El estreno de Billy Budd de Benjamin Britten en Madrid marcó, sin duda alguna, uno de los grandes acontecimientos del Bicentenario del Teatro Real.

Su magnífico libreto basado en la obra homónima de Herman Melville, narra la historia del marinero Billy Budd: un joven bello, leal, generoso, fuerte, ingenuo y bondadoso que logra desquiciar con su belleza y personalidad al maestro de armas del navío, quien es incapaz de canalizar la situación, y crucifica al ingenuo sin miramientos.

Esta nueva producción del Teatro Real se presentaba por primera vez en Madrid, en coproducción con la Opéra national de Paris, de la mano de Deborah Warner, uno de los grandes nombres de la dirección escénica actual.
Punto de partida
“¿Qué es lo que he hecho?”, se interroga el capitán Edward Fairfax Vere, antaño al mando del navío Indomable. Del cuestionamiento de un hombre ahora anciano nace evocada, en forma de flashback, la historia de Billy Budd, joven marino cuya hermosura despierta una atracción insoportable en Claggart, el maestro de armas que lo alista para luego destruirlo por no poderlo amar. A bordo de un barco asfixiante, Benjamin Britten se adentra en el tema de la inocencia frente a un mundo hostil en el que se crucifica al ingenuo sin miramientos. Ni siquiera Vere actúa para evitar la tragedia, a pesar de ser plenamente consciente de la injusticia que se vive bajo su mando. Contención y derroche de emociones se entrelazan y se niegan mutuamente en una historia ambigua y con final abierto. Herman Melville moriría dejando incompleta una de sus obras más introspectivas, pero su talento para teñir acontecimientos aparentemente mundanos de una dimensión perturbadora encontraría un aliado perfecto en la capacidad de Britten para poner música a lo más profundo de la psique humana. El estreno de Billy Budd en nuestro país marcó sin duda alguna uno de los grandes acontecimientos del Bicentenario del Teatro Real.

Ivor Bolton, director musical del Teatro Real, afronta el reto de dirigir una de las óperas menos conocidas de Benjamin Britten, Gloriana, obra encargada para la coronación de Isabel II, cuyo estreno en Madrid tendrá lugar el 12 de abril. Tras el rotundo éxito que en la pasada temporada consiguiera con Billy Budd, del mismo compositor, el maestro británico trabajará ahora junto al director de escena David McVicar para ofrecernos un retrato histórico, y poco amable, de la reina Isabel I de Inglaterra.

Anna Caterina Antonacci y Alexandra Deshorties se alternarán en la representación del papel protagonista, mostrando una Isabel atrapada por sí misma entre sus obligaciones como reina y la turbulenta relación que mantiene con el ambicioso conde Essex, Robert Devereux.
 

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La última ópera de Giacomo Puccini no necesita introducción. Tras 20 años de ausencia, Turandot regresó al Teatro Real de la mano de una nueva producción firmada por uno de los directores capitales de los siglos XX y XXI: Robert Wilson, creador de imágenes inolvidables en sus producciones de The Life and Death of Marina Abramovic y Pelléas et Mélisande. Al frente de un reparto estelar encabezado por Nina Stemme, Gregory Kunde y Yolanda Auyanet, el director musical asociado del Teatro Real, Nicola Luisotti, dirige uno de los grandes títulos del repertorio italiano.

Producción grabada en tecnología 4K UHD. Próximamente disponible en dicha calidad. Para verla en 4K, haga uso de nuestra aplicación en su dispositivo Samsung. Recomendamos una velocidad de conexión a Internet de al menos 25Mbps para ver títulos en 4K UHD.

La traviata se presenta en el Teatro Real en el contexto singular que todos estamos viviendo. La ópera se presenta con menos ensayos de los normales y con una propuesta escénica diseñada para adaptarse a las circunstancias. Todo el equipo del Teatro Real, así como los artistas y el Coro y Orquesta Titulares, asumen el reto con un enorme sentido de responsabilidad, mucha imaginación y una gran ilusión por dar un paso más hacia la normalización de la vida artística, animando al público y a la ciudadanía a afrontar con ánimo y espíritu positivo la nueva realidad en la que nos encontramos.

El director de escena Leo Castaldi ha ideado una versión de concierto semiescenificada, en colaboración con el iluminador Carlos Torrijos y el equipo técnico del Teatro Real, utilizando elementos de atrezzo, vestuario y caracterización procedentes de los fondos del Teatro.

Il Pirata, una de las primeras óperas de Vicenzo Bellini, se estrenaba el 30 de noviembre de 2019 en el Teatro Real, en coproducción con el Teatro alla Scala de Milán.

La producción de Emilio Sagi es perfectamente identificable con su estilo. Se pueden ver trazos muy similares a Luisa Fernanda o Las Bodas de Fígaro. Esta ópera supone un auténtico desafío vocal para su reparto.

Un joven con el arrojo de rebelarse contra la opresión y la injusticia, pero condenado a sufrir una desventura amorosa; su enamorada, casada por obligación con su enemigo, de quien además tiene un hijo; el enemigo en cuestión, encarnación del poder más despótico; duelos a muerte, escenas nocturnas y castillos góticos: todos estos ingredientes, con pequeñas variantes, podrían provenir de una de tantas óperas románticas italianas (y de una buena parte de la literatura europea de la época).

Tal vez por ello Il pirata se haya visto a menudo atrapada en un estereotipo que, hasta cierto punto, ha truncado su historia. Sí, todos esos elementos están presentes. Pero también lo está el buen hacer de un compositor que aún no había cumplido la treintena y que, con esta obra, empezaría a poner los cimientos del auténtico melodramma romántico que más tarde viviría su máximo apogeo de la mano de compositores como Gaetano Donizetti y Giuseppe Verdi.

Bellini buscó un estilo compositivo deliberadamente innovador y puso particular empeño en lograr una íntima correspondencia entre la música y la narrativa. Il pirata sería el trampolín desde el que Bellini alcanzaría el éxito internacional como maestro del bel canto.

Tras diez años de Guerra troyana, Idomeneo finalmente vuelve a casa victorioso. Algunas de sus tropas ya han regresado y traído consigo prisioneros troyanos, entre ellos Ilia, hija del fallecido rey Príamo. A su regreso de la guerra, Agamenón, otro victorioso rey griego, es asesinado por su mujer Clitemnestra y su amante Egisto. El hermano de Elettra, Orestes, ha vengado la muerte de su padre matando tanto a su madre como a su amante. Elettra, huérfana como Ilia, se ha refugiado en Creta, donde se ha enamorado del hijo de Idomeneo, Idamante, que ha estado gobernando en ausencia de su padre.

Basada en un libreto de Giovanni Badoero a partir de la Odisea de Homero, con esta obra, Claudio Monteverdi alcanzó su estilo de madurez, caracterizado por un mayor realismo en el diseño de los personajes y también por un mayor desencanto de la vida, aunque confiere una especial humanidad a la relación amorosa entre el héroe protagonista y su esposa, ejemplo máximo de fidelidad.

Al igual que otras partituras del autor, la obra ha fascinado a un buen número de compositores, algunos de los cuales han editado la obra para su representación. Quizá el más célebre de todos fue Hans Werner Henze, con una realización llena de fantasía que fue presentada en el Festival de Salzburgo en 1985.

Esta representación, con dirección musical de William Christie y dirección de escena de Pier Luigi Pizzi, cuenta como protagonista con el barítono Kobie van Rensburg, al frente de un elenco que incluye también nombres tan destacados como Christine Rice, Umberto Chiummo o Marina Rodríguez-Cusí.

Con la colaboración de Naxos

Rompiendo con la ausencia de 8 años de Richard Strauss en el Teatro Real, esta nueva producción de Capriccio supuso también el estreno en el Real de la última ópera del compositor bávaro, con una puesta en escena del celebrado Christof Loy y dirección musical del experto straussiano Asher Fisch. Capriccio es la respuesta de Strauss a la pregunta que persigue a la ópera como forma de arte desde su nacimiento: ¿debe pesar más la música o la palabra? Del compositor de desgarradoras tragedias como Salomé o Elektra sorprende descubrir una exquisita comedia que sintetiza todo su lenguaje musical en un ejercicio de brillantes armonías y texturas.

"El corazón del Teatro Real” un documental producido por Telecinco Cinema dedicado a uno de los templos más exclusivos de la música y las artes escénicas del mundo. Un lugar donde el arte se crea, interpreta y experimenta al máximo.

La película dirigida por el prestigioso realizador de documentales José Luis López-Linares nos ofrece una visión general de la historia y funcionamiento del Teatro Real, a través de materiales de archivo nunca vistos, imágenes inéditas, entrevistas y la banda sonora de fantásticas producciones representadas en el Teatro Real. Un viaje condensado en 200 años de historia por camerinos, salas de ensayo, talleres, bambalinas; que se convierte en un verdadero placer para el espectador y la oportunidad de experimentar una sucesión majestuosa de descubrimientos y revelaciones acerca de este lugar.

Como explican las productores Álvaro Augustin y Ghislain Barrois “Si queríamos descubrir los secretos de 200 años de historia del Teatro Real, teníamos que desvelar lo que el Teatro Real es en realidad: es más que un edificio, más que un grupo de profesionales y artistas, más que un puñado de obras... El Teatro Real es historia; es el relato de unos apasionados por la música poniendo en pie un sueño. Un lugar donde cada noche cuando las luces se atenúan y el público se queda en silencio emergen todas las emociones absorbidas por su histórico telón de terciopelo.”

Entre las notables figuras que aparecen en la cinta, destacan Teresa Berganza, Mario Vargas Llosa, Plácido Domingo, Juan Diego Flórez, María Bayo, Nuria Espert, Mario Gas, Javier Camarena o Rufus Wainwright.

Partiendo del libro Escenas de la vida bohemia, de Henri Murger (1882-1861), nacido como una serie de relatos autobiográficos publicados en forma de folletín, los dos libretistas, siempre celosamente dirigidos por Puccini, construyeron un libreto coral, en el que cuatro jóvenes artistas bohemios sortean las dificultades económicas y las inclemencias del tiempo con humor e ilusión, buscando su lugar en un París efervescente, bullicioso e invernal.
La historia de amor trágica entre uno de ellos, Rodolfo, aspirante a poeta, y la sastrecilla Mimì, cuya muerte, inexorable, les sorprende, articula una especie de camino iniciático que despide los desenfrenos y sueños de la juventud y revela la vida real, con toda su contundencia y transcendencia.
Con su genial paleta orquestal, su dominio de la prosodia y su enorme talento dramático, Puccini va construyendo la personalidad de los jóvenes con su característica habilidad para articular los destellos más anecdóticos y divertidos de lo cotidiano con los sentimientos más hondos, pasionales y arrebatadores. Así, entrelaza sus frases cortas “de conversación” con otras de enorme aliento melódico y dramático. Su orquestación sugiere, con enorme eficacia tímbrica, desde detalles tan nimios como el serpenteo de las llamas o el tintineo de las monedas, hasta las ‘ambientaciones’ casi cinematográficas de la desangelada buhardilla, del bullicio del París navideño, o de la soledad y privaciones de la pobreza.
La evocación de momentos pasados como si fueran destellos que la memoria revive y actualiza está magistralmente recreada con la utilización de motivos musicales asociados a emociones, sentimientos, o incluso a objetos a los que Puccini concede un enorme poder simbólico, como la vela de Mimì, la cofia rosa que le compra Rodolfo, el gabán de Colline, o el manguito que calienta las manos frías de la protagonista en su lecho de muerte…
Son estos momentos que vienen y vuelven con la memoria, que están escondidos y asoman con las vivencias que suman y construyen el camino la vida, los que vertebran la nueva producción de La bohème que se podrá nuestra emisión en directo.
En su propuesta dramatúrgica, el prestigioso director de escena británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing presentan la ópera como una sucesión de Escenas de la vida bohemia presentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario. Así, el público ve como se cambian los decorados, cómo se utilizan diferentes artilugios para lograr efectos teatrales y cómo se amontonan elementos escenográficos en las bambalinas, como si fueran retazos de vida apiñados en la memoria.
Situándose en el lugar privilegiado, el espectador contempla permanentemente el pasado y el presente de los personajes, incapaz de sumergirse en el París frío y efervescente de los jóvenes bohemios porque lo verá siempre representado sobre el escenario. Pero este artificio del ‘teatro dentro del teatro’, en que se confunden el tiempo real y el teatral, el espacio del público y del artista, el drama de la ópera y sus metáforas, llevará al espectador a una interpretación más rica de la obra de Puccini, potenciada por su visión desde distintos ángulos, pero también con sus reflejos.

Única ópera de Verdi cuya acción se desarrolla en su contemporaneidad, La traviata, basada en La dama de las camelias de Alejandro Dumas, se convirtió, tras su inicial rechazo, en una de las obras más aplaudidas del compositor. Y ello por los valores universales que laten tras la tragedia de una cortesana mundana –una más de la estela que en la historia de la ópera han sido–, que renuncia incluso a la vida por salvar el honor de su amante, demostrando con su abnegación una grandeza de la que carece la hipócrita sociedad burguesa que abusa de ella para luego rechazarla. Una historia que Verdi consagra como mito a través de una música de una profunda humanidad y recreación psicológica de los personajes y sus sentimientos. El “popoloso deserto, che appellano Parigi” oculta, bajo la apariencia del lujo y el placer frívolo, la descarnada crueldad de una clase social para la que todo se compra y se vende. Sobre ese suelo de amarga fugacidad, solo Violetta se alzará como una heroína clásica, cuyo sacrificio trasciende el amor y la muerte. Estos dos temas sobre los que gira la ópera protagonizan también la puesta en escena de David McVicar, quien, con su habitual elegancia, sitúa el drama en un mundo de referencias románticas sin dejar de percibir la mirada actual.

Madama Butterfly, de Giacomo Puccini, una de las óperas más representadas en los escenarios de todo el mundo.

La trágica historia de la geisha Cio Cio San, mejor conocida como Madama Butterfly emociona a cualquier público por el talento innato de Puccini. Una historia que narra la dura lucha entre dos civilizaciones irreconocibles. La historia está situada, esta vez, de una manera diferente a través de la dirección de escena de Mario Gas que sitúa la narración en un plató de cine de los años 30, con el que propone tres perspectivas simultáneas para poder disfrutar aún más de este clásico conmovedor firmado por Giacomo Puccini.

Las esposas temporales eran una realidad extendida en el Japón de finales del XIX. Occidente, con Estados Unidos a la cabeza, había establecido relaciones diplomáticas y comerciales con el país a mediados de siglo, y la fascinación por la cuna de las geishas se había extendido como la pólvora. La influencia de Oriente –un oriente imaginado desde la lejanía– se plasmaría en obras de una amplia paleta de artistas europeos y norteamericanos, y seguiría nutriendo la vida cultural occidental hasta bien entrado el siglo XX. En esta línea, el personaje de Butterfly es una cruda encarnación del conflicto entre dos civilizaciones irreconciliables, una de las cuales avasalla a la otra. Hombre de finísimo instinto teatral, Puccini retrata de manera magistral la fragilidad de una geisha enamorada que ingenuamente se cree correspondida por un apuesto oficial de la marina norteamericana, en una partitura en la que se evocan melodías japonesas tradicionales convenientemente armonizadas. El fiasco que supuso el estreno de Madama Butterfly en Milán no hizo cejar al compositor en su empeño de sacar adelante la que él mismo consideró su obra más sincera y expresiva. El tiempo acabaría dándole la razón. Mario Gas sitúa la historia en un plató cinematográfico en los años 30 y propone tres perspectivas simultáneas a través de las cuales vivir este drama conmovedor: la ópera en sí, la grabación cinematográfica que se hace de la misma y su reproducción en blanco y negro en una gran pantalla.