Bajo la dirección de Michel Plasson, especialista en Massenet, Jonas Kaufmann y Sophie Koch interpretan una de las historias de amor más conmovedoras de la ópera. En la obra maestra de Massenet, las lágrimas no cesan de brotar desde el mismo momento en que el idilio a la luz de la luna se revela y se destruye. "Todo mi ser llora ante ello", dice Werther. Estamos muy lejos de las lágrimas habituales de la ópera, ya sean furtivas o violentas. Estas lágrimas fluyen lenta e inexorablemente, una a una. "Lágrimas pacientes", como dice Charlotte. En el espacio de cuatro actos, habrán hecho su trabajo. Charlotte no puede contenerlas mientras relee las cartas de Werther, y sus lágrimas son la única parte de ella, el único sacrificio que él se atreve a pedirle. Fluirán frente a Sophie, el ángel del consuelo. Fluirán cuando Werther lea a Ossian. Y finalmente fluirán al ver el cuerpo ensangrentado de Werther. Sin embargo, él rechaza estas últimas lágrimas: porque ahora es feliz y libre.

Werther es un largo réquiem, "lacrimosa dies illa", un día de lágrimas como nunca lo hubo, un réquiem por un joven poeta que termina en el paraíso.

El hecho de que la Filarmónica de Berlín haya recurrido a Puccini -este compositor tan querido y a la vez tan condenado al ostracismo- es simbólico. Se trata de alguien que durante mucho tiempo se pensó que estaba pasado de moda, pero en realidad hay mucho más que descubrir sobre él y su obra. La historia de quien se convierte en modelo pero sigue siendo una niña, es muy contemporánea.

Aplaudida por el público y la crítica, Raymonda, con la suite de este ballet, en la versión de Luis Ortigoza, basada en el ballet de Marius Petipa, se presentó el verano de 2019 en el Parque de las Esculturas gracias al convenio entre la Corporación Cultural de Santiago y la Corporación Cultural de Providencia.

Esta obra ambientada en la Francia medieval, es un producto del exotismo de fin-de-siècle y una representación simbólica del proceso de expansión imperialista de la Rusia decimonónica, que pretendía conquistar territorios en Persia y China.

Exquisitos decorados y bellos trajes en esta propuesta más breve y dinámica, que presenta una alta exigencia para el rol protagónico y mantiene el papel fundamental del cuerpo de baile, que en este caso tiene más presencia masculina que en el original. Una historia de un amor amenazado por la guerra y la distancia que logra sortear todos los obstáculos hasta llegar a un feliz desenlace.

Uno de los títulos más populares de todo el repertorio operístico Verdiano: Il trovatore. En una nueva producción del Teatro Real, Maurizio Benini dirige dos repartos repletos de grandes estrellas verdianas: Ludovic Tézier, Maria Agresta, Ekaterina Semenchuk, Francesco Meli y Roberto Tagliavini, entre muchos otros. La enrevesada trama, basada en la obra de teatro de Antonio García Gutiérrez, cuenta aquí con una gran producción a cargo de Francisco Negrín, que destaca la tensión dramática y arrolladora de esta obra de Verdi.

De la impenetrable –y a menudo delirante– trama de Il trovatore, el aspecto que sin duda alguna más atrajo a Giuseppe Verdi fue la profunda contradicción vital en que se ve sumida Azucena, tan llena de amor hacia su hijo como de odio hacia su madre. El músico buscaba a toda costa revelar las pasiones desbordadas de la mujer, y así lo defendió ante su libretista, llegando a proponerle que abandonaran la historia si no le convencía (como alternativa, le proponía centrarse en una trama que terminaría siendo alumbrada como La traviata). No fue necesario. La obra se gestó a lo largo de tres años de frenética actividad musical y de serios quebraderos de cabeza personales, pero Verdi logró lo que buscaba. Con un temperamento casi desenfrenado y un ímpetu arrollador, Il trovatore rebosa tensión dramática y genialidad musical, y el resultado es una historia de amor y venganza que avanza con intensidad y de forma imparable hacia la catástrofe final. Desde su mismo estreno, la ópera comenzó a ganar en popularidad y, más de siglo y medio después, sigue siendo una rotunda cima del repertorio operístico.

El compositor francés Maurice Ravel sigue siendo una fuente de inspiración para cualquier coreógrafo. El director artístico y coreógrafo estrella Sidi Larbi Cherkaoui y el talento emergente Jeroen Verbruggen llevan su visión de la música de Ravel al escenario. Jeroen Verbruggen, que como joven estudiante de danza en la Royal Ballet School ganó el Prix de Lausanne, se ha inspirado en la Pavane pour une Infante défunte de Ravel y en Ma mère l'oye.

Sidi Larbi Cherkaoui también traduce a Ravel a la danza, optando por Cuadros de una exposición, que fue compuesta originalmente por Modest Mussorgsky, pero que posteriormente fue orquestada por Ravel para convertirse en la orquestación más interpretada de esta obra: De este modo, se ha convertido en un verdadero canon.

Es un programa lleno de sorpresas con el que el Royal Ballet Flanders/ Ballet Vlaanderen podría escribir una página de la historia de la danza.

Resulta irónico -y seguramente no es casualidad- que la primera gran ópera completa en lengua inglesa la compusiese Händel en 1743, un emigrante alemán que se acercaba a la cúspide de sus poderes, pero que se había autoimpuesto el retiro de la tóxica escena operística londinense.

Sémele fue su desafiante contraataque a los que durante años habían tratado de controlarle: los aristocráticos propietarios de teatros y directores de compañías rivales. No es de extrañar que Händel prefiriera promover y organizar su propia temporada anual de conciertos en el Covent Garden sin interferencias y con sus propios solistas, orquesta y coro elegidos a dedo. Sémele sorprendió a su público: no era una ópera italiana convencional debidamente "escenificada" (aunque claramente lo era en la imaginación de Händel y a pesar de la presencia de elaboradas indicaciones escénicas); tampoco era un oratorio piadoso basado en el Antiguo Testamento adaptado a la época de Cuaresma. Ni mucho menos. En su lugar, eligió una historia "profana" basada en Ovidio, en la que los dioses y los mortales actúan al mismo nivel, comportándose mal y apasionadamente, pero de forma que todo el mundo -excepto el descontento público de la época o, más tarde, los mojigatos victorianos- puede identificarse con ella.

Además de aplazar su debut en el LIFE Victoria – previsto para la primavera de 2020- a Sylvia Schwartz, el confinamiento también la llevó a reflexionar sobre el poder de la evasión. La música es precisamente uno de los caminos más rápidos hacia la evasión, de cómo con estas vibraciones en el aire podemos huir hacia otros mundos, embarcándonos quizás en uno de los viajes más intensos. La soprano nos plantea un programa en tres partes, junto con Malcolm Martineau, que se convierte también en muy pictórico (otro mundo evasivo): en la primera, dedicada al Lied alemán, vivimos la evasión romántica a través de la poesía apasionada, como en un cuadro de Friedrich; en la segunda, nos evadimos a través de Granados al mundo de Goya, evasión que vivió el mismo compositor en un momento bélico -la Primera Guerra Mundial- que terminó con su propia vida; en la tercera, Poulenc nos presenta la evasión más primaria y más grande: la de los niños. Antes, los prometedores Lluís Calvet i Pey junto a Èric Varas al piano ofrecen dos ciclos deliciosos, como LIFE New Artists: Let us Garlands Bring de Finzi y Chansons gaillardes de Poulenc, en la que se hace referencia constante a una mujer ideal... llamada Sylvia.

Con canciones de Mahler, Liszt, Schumann, Vaughan Williams, Guastavino entre otros, la soprano británica Kate Royal, junto con Joseph Middleton al piano, nos explicará el viaje de un hombre joven, desde el amanecer al atardecer, llegando a las profundas horas de la -a veces difícil- noche. Una canción para cada hora del día, que comienza a las seis de la mañana de manera vital con esta mañana de primavera que es Frühlingsmorgen de Mahler y finaliza a las cinco de la mañana del día siguiente de manera más sombría y apasionada con Morgenstimmung de Wolf.

Dos caras de una moneda y de ver el amanecer, en medio de las cuales esta joven se nos presenta hedonista (con Siesta de Guastavino) y profunda (con Mondnacht de Schumann); nostálgica (con Mond so geht du wieder auf de Korngold) y terrenal (con Rabbit stew de Bernstein). Un personalísimo ciclo creado por la soprano y el pianista que es un viaje por la psique humana y los diversos estados del alma. Antes, Pau Armengol y Álvaro Carnicero participan en el recital como LIFE New Artists con una breve selección de Lieder de Schubert y Schumann.

El icónico ballet, reimaginado. Tras su sensacional estreno mundial en 2016 y su gira por el Reino Unido, Giselle, de Akram Khan, vuelve a Londres a petición popular, y se representa en Liverpool y Dublín por primera vez. Uno de los mejores ballets románticos de todos los tiempos, Giselle es el primer ballet completo coreografiado por Akram Khan.

La clásica historia de amor, traición y redención ha sido reimaginada en esta nueva y sorprendente versión, con decorados y vestuario del diseñador Tim Yip (Tigre y dragón), ganador de un Óscar, una adaptación "siniestra y gótica" (The Observer) de la partitura original de Adolphe Adam por el compositor Vincenzo Lamagna e interpretada por la English National Ballet Philharmonic, la dramaturgia de Ruth Little y el diseño de iluminación del ganador del premio Tony Mark Henderson.

Basado en la obra de Schiller Kabale und Liebe (Intriga y amor), el trágico melodrama de Verdi Luisa Miller gira en torno a los amores de la heroína del título y de Rodolfo, hijo del conde Walter, y a las maquinaciones del mayordomo del conde, Wurm, que quiere a Luisa para sí, con el resultado de la muerte de los tres. Dirigida por Arnaud Bernard, que se inspiró en la película 1900 de Bernardo Bertolucci de 1976, esta producción de La Fenice está protagonizada por la extraordinaria soprano búlgara Darina Takova, cuya intensa caracterización de Luisa pone de relieve la tortura interior de la heroína, y por Giuseppe Sabbatini, que aporta una emocionante teatralidad al papel de Rodolfo, especialmente en el aria más famosa de la ópera, "Quando le sere al placido".

Con la colaboración de Naxos.

Desde hace 20 años, la Filarmónica de Berlín celebra su fundación en 1882 con un concierto, cada año en un lugar de importancia cultural de una ciudad europea diferente. Este año, el Europa Konzert tiene lugar en el Teatro Real de Madrid. La Filarmónica de Berlín y su director musical, Sir Simon Rattle, reciben al famoso guitarrista flamenco Cañizares. Su virtuosismo, su técnica, armonía, fuerza y sensibilidad han distinguido a Cañizares como un artista único, considerado como uno de los grandes músicos flamencos del cambio de siglo.

Desde hace 20 años, la Filarmónica de Berlín celebra su fundación el 1 de mayo con el concierto anual Europa Konzert, que este año tiene lugar en Oxford. La orquesta, bajo la dirección del mundialmente conocido músico Daniel Barenboim, da la bienvenida a la violonchelista Alisa Weilerstein, que ha llamado la atención por una interpretación que combina el dominio virtuoso natural y la precisión técnica con una apasionada musicalidad.