La última ópera de Giacomo Puccini no necesita introducción. Tras 20 años de ausencia, Turandot regresó al Teatro Real de la mano de una nueva producción firmada por uno de los directores capitales de los siglos XX y XXI: Robert Wilson, creador de imágenes inolvidables en sus producciones de The Life and Death of Marina Abramovic y Pelléas et Mélisande.

Al frente de un reparto estelar encabezado por Nina Stemme, Gregory Kunde y Yolanda Auyanet, el director musical asociado del Teatro Real, Nicola Luisotti, dirige uno de los grandes títulos del repertorio italiano.

La bohème de Puccini, una de las óperas veristas más célebres del mundo bajo una producción tradicional de Jonathan Miller llena de realismo, inspirada en las fotografías de Brassaï y Cartier-Bresson de la década de los años 30 del siglo XX. Marc Piollet dirige la Orquesta del Liceu en una bohème que destaca por la excelencia en su reparto: en el papel de Mimì Eleonora Buratto, y en el de Musetta, Olga Kluchynska, ganadora de la edición 2015 del Concurso Tenor Viñas. El grupo de bohemios está encabezado por el tenor Saimir Pirgu como Rodolfo, y Marcello por el barítono Gabriel Bermúdez. La historia de amor entre Rodolfo, el poeta, y la dulce Mimì, una vecina bordadora, marca el ritmo de la obra, que se sitúa en el París de 1830, cien años antes que la apuesta de Miller. En el Barrio Latino, un grupo de bohemios, entre los cuales se encuentra el protagonista, con sus compañeros Marcello, Schaunard y Colline, conviven en una buhardilla con el frío y el hambre, sin poder pagar el alquiler. El contrapunto a la pareja protagonista, que se debate entre los celos y el miedo a la enfermedad de la muchacha, son la pareja Marcello, pintor, y Musetta, una femme fatale que acaba ayudando a Mimì en los momentos difíciles. La ópera presenta grandes momentos musicales, como la célebre aria del primer acto “Che gelida manina”, en la que Rodolfo calienta la mano de una Mimì desvalida que ha venido a la casa de los artistas a pedir cerillas. Después de que el poeta se presente en “Chi son? Sono un poeta”, le toca el turno a la muchacha, cantando “Mi chiamano Mimì”, una página llena de ternura donde queda reflejado el idealismo que rodea a la trama.

Una producción deslumbrante de la gran tragedia japonesa de Puccini Madama Butterfly desde la Royal Opera House. Imágenes seductoras de Japón como se veía en la imaginación europea del siglo XIX reflejan una intensa descripción cómo se vivía entonces el choque de Oriente y Occidente.

Cuando el oficial naval estadounidense Pinkerton seduce a la joven "Butterfly" Cio-Cio-San, parece prometerle toda la felicidad, pero su cruel abandono la lleva a su trágico sacrificio personal. Antonio Pappano, director musical de la Royal Opera House y reconocido por sus interpretaciones de Puccini, dirige un elenco excepcionalmente excelente con el Royal Opera Chorus y la Orquesta de la Royal Opera House. Potentes actuaciones muestran por qué Madama Butterfly sigue siendo uno de los favoritos operísticos de todos los tiempos.

Con la colaboración de Naxos

Aunque una de sus óperas líricas más consistentes, La Rondine (La golondrina) sigue siendo una de
las menos conocidas de Puccini. Insatisfecho con los resultados de su trabajo, Puccini escribió tres versiones, con dos finales diferentes, y continuó haciendo más revisiones hasta su muerte en 1924.

La innovadora producción de 2007 en el Festival Torre del Lago Giacomo Puccini, presentada en este programa, es una cuarta versión, que combina el Acto I y II de la primera versión (1917), con la orquestación de Lorenzo Ferrero en 1994 de partes del final del Acto III de la tercera versión incompleta (1921), algunas de las cuales habían sobrevivido solo en partitura para piano , así como la Ley de Ruggero I romanza Parigi è la città dei desideri, de la segunda versión (1920).

Con la colaboración de Naxos

Partiendo del libro Escenas de la vida bohemia, de Henri Murger (1882-1861), nacido como una serie de relatos autobiográficos publicados en forma de folletín, los dos libretistas, siempre celosamente dirigidos por Puccini, construyeron un libreto coral, en el que cuatro jóvenes artistas bohemios sortean las dificultades económicas y las inclemencias del tiempo con humor e ilusión, buscando su lugar en un París efervescente, bullicioso e invernal.

La historia de amor trágica entre uno de ellos, Rodolfo, aspirante a poeta, y la sastrecilla Mimì, cuya muerte, inexorable, les sorprende, articula una especie de camino iniciático que despide los desenfrenos y sueños de la juventud y revela la vida real, con toda su contundencia y transcendencia.
Con su genial paleta orquestal, su dominio de la prosodia y su enorme talento dramático, Puccini va construyendo la personalidad de los jóvenes con su característica habilidad para articular los destellos más anecdóticos y divertidos de lo cotidiano con los sentimientos más hondos, pasionales y arrebatadores. Así, entrelaza sus frases cortas “de conversación” con otras de enorme aliento melódico y dramático. Su orquestación sugiere, con enorme eficacia tímbrica, desde detalles tan nimios como el serpenteo de las llamas o el tintineo de las monedas, hasta las ‘ambientaciones’ casi cinematográficas de la desangelada buhardilla, del bullicio del París navideño, o de la soledad y privaciones de la pobreza.

La evocación de momentos pasados como si fueran destellos que la memoria revive y actualiza está magistralmente recreada con la utilización de motivos musicales asociados a emociones, sentimientos, o incluso a objetos a los que Puccini concede un enorme poder simbólico, como la vela de Mimì, la cofia rosa que le compra Rodolfo, el gabán de Colline, o el manguito que calienta las manos frías de la protagonista en su lecho de muerte…

Son estos momentos que vienen y vuelven con la memoria, que están escondidos y asoman con las vivencias que suman y construyen el camino la vida, los que vertebran esta producción de La bohème. En su propuesta dramatúrgica, el prestigioso director de escena británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing presentan la ópera como una sucesión de Escenas de la vida bohemia presentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario. Así, el público ve como se cambian los decorados, cómo se utilizan diferentes artilugios para lograr efectos teatrales y cómo se amontonan elementos escenográficos en las bambalinas, como si fueran retazos de vida apiñados en la memoria.

Situándose en el lugar privilegiado, el espectador contempla permanentemente el pasado y el presente de los personajes, incapaz de sumergirse en el París frío y efervescente de los jóvenes bohemios porque lo verá siempre representado sobre el escenario. Pero este artificio del ‘teatro dentro del teatro’, en que se confunden el tiempo real y el teatral, el espacio del público y del artista, el drama de la ópera y sus metáforas, llevará al espectador a una interpretación más rica de la obra de Puccini, potenciada por su visión desde distintos ángulos, pero también con sus reflejos.

Tosca, la quinta ópera de Giacomo Puccini, se presentó por primera vez en el Teatro Costanzi de Roma el 14 de enero de 1900. La ópera inicialmente provocó reacciones diferentes entre el público y los críticos.
Mientras que estos últimos generalmente expresaron fuertes reservas, el público apreció mucho la ópera y decretó un éxito que nunca ha disminuido desde esa fecha.
El libreto fue confiado a Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, nuevamente en sociedad después de Manon Lescaut y La bohème.
Desde su primera aparición en 1887, Tosca demostró ser uno de los dramas más populares de Victorien Sardou (1831-1908), quien lo escribió para adaptarse a Sarah Bernhardt.
El teatro de Sardou se basó esencialmente en la trama, enriquecido sin embargo por toques precisos realistas y psicológicos.
Para Puccini, el encuentro con el teatro de Sardou significaba básicamente una incursión en la esfera del melodrama "verista", del cual el compositor siempre había mantenido su distancia.
Su sensibilidad humana y musical estaba, de hecho, muy alejada de la tosquedad del verismo, y, sustancialmente, Tosca representaba una excepción.
Sin embargo, fue una excepción en la que todas las situaciones más típicas del verismo se destacaron, podríamos decir, en forma concentrada: los eventos se suceden en un crescendo de tensión y drama. Puccini también refinó musicalmente para insistir en los aspectos más truculentos de la trama, y ​​su música con frecuencia atenúa la crudeza de las situaciones.

Con la colaboración de Naxos

Madama Butterfly, de Giacomo Puccini, una de las óperas más representadas en los escenarios de todo el mundo. La trágica historia de la geisha Cio Cio San, mejor conocida como Madama Butterfly emociona a cualquier público por el talento innato de Puccini. Una historia que narra la dura lucha entre dos civilizaciones irreconocibles. La historia está situada, esta vez, de una manera diferente a través de la dirección de escena de Mario Gas que sitúa la narración en un plató de cine de los años 30, con el que propone tres perspectivas simultáneas para poder disfrutar aún más de este clásico conmovedor firmado por Giacomo Puccini.

Las esposas temporales eran una realidad extendida en el Japón de finales del XIX. Occidente, con Estados Unidos a la cabeza, había establecido relaciones diplomáticas y comerciales con el país a mediados de siglo, y la fascinación por la cuna de las geishas se había extendido como la pólvora. La influencia de Oriente –un oriente imaginado desde la lejanía– se plasmaría en obras de una amplia paleta de artistas europeos y norteamericanos, y seguiría nutriendo la vida cultural occidental hasta bien entrado el siglo XX. En esta línea, el personaje de Butterfly es una cruda encarnación del conflicto entre dos civilizaciones irreconciliables, una de las cuales avasalla a la otra. Hombre de finísimo instinto teatral, Puccini retrata de manera magistral la fragilidad de una geisha enamorada que ingenuamente se cree correspondida por un apuesto oficial de la marina norteamericana, en una partitura en la que se evocan melodías japonesas tradicionales convenientemente armonizadas. El fiasco que supuso el estreno de Madama Butterfly en Milán no hizo cejar al compositor en su empeño de sacar adelante la que él mismo consideró su obra más sincera y expresiva. El tiempo acabaría dándole la razón. Mario Gas sitúa la historia en un plató cinematográfico en los años 30 y propone tres perspectivas simultáneas a través de las cuales vivir este drama conmovedor: la ópera en sí, la grabación cinematográfica que se hace de la misma y su reproducción en blanco y negro en una gran pantalla.

Inva Mula y Aquiles Machado encabezan el reparto de esta cinematográfica producción de Giancarlo del Monaco, que nos traslada con todo realismo a la vida bohemia del París del siglo XIX para vivir la desgarradora historia de amor entre Mimì y el poeta Rodolfo.