Gianni Schicchi, de Puccini, se estrenó en la Metropolitan Opera de Nueva York en 1918. La tercera parte de su Il trittico es una ópera cómica basada en un episodio de la Divina Comedia de Dante -la divertida y juguetona representación de un astuto glotón- que pronto se convirtió en un gran éxito con el público. Su lenguaje musical es definitivamente el más atrevido y moderno del Trittico. Esta obra maestra de la opera buffa italiana está llevada a escena por nada menos que Woody Allen, con un mordaz sentido del humor que la hace realmente especial.

¿Una ópera en la que la prima donna es un barítono? Le convenienze ed inconvenienze teatrali es un título excesivamente largo y desalentador para una ópera demasiado divertida para ser olvidada. Eso debió de pensar Helmut Käutner, director de cine alemán que la renombró como Viva la mamma en la célebre producción de 1969 para el teatro rococó de Cuvilliés de Múnich que cambió para siempre la historia de esta obra. Estrenada en Nápoles en 1827, esta farsa de teatro dentro del teatro nos muestra los contratiempos padecidos por una compañía de ópera de segunda fila al montar en un teatro de provincias el gran drama serio Romolo ed Ersilia, y en el que las insoportables tensiones entre las dos cantantes principales solo se resolverán mediante la decisiva intervención de la madre de una de ellas. La coproducción de la Opéra de Lyon junto al Grand Théâtre de Ginebra y el Teatro Real viene avalada por Laurent Pelly, animador infatigable de la comedia donizettiana cuya lectura de La fille du régiment tuvimos ocasión de disfrutar hace unos años.

*Título sólo disponible en España

Nikolaus Lehnhoff, uno de los principales directores de escena del mundo, ha presentado una nueva y extraordinaria producción de la popular ópera Rigoletto de Giuseppe Verdi. Con estrellas internacionales como Juan Diego Flórez y Diana Damrau y dirigida por el nuevo director titular Fabio Luisi, esta producción de ópera demuestra un nivel musical convincente y altamente cualificado. Un acontecimiento maravillosamente atemporal, que tuvo lugar en el maravilloso ambiente de la Semperoper de Dresde.

En marzo de 2012 se estrena en el Teatro Real C(h)œurs, ambicioso proyecto del coreógrafo belga Alain Platel basado en coros de Verdi y Wagner. Gerard Mortier y los protagonistas de la producción nos desvelan las claves del proceso creativo que culminó en esta creación sin precedentes en la historia del coliseo madrileño.

En coproducción con Televisión Española (TVE)

Peter Sellars, Teodor Currentzis, Ekaterina Scherbachenko y Dominique Blanc, nos detallan el trabajo realizado hasta alcanzar el estreno de esta producción: Un extraordinario programa doble con dos obras que “representan un ideal de belleza, poesía y esperanza”.

Iolanta y Perséphone nos relatan historias transformadoras; dos melodramas cargados de simbología que navegan de la luz a la oscuridad, y a la inversa, en los que detrás de cada personaje está siempre su opuesto. Sellars ha utilizado para su narración un escenario único con imágenes visuales muy intensas y abstractas, en las que todo cambia, como en el drama simbolista ruso.

En coproducción con Televisión Española (TVE)

Aunque coreografió más de 100 ballets a lo largo de su carrera, Frederick Ashton no era alguien que se repitiera. Desde las creaciones narrativas de larga duración hasta los pas de deux en miniatura, cada una de sus obras es única en concepto, realizada en un estilo que se adapta de manera única a su historia particular, su música y los bailarines en los que se creó. Y, sin embargo, a pesar de la precisión de su coreografía, cada bailarín en un papel de Ashton puede encontrar su propio camino a través de él, creando una interpretación que no solo es fiel sino también personal.

En esta grabación, antes de Marguerite & Armand vienen dos excelentes actuaciones de la Compañía, cada una mostrando diferentes aspectos de Ashton. Su exquisito The Dream (1964), una adaptación del Sueño de una noche de verano de Shakespeare, ambientada en la respuesta musical de Mendelssohn a la obra, está protagonizada por Steven McRae y Akane Takada como el etéreo rey y reina de las hadas. En una entrevista (también incluida), Dowell, el Oberon original, menciona su alivio al ver cómo los bailarines todavía encuentran difíciles los roles: Oberon, especialmente, se encuentra entre los roles masculinos más exigentes del repertorio. Pero, a pesar de todos los desafíos, McRae y Takada son tan ligeros como el aire en su conmovedor pas de deux de reconciliación.

Con la colaboración de Naxos

Contenido no disponible en Reino Unido e Irlanda

Sabina Puértolas es una de las sopranos españolas más internacionales, reconocida y aclamada por sus interpretaciones de un amplio repertorio del bel canto y música barroca. Su proyección, en constante ascenso, la ha llevado a cantar en coliseos como la Royal Opera House de Londres, el Teatro Real, el Gran Teatre del Liceu, el Teatro Municipal de Santiago de Chile, la Ópera de Seattle (EEUU) o el Centro Nacional de Artes Escénicas de Pekín (China). En 2001 debutó en el Teatro alla Scala de Milán bajo la dirección de Riccardo Muti interpretando el papel de Oscar en Un ballo in maschera, de Verdi, y desarrolló desde entonces una intensa carrera internacional. Sus interpretaciones, de gran expresividad y teatralidad, la unen con el alma de sus personajes.

Junto al pianista Rubén Fernández Aguirre, la velada ofrecerá canciones, romanzas y arias de óperas como Alcina y Rodelinda de Händel, Il turco in Italia de Rossini o Lucia di Lammermoor de Donizetti. El canto elegante, musical y de gran control técnico de Puértolas promete una noche para el recuerdo.

Bajo la dirección de Michel Plasson, especialista en Massenet, Jonas Kaufmann y Sophie Koch interpretan una de las historias de amor más conmovedoras de la ópera. En la obra maestra de Massenet, las lágrimas no cesan de brotar desde el mismo momento en que el idilio a la luz de la luna se revela y se destruye. "Todo mi ser llora ante ello", dice Werther. Estamos muy lejos de las lágrimas habituales de la ópera, ya sean furtivas o violentas. Estas lágrimas fluyen lenta e inexorablemente, una a una. "Lágrimas pacientes", como dice Charlotte. En el espacio de cuatro actos, habrán hecho su trabajo. Charlotte no puede contenerlas mientras relee las cartas de Werther, y sus lágrimas son la única parte de ella, el único sacrificio que él se atreve a pedirle. Fluirán frente a Sophie, el ángel del consuelo. Fluirán cuando Werther lea a Ossian. Y finalmente fluirán al ver el cuerpo ensangrentado de Werther. Sin embargo, él rechaza estas últimas lágrimas: porque ahora es feliz y libre.

Werther es un largo réquiem, "lacrimosa dies illa", un día de lágrimas como nunca lo hubo, un réquiem por un joven poeta que termina en el paraíso.

El hecho de que la Filarmónica de Berlín haya recurrido a Puccini -este compositor tan querido y a la vez tan condenado al ostracismo- es simbólico. Se trata de alguien que durante mucho tiempo se pensó que estaba pasado de moda, pero en realidad hay mucho más que descubrir sobre él y su obra. La historia de quien se convierte en modelo pero sigue siendo una niña, es muy contemporánea.

Aplaudida por el público y la crítica, Raymonda, con la suite de este ballet, en la versión de Luis Ortigoza, basada en el ballet de Marius Petipa, se presentó el verano de 2019 en el Parque de las Esculturas gracias al convenio entre la Corporación Cultural de Santiago y la Corporación Cultural de Providencia.

Esta obra ambientada en la Francia medieval, es un producto del exotismo de fin-de-siècle y una representación simbólica del proceso de expansión imperialista de la Rusia decimonónica, que pretendía conquistar territorios en Persia y China.

Exquisitos decorados y bellos trajes en esta propuesta más breve y dinámica, que presenta una alta exigencia para el rol protagónico y mantiene el papel fundamental del cuerpo de baile, que en este caso tiene más presencia masculina que en el original. Una historia de un amor amenazado por la guerra y la distancia que logra sortear todos los obstáculos hasta llegar a un feliz desenlace.

Uno de los títulos más populares de todo el repertorio operístico Verdiano: Il trovatore. En una nueva producción del Teatro Real, Maurizio Benini dirige dos repartos repletos de grandes estrellas verdianas: Ludovic Tézier, Maria Agresta, Ekaterina Semenchuk, Francesco Meli y Roberto Tagliavini, entre muchos otros. La enrevesada trama, basada en la obra de teatro de Antonio García Gutiérrez, cuenta aquí con una gran producción a cargo de Francisco Negrín, que destaca la tensión dramática y arrolladora de esta obra de Verdi.

De la impenetrable –y a menudo delirante– trama de Il trovatore, el aspecto que sin duda alguna más atrajo a Giuseppe Verdi fue la profunda contradicción vital en que se ve sumida Azucena, tan llena de amor hacia su hijo como de odio hacia su madre. El músico buscaba a toda costa revelar las pasiones desbordadas de la mujer, y así lo defendió ante su libretista, llegando a proponerle que abandonaran la historia si no le convencía (como alternativa, le proponía centrarse en una trama que terminaría siendo alumbrada como La traviata). No fue necesario. La obra se gestó a lo largo de tres años de frenética actividad musical y de serios quebraderos de cabeza personales, pero Verdi logró lo que buscaba. Con un temperamento casi desenfrenado y un ímpetu arrollador, Il trovatore rebosa tensión dramática y genialidad musical, y el resultado es una historia de amor y venganza que avanza con intensidad y de forma imparable hacia la catástrofe final. Desde su mismo estreno, la ópera comenzó a ganar en popularidad y, más de siglo y medio después, sigue siendo una rotunda cima del repertorio operístico.

El compositor francés Maurice Ravel sigue siendo una fuente de inspiración para cualquier coreógrafo. El director artístico y coreógrafo estrella Sidi Larbi Cherkaoui y el talento emergente Jeroen Verbruggen llevan su visión de la música de Ravel al escenario. Jeroen Verbruggen, que como joven estudiante de danza en la Royal Ballet School ganó el Prix de Lausanne, se ha inspirado en la Pavane pour une Infante défunte de Ravel y en Ma mère l'oye.

Sidi Larbi Cherkaoui también traduce a Ravel a la danza, optando por Cuadros de una exposición, que fue compuesta originalmente por Modest Mussorgsky, pero que posteriormente fue orquestada por Ravel para convertirse en la orquestación más interpretada de esta obra: De este modo, se ha convertido en un verdadero canon.

Es un programa lleno de sorpresas con el que el Royal Ballet Flanders/ Ballet Vlaanderen podría escribir una página de la historia de la danza.