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Otello

Giuseppe Verdi
listado
Ópera
2h. 43 min.
Italiano
FULL HD
Español
Producción

Grabación de la emisión en directo del pasado día 24 de septiembre de 2016.

David Alden plantea su puesta en escena de Otello desde la coherencia de la adaptación del texto de Shakespeare que propone Giuseppe Verdi. En el primer acto del dramaturgo inglés, que Verdi suprime, conocemos la grandeza del amor de Desdemona, dama veneciana joven, aristocrática y bella, por ese soldado tan rudo, tan viril, tan moro y tan colérico que es Otello. A este amor se opone su padre, el noble Brabantio, que ya en el primer acto cuestiona cómo su hija ha podido elegir “refugiarse en un pecho tan negro como el vuestro, que da miedo”.

De hecho, el amor de Desdemona por Otello se considera arte de magia. En cambio, el amor de Otello por Desdemona se considera como lo más lógico del mundo: Desdemona es tan refinada, tan blanca, tan aristocrática y tan buena cristiana que cualquiera comprende que Otello no pueda menos que amarla. Se aman, pero la diferencia direccional del amor de ambos es innegable. Y es sobre estas diferencias cómo un personaje resentido y diabólico, el alférez Iago, acabará logrando tejer su venganza contra el general Otello por no haberlo ascendido a capitán, como esperaba.

La venganza necesita de un resorte mínimo, porque en esencia consiste en hacer creer a Otello lo que ya cree todo el mundo: que no es posible que una dama así se pueda haber enamorado de alguien como él. Resulta por tanto muy fácil hacerle sospechar que la dulce Desdemona se ha enamorado de un hombre de su misma condición, Cassio, que el mismo Iago define como la antítesis de Otello. Y por esto, pese a que Otello tiene un alma noble, pese a que Desdemona está realmente enamorada de él, pese a que Cassio es leal e intachable, la insinuación de Iago da sus frutos y Otello realmente cree que Desdemona le engaña.

En el texto teatral, Shakespeare explica la acción dramática a través del tema del racismo, que es la fuerza motriz de la tragedia. Pero tanto el libretista, Arrigo Boito, como Verdi comprenden que la intensidad del drama se puede incrementar todavía más si se logra que el racismo juegue un papel menos visible y el acento se sitúe en la fragilidad de un personaje perfectamente asimilable físicamente a cualquiera de los otros; un personaje vulnerable y dominado por una turbulencia interior. Así, Verdi convierte el racismo en algo muy colateral, apenas mencionado en momentos aislados. Y eso mismo propone David Alden: Otello es un outsider, es “el otro” porque así lo siente en su fuero interno. No tiene por qué ser negro ni físicamente diferente a los demás personajes.

Su conflicto es interior y tiene un nombre: inseguridad, que es lo que a tantos hombres ha llevado a cometer las mayores atrocidades. Vemos la trágica desintegración del héroe con horror fascinado, encerrado en el ciclo destructivo del destino. La escenografía alude a un patio chipriota, pero, sobre todo, a un mundo militarizado, brutal, de soldados deshumanizados, en una guerra que les impide responder al amor o la ternura. Y en este contexto, Otello nos coloca ante uno de los miedos más inconfesables del ser humano: no sentirse merecedor de lo que más se ama.

Renato Palumbo, que en el Real ha dirigido Les Huguenots, Tosca y La traviata, vuelve con otro título verdiano, de nuevo con la soprano albanesa Ermonela Jaho, que triunfó con su interpretación de La traviata, en 2014. Estará acompañada por el tenor Gregory Kunde, uno de los más alabados intérpretes del exigente papel de Otello en la actualidad, que también inauguró la pasada temporada del Real con su aplaudido Roberto Devereux, y que protagonizará la Norma que se ofrecerá en octubre y noviembre. Junto a ellos, encarnando al sádico y sibilino Iago, estará el barítono George Petean, que acaba de participar en la ópera I puritani que puso fin a la pasada temporada.

OTELLO

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Dramma lirico en cuatro actos

Libreto de Arrigo Boito, basado en la obra Othello, or The Moor of Venice (1603)  de William Shakespeare

Estrenada en el Teatro alla Scala de Milán el 5 de febrero de 1887

Estrenada en el Teatro Real el 9 de octubre de 1890

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con la English National Opera y la Kungliga Operan de Estocolmo

Otello Gregory Kund

Iago George Petean

Cassio Alexey Dolgov

Roderigo Vicenç Esteve

Ludovico Fernando Radó

Montano y un heraldo Isaac Galán

Desdemona Ermonela Jaho

Emilia Gemma Coma-Alabert

Bailarina Claudia Agüero

Bailarines Joaquín Abella, Fredo Belda, Carlos Belén, Jordi Casas, Gabi Nicolás, Juan Manuel Ramírez, Nacho Rodríguez, Alexandro Valeiras, David Ventosa

Niños bailarines Alberto Gil, Hugo González, Mateo Montero, Clara Navarro, Aroa Ortigosa, Maggie del Real, Emma Soto

Coro y Orquestra Titulares del Teatro Real
Pequeños Cantores de la Comunidad de Madrid

Director musical Renato Palumbo

Director de escena David Alden

Escenógrafo y figurinista Jon Morrell

Iluminador Adam Silverman

Coreógrafa Maxine Braham

Director del coro Andrés Máspero

Directora del coro de niños Ana González

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"La Traviata" es la tercera y última ópera de la denominada 'trilogía popular', que inicia el período de madurez de Giuseppe Verdi (al que también pertenecen "Rigoletto" e "Il Trovatore"), y constituye con absoluta justicia una de las óperas más queridas del compositor italiano. Está basada en la célebre novela de Alejandro Dumas hijo "La dama de las camelias", que relata la triste existencia de Marie Duplessis, célebre cortesana parisina que murió a causa de la enfermedad romántica por antonomasia: la tuberculosis. "La Traviata" lleva por primera vez a la escena operística, con un realismo sin precedentes, la desgraciada historia de una mujer víctima de la doble moral burguesa. Violetta Valéry conoce el verdadero amor en el joven Alfredo Germont, pero debe renunciar a él a petición de su padre, Giorgio Germont. Verdi puso aquí mucho de su propia relación con Giuseppina Strepponi, su futura esposa y su más fiel apoyo. La obra fue un fracaso en su estreno, el 6 de marzo de 1853 en el Teatro La Fenice de Venecia, por presentar escenas de la vida cotidiana en lugar de historias de nobles o gobernantes. En esta producción, que abrió con enorme éxito la temporada de ópera 2003-2004, Pier Luigi Pizzi ha ambientado la obra en el París ocupado por los nazis, donde los personajes tienen la sensación de vivir al día, en permanente estado de guerra, lo cual alimenta su pasión, que es lo único a lo que pueden aferrarse.

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La ópera Aida de Giuseppe Verdi con libreto de Antonio Ghislanzoni está ligada al Teatro Colón de Buenos Aires desde sus orígenes. En 1908, fue el título con el que se inauguró su actual edificio. Desde entonces, se representó innumerables veces, con figuras tan deslumbrantes como Enrico Caruso, Beniamino Gigli, Renata Tebaldi y María Callas, entre otros. 

A partir de 1966, el argentino Roberto Oswald se hizo cargo de la escenografía y del vestuario y en 1989 asumió la puesta en escena, mientras el vestuario estuvo a cargo de Aníbal Lápiz. Esta clásica producción de la casa argentina, realizada íntegramente en sus talleres, fue repuesta en
mayo de 2018 para celebrar los 110 años del edificio con un elenco que contó con las voces de Latonia Moore y Riccardo Massi junto a figuras locales y la Orquesta, el Ballet y el Coro Estables del Teatro Colón.

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Como una de las obras maestras más populares creadas por el maestro de ópera Verdi, Aida siempre es favorecida por los amantes de la ópera en todo el mundo: la vívida caracterización tridimensional y las melodías apasionadas. El equipo creativo está acompañado por el escenógrafo italiano Ezio Frigerio y la diseñadora de vestuario Franca Squarciapino, que fueron miembros creativos de la producción de Nabucco de NCPA.

Aida se estrenó en 1871. La trama se centra en la historia de amor entre la princesa etíope Aida y el héroe egipcio Radamés. Al elegir entre amor y lealtad para defender el país, la pareja es indecisa en un dilema. La ópera está llena de un fuerte contraste para las emociones: Aida ama con el enamoramiento de la patria y Radames, Radames celebra la victoria y decide sobre el 'acto injusto', y la princesa egipcia Amneris tiene un deseo dominante por Radames. La historia presenta una textura regordeta para que la gente se lamente por este hermoso amor.

Para lograr una representación precisa de las características regionales y las características culturales de toda la historia, Verdi fue repetidamente a museos para ver antigüedades egipcias y pidió consejo a expertos egipcios. Combina los antiguos materiales musicales en la presentación de la ópera con una comprensión viva y profunda. El gran escenario lo hace adecuado para auditorios al aire libre.

 

Este título no incluye subtítulos en castellano

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El director de escena y de cine napolitano Mario Martone trasladó, en septiembre de 2008 la acción de esta ópera de finales del siglo XVII al siglo XIX, por sentir que el drama pasional y el enfrentamiento político plasmados por Verdi se acercan más a esa época, contemporánea del compositor.

En esta ópera Verdi se va alejando de las formas cerradas de las arias y dúos, integrándolas en grandes cuadros, con un discurso musical más fluido y amplio. Pero paralelamente utiliza con ingenio formas y estilos convencionales heredados de la ópera comique francesa (el personaje de Óscar), o de la grand opéra, enlazándolos con la tradición de la ópera italiana.

El enorme talento de Verdi para la caracterización de los personajes, su afilado sentido dramático e inagotable inspiración melódica son patentes en esta ópera, en la que el compositor articula con mucha habilidad el drama y la comedia, los números de conjunto y los momentos íntimos, el bullicio palaciego con el drama interior de los protagonistas.

Fidelidad, traición y pasión son tres elementos fundamentales de Un ballo in maschera. Cada uno de ellos tiene su propio tema que escuchamos en el preludio de la ópera, aunque será la pasión el elemento que determine el dramático desenlace final.

De Un Ballo in maschera dijo Gabrielle D’Annunzio, que era “el más melodramático de los melodramas”.

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Mantua, Italia. Rigoletto, bufón del duque de Mantua, tiene una hija secreta que es seducida precisamente por el duque. Los cortesanos la raptan y la llevan a palacio creyendo que es la amante de Rigoletto, que los insulta y les reclama su hija. Después de hacer comprender a la hija que el duque no la ama, Rigoletto urde su venganza.

Debut de Javier Camarena y Antonino Siragusa en el rol del duque de Mantua en el Liceu, acompañados de Carlos Álvarez, Àngel Òdena -que debuta el rol de Rigoletto- y Leo Nucci, en un Rigoletto de lujo en el coliseo barcelonés. Una pieza esencial de la ópera basada en un drama de Victor Hugo y censurada antes de su estreno por su crítica a la monarquía de la época.
La producción de Monique Wagemakers es minimalista pero muy compleja técnicamente, con un vestuario rojo veneciano renacentista que recrea el intenso abanico emocional de Rigoletto. 

EXTRAS

Extras
Teatro Real
Giuseppe Verdi
-

"Una producción perfecta" (The Independent) de una de las tragedias más atemporales de Shakespeare, adaptada por Giuseppe Verdi. Una historia de traición, amor y celos que matan, pero no mueren.

El amor de Desdemona por Otello se considera arte de magia, sin embargo el amor de Otello por Desdemona se considera como lo más lógico del mundo: Desdemona es tan refinada, tan blanca y tan aristocrática que cualquiera comprende que Otello no pueda menos que amarla. Se aman, pero la diferencia direccional del amor de ambos es innegable. Y es sobre estas diferencias que un personaje resentido y diabólico, el alférez Iago, acabará logrando tejer su venganza contra el general Otello por no haberlo ascendido a capitán, como esperaba. La venganza necesita de un resorte mínimo, porque en esencia consiste en hacer creer a Otello lo que ya cree todo el mundo: que no es posible que una dama así se pueda haber enamorado de alguien como él. Así que pese a que Otello tiene un alma noble y Desdemona está realmente enamorada de él, pese a que Cassio es leal e intachable, la insinuación de Iago da sus frutos y Otello realmente cree que Desdemona le engaña.

El conflicto de Otello es interior y tiene un nombre: inseguridad, que es lo que a tantos hombres ha llevado a cometer las mayores atrocidades. Otello nos coloca ante uno de los miedos más inconfesables del ser humano: no sentirse merecedor de lo que más se ama.

Punto de partida
¿Qué lleva a Otello a creerse traicionado por Desdémona, una esposa que nunca ha dejado de amarlo? William Shakespeare capturó de manera genial el poder demoledor de la inseguridad. Lo hizo otorgando al gran guerrero unos rasgos raciales insólitos en su entorno, que actúan como una suerte de poderoso talón de Aquiles. Sin embargo, el Otello que concibe el director de escena David Alden –como ya sucede en el libreto que Arrigo Boito escribió para Giuseppe Verdi– sitúa el objeto de conflicto menos en el aspecto físico del moro de Venecia y más en los intricados laberintos psicológicos en que se pierde. Acosado por los celos, Otello asiste impotente a la desintegración de sus propios ideales y se ahoga en la obsesión por encontrar pruebas de una traición conyugal consumada únicamente en su mente. El guerrero sanguinario engulle al hombre de paz y le aboca a la destrucción de su entorno y a la suya propia. Bajo su sombra, Iago, uno de los villanos más venenosos de la historia, espolea con un certero sentido de la oportunidad los fantasmas de su señor. Perdiendo la dignidad, los papeles y el juicio, Otello nos enfrenta a uno de los miedos más inconfesables del ser humano: no sentirse merecedor de lo que más se ama.

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Como cada mes, José Luis Téllez expone los particularidades de la ópera en cartel. En esta ocasión, el musicógrafo analiza 'Otello' de Giuseppe Verdi, en una nueva producción del Teatro Real en coproducción con la English National Opera y la Ópera Real de Estocolmo. En el Teatro Real del 15 de septiembre al 3 de octubre de 2016.

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El director de escena de #OtelloTR, David Alden, nos explica las claves de un drama que, cuatro siglos después de su concepción, sigue siendo dolorosamente actual.

Obra maestra indiscutible de uno de los gigantes de la ópera, Giuseppe Verdi, cuenta con un reparto estelar encabezado por Gregory Kunde, George Petean y Ermonela Jaho que, dirigidos por el maestro Renato Palumbo, dará vida al Otello concebido por el aclamado director de escena David Alden.
"Una producción perfecta" (The Independent) de una de las tragedias más atemporales de Shakespeare, adaptada por Giuseppe Verdi. Una historia de traición, amor y celos que matan, pero no mueren.

El amor de Desdemona por Otello se considera arte de magia, sin embargo el amor de Otello por Desdemona se considera como lo más lógico del mundo: Desdemona es tan refinada, tan blanca y tan aristocrática que cualquiera comprende que Otello no pueda menos que amarla. Se aman, pero la diferencia direccional del amor de ambos es innegable. Y es sobre estas diferencias que un personaje resentido y diabólico, el alférez Iago, acabará logrando tejer su venganza contra el general Otello por no haberlo ascendido a capitán, como esperaba. La venganza necesita de un resorte mínimo, porque en esencia consiste en hacer creer a Otello lo que ya cree todo el mundo: que no es posible que una dama así se pueda haber enamorado de alguien como él. Así que pese a que Otello tiene un alma noble y Desdemona está realmente enamorada de él, pese a que Cassio es leal e intachable, la insinuación de Iago da sus frutos y Otello realmente cree que Desdemona le engaña.

El conflicto de Otello es interior y tiene un nombre: inseguridad, que es lo que a tantos hombres ha llevado a cometer las mayores atrocidades. Otello nos coloca ante uno de los miedos más inconfesables del ser humano: no sentirse merecedor de lo que más se ama.

Punto de partida
¿Qué lleva a Otello a creerse traicionado por Desdémona, una esposa que nunca ha dejado de amarlo? William Shakespeare capturó de manera genial el poder demoledor de la inseguridad. Lo hizo otorgando al gran guerrero unos rasgos raciales insólitos en su entorno, que actúan como una suerte de poderoso talón de Aquiles. Sin embargo, el Otello que concibe el director de escena David Alden –como ya sucede en el libreto que Arrigo Boito escribió para Giuseppe Verdi– sitúa el objeto de conflicto menos en el aspecto físico del moro de Venecia y más en los intricados laberintos psicológicos en que se pierde. Acosado por los celos, Otello asiste impotente a la desintegración de sus propios ideales y se ahoga en la obsesión por encontrar pruebas de una traición conyugal consumada únicamente en su mente. El guerrero sanguinario engulle al hombre de paz y le aboca a la destrucción de su entorno y a la suya propia. Bajo su sombra, Iago, uno de los villanos más venenosos de la historia, espolea con un certero sentido de la oportunidad los fantasmas de su señor. Perdiendo la dignidad, los papeles y el juicio, Otello nos enfrenta a uno de los miedos más inconfesables del ser humano: no sentirse merecedor de lo que más se ama.

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GIuseppe Verdi
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George Petean, que da vida al pérfido Iago en en esta nueva producción de Otello del Teatro Real, compara cómo el antagonista cambia del texto original de William Shakespeare a su adaptación por Arrigo Boito para la ópera de GIuseppe Verdi.