemburgo, Montreal, Sao Paulo, Caracas, Buenos Aires, Tokio, Shanghai, Miami, Boston y Nueva York (Carnegie Hall), de la cual el New York Times escribió: «Artistas soberbios, extraordinariamente versátiles en responder a las demandas de las diferentes partituras».

En 1786, Mozart acababa de cumplir 30 años. No era consciente de que marcaría el principio del último capítulo de su vida. El Concierto para piano nº 20 se compuso en ese año, solo cinco años antes de su muerte, e incorpora todo el pensamiento musical de este joven genio en la cumbre de su poder creativo.
Tchaikovsky consideraba a Mozart el “Cristo de la Música”. Sus propias Variaciones sobre un tema rococó de 1876 fueron, en cierta manera, un tributo a Mozart, Haydn y demás compositores clásicos. Frente a la intensa pasión de muchas de sus obras más conocidas, esta pieza cautiva por su elegancia, remontándose a eras musicales anteriores en un claro gesto del compositor romántico. Bosques Silenciosos, de Dvorak, fue compuesta más o menos en la misma época y es un reflejo de la conexión profunda del compositor con su tierra, usando melodías de influencia bohemia.
La Sinfonía nº 2 de Bruckner se presentó por primera vez en 1873 y existen varias versiones de la obra. Sigue siendo la única de sus obras sinfónicas que no lleva dedicatoria y, al mismo tiempo, la primera pieza en la que sale a relucir su poderoso estilo musical. En 1868, Bruckner acababa de presentar su Sinfonía nº 1 en Linz, mudándose al poco a Viena, un viaje que llevaba tiempo deseando hacer. Cuando cinco años después presentó su Sinfonía nº 2 ya se acercaba a la cincuentena. Ese año también logró peregrinar a Bayreuth, donde por fin conoció a su héroe, Wagner. Mostró al venerado compositor su recién completada Sinfonía nº 2 y la Sinfonía nº 3 que aún estaba desarrollando, expresando su deseo de dedicarle a Wagner una de ellas. El compositor mayor comentó que la Sinfonía nº 2 era “muy bonita” pero parece que prefirió la nueva obra. Los nervios de Bruckner durante la reunión fueron tales que olvidó completamente por cuál de las sinfonías había expresado su preferencia Wagner y tuvo que escribirle después para confirmarlo. Finalmente, dedicó la Sinfonía nº 3 a Wagner, con intención de dedicar la nº 2 a Liszt. Liszt aceptó su dedicatoria pero después olvidó la partitura en la habitación del hotel. Esto hizo enfadar a Bruckner, quien decidió retirar su dedicatoria. En esta obra, largas pausas a menudo marcan la división entre frases musicales, convirtiéndose en otro distintivo de la sinfonía, hasta el punto de que a veces se la conoce como “la Sinfonía de las pausas”.