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L'Allegro, il Penseroso ed il moderato

Ópera
Glyndebourne Festival
Wolfgang Amadeus Mozart
Ryan Wigglesworth, Barbe & Doucet

Una de las obras más encantadoras de Mozart, La flauta mágica es un cuento de hadas que utiliza arquetipos familiares para hacer preguntas provocativas y difíciles sobre la religión, la naturaleza del poder, los lazos familiares y, por supuesto, el amor.

 

Estrenada unos meses antes de la muerte de Mozart, La flauta mágica representa en muchos sentidos un nuevo punto de partida para el compositor. Al captar el espíritu de la revolución en el aire, Mozart dirigió su atención por primera vez de la ópera de la corte a la ópera popular, escribiendo este singspiel ("obra de teatro") para un público nuevo y mucho más amplio.

 

El célebre dúo de directores canadienses Barbe & Doucet debutan aquí tanto en el Reino Unido como en Glyndebourne con su nueva La flauta mágica, una auténtica "fiesta teatral de excentricidad", (The Guardian). Ryan Wigglesworth dirige un elenco excepcional que incluye a la soprano rusa Sofia Fomina como Pamina, David Portillo como su amado Tamino, Brindley Sherratt como Sarastro y la exaltada Björn Bürger como Papageno.

 

Con la colaboración de Naxos

Danza
Royal Opera House
Adolphe Adam
Peter Wright, The Royal Ballet

Giselle es el ballet clásico de la época romántica. Transformó el mundo de la danza cuando se presentó por primera vez en París en 1841 y permanece en el centro del repertorio clásico. La esencia de Giselle se ha mantenido igual a través de muchas producciones diferentes en más de un siglo de interpretación continua. La producción de Peter Wright para The Royal Ballet se basa en la versión clásica de Marius Petipa (a partir de la coreografía original de 1841 de Jules Perrot y Jean Coralli), que se representó por primera vez en San Petersburgo en 1884.

Ópera
Dutch National Opera
Ruggero Leoncavallo / Pietro Mascagni
Lorenzo Viotti, Robert Carsen

Pagliacci y Cavalleria rusticana son probablemente el doble cartel más famoso de la historia de la ópera. Lleno de amor, infidelidad, traición, celos y asesinato, estos dos pináculos del repertorio de ópera italiana lo tienen todo. Ambos son ejemplos clásicos del “verismo”, que cuentan las llamadas historias realistas sobre la vida de la gente corriente. Aquí, los temperamentos sureños impulsivos provocan rivalidades y amenazan las relaciones. Mientras que Pagliacci se alimenta de la tensión entre la vida cotidiana y el mundo estético del escenario, Cavalleria rusticana yuxtapone una pasión desenfrenada con una fe profunda.

 

Robert Carsen cambia la tradición al abrir con Pagliacci y juega un juego magistral de teatro en teatro, cuestionando la naturaleza de la realidad. ¿Las emociones que vemos en el escenario son actuadas o son reales? ¿Y en qué medida nos proyectamos en los personajes? Cuando se quitan las máscaras, la verdad se convierte en teatro y el teatro en verdad.

 

Con la colaboración de Naxos

Ópera
Teatro Real
Giacomo Puccini
Nicola Luisotti, Bob Wilson

La última ópera de Giacomo Puccini no necesita introducción. Tras 20 años de ausencia, Turandot regresó al Teatro Real de la mano de una nueva producción firmada por uno de los directores capitales de los siglos XX y XXI: Robert Wilson, creador de imágenes inolvidables en sus producciones de The Life and Death of Marina Abramovic y Pelléas et Mélisande.

 

Al frente de un reparto estelar encabezado por Nina Stemme, Gregory Kunde y Yolanda Auyanet, el director musical asociado del Teatro Real, Nicola Luisotti, dirige uno de los grandes títulos del repertorio italiano.

 

 

Ópera
Teatro Real
Charles Gounod
Dan Ettinger, Àlex Ollé

El Teatro Real comenzaba su temporada 18/19 con una nueva producción de Faust de Charles Gounod, reencarnación en forma de grand opéra del mito alemán. Piotr Beczala da voz al personaje titular, símbolo insuperable de ambición desmesurada, junto a Marina Rebeka en el papel de Marguerite. Àlex Ollé, en la tercera aproximación de La Fura dels Baus a la leyenda faustiana, dirige esta cautivadora ópera tras su reciente éxito en El holandés errante.

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Ópera
Teatro Real
Gaetano Donizetti
Lisette Oropesa, Venera Gimadieva, Javier Camarena

Celebrando la Semana de la ópera, el Teatro Real emitió en directo Lucia di Lammermoor. La presentamos en Videoteca 

Daniel Oren, en la dirección musical, y David Alden, en la dirección escénica, nos transportarán a la fría y húmeda Escocia junto a un reparto en el que destacan Lisette Oropesa, Venera Gimadieva, Javier Camarena, Ismael Jordi y Roberto Tagliavini, entre otros.

Auténtico paradigma de la ópera italiana romántica, Lucia di Lammermoor, el más logrado y célebre de la extensísima lista de dramas líricos de Gaetano Donizetti, suscitó desde un inicio admiración por hacer del canto un vehículo para conmover, y no una mera sucesión de fuegos artificiales vocales. La obra abrió al bergamasco las puertas de París, y fue la única de las que alumbró que se mantuvo en el repertorio antes del Donizetti Renaissance que, a partir de la década de 1950, consagraría definitivamente al compositor.

La trama gira en torno a una joven enamorada que cae en la más profunda desesperación al verse acusada por su amante de traición por haberse casado, contra su voluntad, con otro hombre. Lo que el amante desconoce es que las nupcias se celebraron bajo una falsa presunción de infidelidad. El dolor que inunda a la joven la abruma hasta el punto de hacerla enloquecer, dando pie a una de las escenas más célebres de la historia de la ópera, tanto por su genialidad musical como por el nivel de introspección psicológica que revela. El ineludible trágico desenlace rubrica una obra que, sin atisbo de duda, mantiene hoy intacta su capacidad para emocionar.

Danza
Mariinsky theatre
Igor Stravinsky
Valery Gergiev, Michel Fokine, Vaslav Nijinsky

Como celebración de la sede de los Ballets Rusos en París en 1909, una maravillosa Noche de Stravinsky en el Mariinsky con la versión original de Nijinsky de la Consagración de la primavera y El pájaro de fuego con dirección de Valery Gergiev.

El pájaro de fuego es un cuento popular ruso en dos escenas encargadas a el joven Stravinsky por Diaghilev y estrenado en la Ópera de París en 1910.

El ballet fue un éxito inmediato. Los Ballets Rusos permitieron que el coreógrafo Fokine pudiera aportar a su compañía la cantidad correcta de novedad, necesaria para cautivar pero no chocar con el público. Fui un éxito total.

El estreno de La consagración de la primavera en el Théâtre des Champs-Élysées, París, en mayo de 1913 causó un verdadero escándalo. La audiencia quedó impactada por la violencia primitiva del ballet. Fue rechazado tan radicalmente que el ballet fue retirado después de ocho representaciones. Aunque olvidado hace mucho tiempo, gracias al trabajo incesante de Millicent Hodson, se recreó la coreografía original de Nijinsky.

La orquesta y el ballet del teatro Mariinsky están dirigidos por Valery Gergiev

 

Con la colaboración de Naxos

Conciertos
Teatro Real
Ludwig van Beethoven​
Pablo Heras-Casado

El director de orquesta Pablo Heras-Casado, embajador solidario de Ayuda en Acción, se pone al frente de la iniciativa Acordes con Solidaridad por sexto año consecutivo para apoyar a la infancia más vulnerable en España frente a las consecuencias de la COVID-19.

En esta ocasión, la Orquesta titular del Teatro Real dirigida por el principal director invitado del Teatro Real, interpretará la Obertura Coriolano y la Sinfonía nº7, de Ludwig van Beethoven.

La recaudación del concierto irá íntegramente destinada a la respuesta que Ayuda en Acción está dando a la emergencia provocada por la COVID-19 en España. A través del programa Aquí también, la ONG lucha por reducir la brecha educativa que se ha acentuado tras el cierre de los centros educativos el pasado curso escolar, apoyando a más de 11 000 niños, niñas y adolescentes que se encuentran en riesgo de exclusión social en España.

Ópera
Teatro Real
Vincenzo Bellini
Maurizio Benini, Emilio Sagi

Il pirata, una de las primeras óperas de Vicenzo Bellini, se estrenaba el 30 de noviembre de 2019 en el Teatro Real, en coproducción con el Teatro alla Scala de Milán. La producción de Emilio Sagi es perfectamente identificable con su estilo. Se pueden ver trazos muy similares a Luisa Fernanda o Las bodas de Fígaro. Esta ópera supone un auténtico desafío vocal para su reparto.

 

Un joven con el arrojo de rebelarse contra la opresión y la injusticia, pero condenado a sufrir una desventura amorosa; su enamorada, casada por obligación con su enemigo, de quien además tiene un hijo; el enemigo en cuestión, encarnación del poder más despótico; duelos a muerte, escenas nocturnas y castillos góticos: todos estos ingredientes, con pequeñas variantes, podrían provenir de una de tantas óperas románticas italianas (y de una buena parte de la literatura europea de la época).

 

Tal vez por ello Il pirata se haya visto a menudo atrapada en un estereotipo que, hasta cierto punto, ha truncado su historia. Sí, todos esos elementos están presentes. Pero también lo está el buen hacer de un compositor que aún no había cumplido la treintena y que, con esta obra, empezaría a poner los cimientos del auténtico melodramma romántico que más tarde viviría su máximo apogeo de la mano de compositores como Gaetano Donizetti y Giuseppe Verdi.

 

Bellini buscó un estilo compositivo deliberadamente innovador y puso particular empeño en lograr una íntima correspondencia entre la música y la narrativa. Il pirata sería el trampolín desde el que Bellini alcanzaría el éxito internacional como maestro del bel canto.

Ópera
Royal Opera House
Jacques Offenbach
Evelino Pidò, John Schlesinger

Vittorio Grigòlo en el papel principal, lidera un excelente elenco que incluye a Thomas Hampson, Sonya Yoncheva, Christine Rice y Sofia Fomina en el fantástico drama operístico de Offenbach.

 

Con la colaboración de Naxos

Ópera
Festival della Valle d’Itria
Georg Friedrich Händel / Leonardo Leo
Fabio Luisi, Giorgio Sangati

Por primera vez en los tiempos modernos, el Festival della Valle d'Itria presenta la versión napolitana del Rinaldo de Handel, un pastiche con encanto mediterráneo que Leonardo Leo ensambló en 1718 y que se consideró perdido hasta hace unos años.

La historia detrás de esta ópera es cautivadora: la partitura de la obra maestra de Handel fue traída ilegalmente a Nápoles por el cantante castrato Nicolò Grimaldi, quien interpretó por primera vez a Rinaldo en Londres. Una vez en Italia, Leo y otros compositores locales hicieron un refrito de la obra, que la adaptaron al gusto del público napolitano local, añadiendo algunos intermezzos y personajes divertidos.

El director Giorgio Sangati convierte esta obra en una ópera "ba-rock" ambientada en los años 80, donde la lucha entre cristianos y turcos se convierte en una batalla entre cantantes de pop-rock (los cristianos) y los de dark-metal (los turcos). Estas dos facciones representan dos perspectivas opuestas sobre el amor y la vida.

El director Fabio Luisi está al frente del Ensemble barroco La Scintilla, un grupo de especialistas en el repertorio barroco.

 

Con la colaboración de Naxos

Conciertos
NCPA de Pekín
Ludwig van Beethoven
SONG Yuanming, XUE Haoyin, ZHU Huiling, Li Xiaoliang, China NCPA Chorus, China NCPA Orchestra, Conductor LÜ Jia

Grabación en directo con motivo del décimo aniversario de la NCPA, con la orquesta y coro de la NCPA bajo la dirección de Mr. LÜ Jia, director musical de NCPA.

Ópera
Municipal de Santiago
Gioachino Rossini
Rodion Pogossov, Levy Sekgapane, Victoria Yarovaya

El barbero de Sevilla ha sido aclamada una y otra vez como la ópera buffa por excelencia. Es una de las últimas óperas clásicas y una de las primeras románticas; es una obra que mira al pasado y a la vez abre las puertas al bel canto. El barbero de Sevilla fue interpretada en todo Europa poco después de su estreno y, tras casi doscientos años, sigue resultando tan cómica como en sus inicios, en gran parte por la riqueza musical que Rossini imprimiera a su composición.
 

Sus personajes están llenos de vida, problemas e ideas, que se presentan rápidamente en una seguidilla de números, cada uno más famoso e icónico que el anterior, como “Largo al factótum”, “Una voce poco fa”y “La calunnia”.

La versión de Fabio Sparvoli es una propuesta que toma elementos de la modernidad y los combina perfectamente con el vestuario de época y que, junto a la dirección musical del experto rossiniano José Miguel Pérez-Sierra, son claramente una buena oportunidad para apreciar la obra maestra del genio de Pésaro.

 

Conciertos
Escuela Reina Sofía
Varios autores
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El monasterio franciscano de Santo Toribio, situado en la comarca cántabra de la Liébana, en las estribaciones de los Picos de Europa, es uno de los principales lugares santos del catolicismo junto con Roma, Santiago, Caravaca y Asís y, como ellos, es un importante centro de peregrinación. El lignum crucis que custodia está considerado por la Iglesia como el fragmento más grande que se conserva de la cruz de Jesucristo. El monasterio alberga además obras del Beato de Liébana, autor de los célebres manuscritos miniados del Comentario del Apocalipsis. Cada siete años, cuando la festividad de Santo Toribio coincide en domingo, como ocurrió en 2017, se celebra el Año Jubilar Lebaniego, que comprende multitud de iniciativas de tipo cultural. Una de ellas fue este concierto especial en celebración del Año Jubilar que se celebró el 13 de julio de ese año con el patrocinio de Viesgo. El concierto fue interpretado por la Camerata Viesgo bajo la dirección del maestro Péter Csaba. El programa consistía en un recorrido por la música instrumental del siglo XVIII. Sonó el segundo de los Conciertos op. 6 de Arcangelo Corelli, que vienen a ser el acta de nacimiento de una forma musical clave del periodo barroco: el concerto grosso. De Georg Philipp Telemann, se tocó uno de los muchísimos conciertos que escribió con esta misma forma. De Georg Friedrich Händel se incluyó un ejemplo de otra de las formas musicales más importantes de ese periodo: la sonata en trío. Se programó también una sonata de Carl Philipp Emanuel Bach, que mira ya a un tiempo nuevo, el mismo al que el padre Antonio Soler abrió las puertas del madrileño monasterio de el Escorial. De Soler se oyó una de sus obras maestras: el Fandango para clave. Un detalle interesante de este concierto es que las obras están ordenadas en orden cronológico inverso, empezando por el Soler postbarroco y terminando con el pionero Corelli.

Ópera
OPERA ESTATAL DE BAVIERA
Jean-Philippe Rameau
Ivor Bolton, Sidi Larbi Cherkaoui

Muy de acuerdo con el espíritu de su época, Jean-Philippe Rameau mide la cultura europea de ser afortunado o desafortunado en el amor contra la imagen del noble salvaje y lleva al público en un viaje a cuatro reinos exóticos.

 

Al recordar los orígenes del teatro musical francés dentro de una cultura de la danza, Rameau juega con un género que estaba disfrutando de un alto grado de popularidad entre sus contemporáneos.

 

Utilizando una mezcla equilibrada de música, drama y danza, y con múltiples cambios de ubicación a larga distancia, el enfoque alterna entre cuatro parejas y su manejo de la fidelidad, la confianza y los celos.

 

Con la colaboración de Naxos

Ópera
Gran Teatre del Liceu
Giacomo Puccini
Saimir Pirgu, Isaac Galán, Fernando Latorre

La bohème de Puccini, una de las óperas veristas más célebres del mundo bajo una producción tradicional de Jonathan Miller llena de realismo, inspirada en las fotografías de Brassaï y Cartier-Bresson de la década de los años 30 del siglo XX. Marc Piollet dirige la Orquesta del Liceu en una bohème que destaca por la excelencia en su reparto: en el papel de Mimì Eleonora Buratto, y en el de Musetta, Olga Kluchynska, ganadora de la edición 2015 del Concurso Tenor Viñas. El grupo de bohemios está encabezado por el tenor Saimir Pirgu como Rodolfo, y Marcello por el barítono Gabriel Bermúdez. La historia de amor entre Rodolfo, el poeta, y la dulce Mimì, una vecina bordadora, marca el ritmo de la obra, que se sitúa en el París de 1830, cien años antes que la apuesta de Miller. En el Barrio Latino, un grupo de bohemios, entre los cuales se encuentra el protagonista, con sus compañeros Marcello, Schaunard y Colline, conviven en una buhardilla con el frío y el hambre, sin poder pagar el alquiler. El contrapunto a la pareja protagonista, que se debate entre los celos y el miedo a la enfermedad de la muchacha, son la pareja Marcello, pintor, y Musetta, una femme fatale que acaba ayudando a Mimì en los momentos difíciles. La ópera presenta grandes momentos musicales, como la célebre aria del primer acto “Che gelida manina”, en la que Rodolfo calienta la mano de una Mimì desvalida que ha venido a la casa de los artistas a pedir cerillas. Después de que el poeta se presente en “Chi son? Sono un poeta”, le toca el turno a la muchacha, cantando “Mi chiamano Mimì”, una página llena de ternura donde queda reflejado el idealismo que rodea a la trama.

 

Ópera
Teatro Real
Vincenzo Bellini
Evelino Pidò, Emilio Sagi

Conocida como una de las joyas de Romanticismo y piedra preciosa de la lírica se representó, en junio de 2016 por primera vez en el Teatro Real, con un reparto excepcional, que protagonizan entre otros Diana Damrau, Javier Camarena, Venera Gimadieva y Celso Albelo, junto a la Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real.

 

Es ésta la última ópera de Bellini, prematuramente muerto a los 34 años cuando había logrado que la sociedad parisina se rindiera a sus pies y por fin, en un panorama musical dominado por los italianos —desde Rossini a Donizetti, su gran rival — le encargaran una obra que se estrenaría en el Théâtre Italien en 1835. El compositor siciliano optó por una obra histórica que, sobre el fondo de la guerra civil inglesa que enfrentó a Cromwell y los puritanos con los eduardianos, desarrolla una apasionada historia de amor salpicada por la pasión, la traición y la locura. La ópera se centra en una característica heroína romántica, Elvira, que sufre la experiencia de sentirse traicionada incomprensiblemente por su prometido, el mismo día de su boda. Este hecho le provoca un sentimiento tan doloroso e insoportable que su entendimiento no lo puede resistir y enloquece. La locura era una fórmula característica del Romanticismo: la fragilidad física y la marginalidad social de los personajes eran un recurso para hacer más expresiva la fuerza incontenible de los sentimientos. En la estilizada puesta en escena de Emilio Sagi, los personajes aparecen atravesados por la melancolía.