David Alden plantea su puesta en escena de Otello desde la coherencia de la adaptación del texto de Shakespeare que propone Giuseppe Verdi. En el primer acto del dramaturgo inglés, que Verdi suprime, conocemos la grandeza del amor de Desdemona, dama veneciana joven, aristocrática y bella, por ese soldado tan rudo, tan viril, tan moro y tan colérico que es Otello. A este amor se opone su padre, el noble Brabantio, que ya en el primer acto cuestiona cómo su hija ha podido elegir “refugiarse en un pecho tan negro como el vuestro, que da miedo”.

De hecho, el amor de Desdemona por Otello se considera arte de magia. En cambio, el amor de Otello por Desdemona se considera como lo más lógico del mundo: Desdemona es tan refinada, tan blanca, tan aristocrática y tan buena cristiana que cualquiera comprende que Otello no pueda menos que amarla. Se aman, pero la diferencia direccional del amor de ambos es innegable. Y es sobre estas diferencias cómo un personaje resentido y diabólico, el alférez Iago, acabará logrando tejer su venganza contra el general Otello por no haberlo ascendido a capitán, como esperaba.

La venganza necesita de un resorte mínimo, porque en esencia consiste en hacer creer a Otello lo que ya cree todo el mundo: que no es posible que una dama así se pueda haber enamorado de alguien como él. Resulta por tanto muy fácil hacerle sospechar que la dulce Desdemona se ha enamorado de un hombre de su misma condición, Cassio, que el mismo Iago define como la antítesis de Otello. Y por esto, pese a que Otello tiene un alma noble, pese a que Desdemona está realmente enamorada de él, pese a que Cassio es leal e intachable, la insinuación de Iago da sus frutos y Otello realmente cree que Desdemona le engaña.

En el texto teatral, Shakespeare explica la acción dramática a través del tema del racismo, que es la fuerza motriz de la tragedia. Pero tanto el libretista, Arrigo Boito, como Verdi comprenden que la intensidad del drama se puede incrementar todavía más si se logra que el racismo juegue un papel menos visible y el acento se sitúe en la fragilidad de un personaje perfectamente asimilable físicamente a cualquiera de los otros; un personaje vulnerable y dominado por una turbulencia interior. Así, Verdi convierte el racismo en algo muy colateral, apenas mencionado en momentos aislados. Y eso mismo propone David Alden: Otello es un outsider, es “el otro” porque así lo siente en su fuero interno. No tiene por qué ser negro ni físicamente diferente a los demás personajes.

Su conflicto es interior y tiene un nombre: inseguridad, que es lo que a tantos hombres ha llevado a cometer las mayores atrocidades. Vemos la trágica desintegración del héroe con horror fascinado, encerrado en el ciclo destructivo del destino. La escenografía alude a un patio chipriota, pero, sobre todo, a un mundo militarizado, brutal, de soldados deshumanizados, en una guerra que les impide responder al amor o la ternura. Y en este contexto, Otello nos coloca ante uno de los miedos más inconfesables del ser humano: no sentirse merecedor de lo que más se ama.

Renato Palumbo, que en el Real ha dirigido Les Huguenots, Tosca y La traviata, vuelve con otro título verdiano, de nuevo con la soprano albanesa Ermonela Jaho, que triunfó con su interpretación de La traviata, en 2014. Acompañada por el tenor Gregory Kunde, uno de los más alabados intérpretes del exigente papel de Otello en la actualidad, que también inauguró una de las pasadas temporadas del Real con su aplaudido Roberto Devereux. Junto a ellos, encarnando al sádico y sibilino Iago, el barítono George Petean, participante en la ópera I puritani.

La Catedral de Burgos volvía a acoger en la tarde del 18 de octubre, un concierto de la Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real de Madrid. 

El Altar Mayor del templo fue el escenario de la magistral interpretación de obras de Pergolesi y Vivaldi, con una interpretación que forma parte del calendario de actos programados por la Fundación VIII Centenario de la Catedral.

El 20 de Julio de 2021 se cumple el 800 aniversario de la colocación de la primera piedra en la Catedral de Burgos y es por ello que nace la Fundación VIII Centenario de la Catedral. Burgos 2021, cuya Presidencia de Honor ostentan Sus Majestades los Reyes de España. Este proyecto, declarado acontecimiento de Excepcional Interés Público, surge con la vocación de unir a la ciudad de Burgos en torno a la celebración de esta efeméride, por medio del desarrollo de diversos proyectos de carácter cultural y social a lo largo de los próximos años.

Un concierto único, por el marco histórico y artístico, promovido por la Junta de Castilla y León y grabado por RTVE, con quien la Fundación tiene un convenio de colaboración. Desde el Altar Mayor del templo, dentro de los actos programados por la Fundación VIII Centenario de la Catedral de Burgos 2021 para conmemorar los 800 años de la Seo burgalesa.

Con la presencia de cuatro solistas internacionales cuyas trayectorias recorren los principales teatros del mundo, entre ellos, el Teatro Real, donde se les ha podido escuchar en varias ocasiones:

La soprano Sylvia Schwartz, protagonista en dos de las producciones más queridas en el Teatro Real: Hansel y Gretel y La flauta mágica, entre otras; el tenor Toby Spence, cuya última aparición en el Real fue para participar en la producción más premiada de los últimos años, Billy Budd; la mezzosoprano Marifé Nogales, una de las voces habituales en el coliseo madrileño por su gran versatilidad, y el bajo Alexander Tsymbaliuk, que dejó su impronta en dos recientes producciones: Das Rheingold e Idomeneo.

Junto a ellos, por primera vez en la Catedral de Burgos, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección del maestro Ramón Tebar, interpretarán esta sublime composición del genio de Salzburgo cuyas notas se escucharán en la nave central del templo.

Esta partitura, última creación (incompleta) de W.A. Mozart, de extraordinaria belleza, donde la muerte es protagonista como fin y como tránsito, contiene momentos de gran dramatismo, sublime dulzura y resignada intimidad, en una composición magistral. Amado por todas las audiencias, melómanas o no, este Réquiem siempre estuvo rodeado de misterio y leyendas que no hicieron sino engrandecer su popularidad y lo convirtieron en un referente.

Con la vista puesta en La montaña mágica de Thomas Mann y el conocimiento histórico de la vieja Europa como base de la producción, el director de escena Claus Guth desmadeja una de las partituras mas emocionantes y aplaudidas del gran Richard Wagner.

El estreno de Parsifal en los grandes teatros de ópera a partir de 1914, tras caducar los derechos exclusivos que Richard Wagner había dejado al Festival de Bayreuth desde su estreno en 1882, produjo un impacto enorme. No sólo por el descubrimiento de una de las partituras más monumentales y emocionantes de la historia de la música, sino también por una temática turbadora en plenas Gran Guerra y postguerra. Ese Parsifal que llegaba tras años de espera impaciente para salvar el templo del Grial sintetizaba el clima emocional de la Europa del momento, de grandes sacrificios y penurias, desorientación colectiva y búsqueda desesperada de un líder.

Parsifal, el inocente educado en la compasión, encarna el espejismo de la redención. Este es el punto de partida de la puesta en escena de Claus Guth, uno de los grandes nombres de la dirección de escena contemporánea, que debutó en el Real con uno de sus más aclamados espectáculos. El decadente hospital para lisiados de guerra en el que transcurre la acción, inspirado en el sanatorio de La montaña mágica de Thomas Mann, encarna los traumas y el desánimo que siguió a la Primera Guerra Mundial, cuyas esperanzas puestas en un nuevo líder desembocarán en un nuevo desastre.

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Acusado de racista y de antisemita (aunque sin pruebas concluyentes de esto último), Walter Elias Disney (1901-1966) fue el creador de la mayor industria de cine de animación, cuyos productos han alcanzado una difusión universal. Los seres de la factoría Disney son animales a los que se aplica una sistemática prosopopeya, y cuya dimensión humanizada ha contribuido de forma decisiva a configurar el imaginario del más edulcorado 'american dream' en el periodo de entreguerras.

Autor de veinticuatro óperas, Philip Glass fue uno de los creadores del minimalismo estadounidense, junto con La Monte Young, Steve Reich y Terry Riley, estética de la que se distanció paulatinamente buscando una escritura más simple y una forma menos compleja. Pulsante, con fuerte insistencia sobre ritmos muy marcados, la música de Glass tiene evidentes correlaciones con el rock y el pop, y de ahí la ocasional colaboración del músico de Baltimore con artistas como Paul Simon, Suzanne Vega o Laurie Anderson.

El encuentro entre Glass y Disney era previsible e inevitable: se trata de dos exponentes altamente representativos de cierta estética estadounidense.

El Teatro Real comenzaba su temporada 18/19 con una nueva producción de Faust de Charles Gounod, reencarnación en forma de grand opéra del mito alemán. Piotr Beczala da voz al personaje titular, símbolo insuperable de ambición desmesurada, junto a Marina Rebeka en el papel de Marguerite. Àlex Ollé, en la tercera aproximación de La Fura dels Baus a la leyenda faustiana, dirige esta cautivadora ópera tras su reciente éxito en El holandés errante.

El director de orquesta Pablo Heras-Casado, embajador solidario de Ayuda en Acción, se puso al frente de la iniciativa Acordes con Solidaridad por sexto año consecutivo para apoyar a la infancia más vulnerable en España frente a las consecuencias de la COVID-19.

En esta ocasión, la Orquesta titular del Teatro Real dirigida por el principal director invitado del Teatro Real, interpretó la 'Obertura Coriolano' y la 'Sinfonía nº7', de Ludwig van Beethoven.

La recaudación del concierto fue íntegramente destinada a la respuesta que Ayuda en Acción está dando a la emergencia provocada por la COVID-19 en España. A través del programa Aquí también, la ONG lucha por reducir la brecha educativa que se ha acentuado tras el cierre de los centros educativos el pasado curso escolar, apoyando a más de 11.000 niños, niñas y adolescentes que se encuentran en riesgo de exclusión social en España.

Con Das Rheingold, se marcó el inicio de El anillo del nibelungo, la colosal tetralogía de Richard Wagner y la segunda que el Teatro Real lleva a su escenario desde su reinauguración en 1997.

Pablo Heras-Casado, principal director invitado del Real, dirige un reparto con renombrados cantantes wagnerianos como Greer Grimsley, Sarah Connolly y Samuel Youn en una desoladora producción de Robert Carsen. El director de escena canadiense sitúa el prólogo del Anillo en la crudeza de nuestro contaminado mundo actual, donde se despliegan los personajes del conflicto cósmico retratado en la tetralogía, que veremos completa a lo largo de las próximas temporadas.

De la admiración de Giuseppe Verdi por el genio de William Shakespeare nacieron tres de las grandes óperas del compositor italiano: Macbeth, Otello y, como testamento musical y única comedia de su obra, Falstaff. Una obra perfecta que nos enseña a reírnos de la vida y de nosotros mismos, que en esta nueva producción del Teatro Real cuenta con el talento para la comedia del director Laurent Pelly, responsable de las recientes La hija del regimiento, Hänsel y Gretel y El gallo de oro. Daniele Rustioni dirige dos repartos de marcado carácter español, junto al Coro y Orquesta Titulares.

El estreno de Billy Budd de Benjamin Britten en Madrid marcó, sin duda alguna, uno de los grandes acontecimientos del Bicentenario del Teatro Real. Su magnífico libreto basado en la obra homónima de Herman Melville, narra la historia del marinero Billy Budd: un joven bello, leal, generoso, fuerte, ingenuo y bondadoso que logra desquiciar con su belleza y personalidad al maestro de armas del navío, quien es incapaz de canalizar la situación, y crucifica al ingenuo sin miramientos.

Esta nueva producción del Teatro Real se presentaba por primera vez en Madrid, en coproducción con la Opéra national de Paris, de la mano de Deborah Warner, uno de los grandes nombres de la dirección escénica actual.

“¿Qué es lo que he hecho?”, se interroga el capitán Edward Fairfax Vere, antaño al mando del navío Indomable. Del cuestionamiento de un hombre ahora anciano nace evocada, en forma de flashback, la historia de Billy Budd, joven marino cuya hermosura despierta una atracción insoportable en Claggart, el maestro de armas que lo alista para luego destruirlo por no poderlo amar. A bordo de un barco asfixiante, Benjamin Britten se adentra en el tema de la inocencia frente a un mundo hostil en el que se crucifica al ingenuo sin miramientos. Ni siquiera Vere actúa para evitar la tragedia, a pesar de ser plenamente consciente de la injusticia que se vive bajo su mando. Contención y derroche de emociones se entrelazan y se niegan mutuamente en una historia ambigua y con final abierto. Herman Melville moriría dejando incompleta una de sus obras más introspectivas, pero su talento para teñir acontecimientos aparentemente mundanos de una dimensión perturbadora encontraría un aliado perfecto en la capacidad de Britten para poner música a lo más profundo de la psique humana.

Ivor Bolton, director musical del Teatro Real, afronta el reto de dirigir una de las óperas menos conocidas de Benjamin Britten, Gloriana, obra encargada para la coronación de Isabel II, cuyo estreno en Madrid tuvo lugar el 12 de abril de 2018. Tras el rotundo éxito que en la pasada temporada consiguiera con Billy Budd, del mismo compositor, el maestro británico trabajó junto al director de escena David McVicar para ofrecernos un retrato histórico, y poco amable, de la reina Isabel I de Inglaterra.

En esta ocasión, Anna Caterina Antonacci representa el papel protagonista, mostrando una Isabel atrapada por sí misma entre sus obligaciones como reina y la turbulenta relación que mantiene con el ambicioso conde de Essex, Robert Devereux.
 

La última ópera de Giacomo Puccini no necesita introducción. Tras 20 años de ausencia, Turandot regresó al Teatro Real de la mano de una nueva producción firmada por uno de los directores capitales de los siglos XX y XXI: Robert Wilson, creador de imágenes inolvidables en sus producciones de The Life and Death of Marina Abramovic y Pelléas et Mélisande.

Al frente de un reparto estelar encabezado por Nina Stemme, Gregory Kunde y Yolanda Auyanet, el director musical asociado del Teatro Real, Nicola Luisotti, dirige uno de los grandes títulos del repertorio italiano.