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En la nueva versión de Les contes d’Hoffmann de Jacques Offenbach que presentamos, Nicklausse, la musa y el alter ego de Hoffmann, canta al final de la ópera: “On est grand par l’amour, mais plus grand par les pleurs” (El amor nos hace grandes, y más grande aún el llanto). Este es un motivo del considerado “el siempre divertido Offenbach” y, sin embargo, se trata de una concepción artística con la que se une al movimiento romántico desde Victor Hugo hasta Thomas Mann pasando por Berlioz, para el que la obra de arte y la inspiración surgen del sufrimiento y la melancolía sobre el acontecer del mundo. Esto convierte a la única ópera de Offenbach en una singular creación en la que el arte triunfa sobre el dolor del amor.
* Título disponible solo en países no UE, a excepción de España
RECOMENDADO
Con la participación del director musical del Teatro Real, Ivor Bolton, experto mozartiano, y del director de escena Claus Guth. Junto a ellos, la Orquesta Titular del Teatro Real.
Mozart acababa de cumplir 16 años cuando, en marzo de 1771, le llegó el encargo de componer Lucio Silla. Año y medio después había escrito todos los recitativos y se había personado en Milán, donde trabajaría en la música para las arias y comenzaría los ensayos. La tercera de sus óperas se estrenó en el Teatro Regio Ducal en diciembre de 1772 con un reparto que incluía algunas de las mejores voces del momento. No era para menos: la partitura, endiablada, solo está al alcance de cantantes con una sólida técnica vocal.
El libreto, que tan solo un par de años después retomaría Johann Christian Bach para componer su propia ópera, se ciñe al modelo de opera seria habitual en la Europa del siglo XVIII, y propone la magnanimidad como el valor moral alrededor del cual hacer girar la trama. El dictador romano Silla –papel inspirado en el personaje histórico homónimo– trama valerse de su peso político para conquistar a su amada Giunia, hija de su acérrimo enemigo. Ella, sin embargo, tiene sus afectos puestos en Cecilio, senador exiliado por motivos políticos. La determinación inicial de Silla va resquebrajándose, dando paso a una compasión que acabará por hacerle ceder ante el amor e incluso a renunciar al poder. Las decisiones virtuosas, nos propone la ópera, siempre son las más acertadas.
* Título disponible solo en países no UE, a excepción de España
La ópera Aida de Giuseppe Verdi con libreto de Antonio Ghislanzoni está ligada al Teatro Colón de Buenos Aires desde sus orígenes. En 1908, fue el título con el que se inauguró su actual edificio. Desde entonces, se representó innumerables veces, con figuras tan deslumbrantes como Enrico Caruso, Beniamino Gigli, Renata Tebaldi y María Callas, entre otros.
A partir de 1966, el argentino Roberto Oswald se hizo cargo de la escenografía y del vestuario y en 1989 asumió la puesta en escena, mientras el vestuario estuvo a cargo de Aníbal Lápiz. Esta clásica producción de la casa argentina, realizada íntegramente en sus talleres, fue repuesta en
mayo de 2018 para celebrar los 110 años del edificio con un elenco que contó con las voces de Latonia Moore y Riccardo Massi junto a figuras locales y la Orquesta, el Ballet y el Coro Estables del Teatro Colón.
Ambientada en la España de los años 40, esta producción de Lluis Pasqual para el Teatro Real con escenografía de Ezio Frigerio y vestuario de Franca Squarciapino cuenta con un reparto de lujo encabezado por el barítono malagueño Carlos Álvarez en el papel protagonista. Sonia Ganassi como Doña Elvira, la espléndida María Bayo en el difícil papel de Doña Ana y José Bros como Don Ottavio, papel por el que recibió en 2006 el Premio Lírico del Teatro Campoamor al mejor cantante de ópera, completan el plantel estelar de esta puesta en escena de la obra de Mozart y Da Ponte, dirigida por el maestro Victor Pablo Pérez y grabada en alta definición en el Teatro Real en la temporada 2005-2006.
TODO EXTRAS
La aclamada producción de la Flauta Mágica, inspirada en el cine mudo, del director de escena Barrie Kosky, vuelve al Teatro Real afianzándose así su compromiso con los amantes de Wolfgang Amadeus Mozart. Una deliciosa fábula sobre la fraternidad, rebosante de simbología y guiños masónicos, terminaría convirtiéndose en el testamento musical de Mozart.
La aclamada producción de la Flauta Mágica, inspirada en el cine mudo, del director de escena Barrie Kosky, vuelve al Teatro Real afianzándose así su compromiso con los amantes de Wolfgang Amadeus Mozart. Una deliciosa fábula sobre la fraternidad, rebosante de simbología y guiños masónicos, terminaría convirtiéndose en el testamento musical de Mozart.
Il Pirata, una de las primeras óperas de Vicenzo Bellini, se estrena en el Teatro Real, en coproducción con el Teatro alla Scala de Milán. La producción de Emilio Sagi es perfectamente identificable con su estilo. Se pueden ver trazos muy similares a Luisa Fernanda o Las Bodas de Fígaro. Además, esta ópera que supone un auténtico desafío vocal contará con dos repartos de primer nivel que acogen el regreso de aristas como Sonya Yoncheva, Javier Camarena, Celso Albelo y Yolanda Auyanet.
l Pirata, una de las primeras óperas de Vicenzo Bellini, se estrena en el Teatro Real, en coproducción con el Teatro alla Scala de Milán. La producción de Emilio Sagi es perfectamente identificable con su estilo. Se pueden ver trazos muy similares a Luisa Fernanda o Las Bodas de Fígaro. Además, esta ópera que supone un auténtico desafío vocal contará con dos repartos de primer nivel que acogen el regreso de aristas como Sonya Yoncheva, Javier Camarena, Celso Albelo y Yolanda Auyanet.
Un documental que muestra la trastienda del montaje de Turandot, la superproducción del Teatro Colón de Buenos Aires en 2019. Una nueva versión del clásico de Giacomo Puccini realizada íntegramente en los talleres escenotécnicos de la casa de ópera argentina. El paso a paso de la elaboración de cientos de trajes, zapatos, pelucas, postizos y tocados para un reparto extraordinario que incluye un Coro Estable de 100 integrantes, Coro de Niños y figurantes, además del vestuario particular de cada elenco de solistas. Los detalles de la construcción de una escenografía monumental, desde los planos a su puesta en escena. Los ensayos de la Orquesta Estable y la voz de directores de orquesta, regisseurs y cantantes revelan los secretos de un trabajo colectivo de meses que se verá plasmado en un puñado de funciones.
¿Cómo se realiza una escenografía para que pueda ser apreciada tanto desde la platea como por medio de una pantalla en una transmisión vía streaming? ¿Cómo se transmiten entre bastidores los saberes ancestrales de los oficios teatrales? ¿Cómo se prepara un tenor para cantar por primera vez el rol protagónico de uno de los títulos más presentados en el mundo? ¿Cómo funciona la fábrica de sueños que da vida a un teatro lírico? Éstas y otras preguntas encuentran sus respuestas en este documental que registra la producción de La Bohème de Giacomo Puccini realizada en 2018 en el Teatro Colón de Buenos Aires. Artistas, artesanos y trabajadores escenotécnicos brindan su testimonio en un mediometraje coral que llevan al espectador al detrás de escena de una de las pocas casas de ópera del mundo con capacidad de crear en sus talleres todo lo que se monta en su escenario.
El elixir de amor de Gaetano Donizetti regresa al Teatro Real, en la versión creada por Damiano Michieletto con su producción original, transfiriendo la acción de esta ópera a una playa popular llena de vacacionistas de verano. Transforma el "Elixir" del libreto original, un vino de Burdeos ofrecido como poción mágica, en una bebida energizante. Una de las arias de esta ópera "Una furtiva lágrima" está considerada entre las composiciones y melodías más populares de la historia. Dos repartos destacados son liderados por Erwin Schrott, Javier Camarena, Francisco Gatell, Sabina Puértolas y Brenda Rae, entre otros grandes artistas.
El elixir de amor de Gaetano Donizetti regresa al Teatro Real, en la versión creada por Damiano Michieletto con su producción original, transfiriendo la acción de esta ópera a una playa popular llena de vacacionistas de verano. Transforma el "Elixir" del libreto original, un vino de Burdeos ofrecido como poción mágica, en una bebida energizante. Una de las arias de esta ópera "Una furtiva lágrima" está considerada entre las composiciones y melodías más populares de la historia. Dos repartos destacados son liderados por Erwin Schrott, Javier Camarena, Francisco Gatell, Sabina Puértolas y Brenda Rae, entre otros grandes artistas.
El Teatro Real comienza su temporada 19/20 con Don Carlo, de Giuseppe Verdi, que vuelve catorce años después de su última representación, en mayo de 2005. Una magistral propuesta escénica de David McVicar y la dirección musical de Nicola Luisotti, director principal invitado del Teatro Real, al frente de tres repartos de primer nivel con figuras de la talla de Ainhoa Arteta, María Agresta o Silvia Tro Santafé, entre otros cantantes.
El Teatro Real comienza su temporada 19/20 con Don Carlo, de Giuseppe Verdi, que vuelve catorce años después de su última representación, en mayo de 2005. Una magistral propuesta escénica de David McVicar y la dirección musical de Nicola Luisotti, director principal invitado del Teatro Real, al frente de tres repartos de primer nivel con figuras de la talla de Ainhoa Arteta, María Agresta o Silvia Tro Santafé, entre otros cantantes.
El Teatro Real comienza su temporada 19/20 con Don Carlo, de Giuseppe Verdi, que vuelve catorce años después de su última representación, en mayo de 2005. Una magistral propuesta escénica de David McVicar y la dirección musical de Nicola Luisotti, director principal invitado del Teatro Real, al frente de tres repartos de primer nivel con figuras de la talla de Ainhoa Arteta, María Agresta o Silvia Tro Santafé, entre otros cantantes.
El segundo Verdi de la temporada 18/19 lo representa uno de los títulos más populares de todo el repertorio operístico: Il trovatore. En una nueva producción del Teatro Real, Maurizio Benini dirige dos repartos repletos de grandes estrellas verdianas: Ludovic Tézier, Maria Agresta, Ekaterina Semenchuk, Francesco Meli y Roberto Tagliavini, entre muchos otros. La enrevesada trama, basada en la obra de teatro de Antonio García Gutiérrez, cuenta aquí con una gran producción a cargo de Francisco Negrín, que destaca la tensión dramática y arrolladora de esta obra de Verdi.
El segundo Verdi de la temporada 18/19 lo representa uno de los títulos más populares de todo el repertorio operístico: Il trovatore. En una nueva producción del Teatro Real, Maurizio Benini dirige dos repartos repletos de grandes estrellas verdianas: Ludovic Tézier, Maria Agresta, Ekaterina Semenchuk, Francesco Meli y Roberto Tagliavini, entre muchos otros. La enrevesada trama, basada en la obra de teatro de Antonio García Gutiérrez, cuenta aquí con una gran producción a cargo de Francisco Negrín, que destaca la tensión dramática y arrolladora de esta obra de Verdi.
El segundo Verdi de la temporada 18/19 lo representa uno de los títulos más populares de todo el repertorio operístico: Il trovatore. En una nueva producción del Teatro Real, Maurizio Benini dirige dos repartos repletos de grandes estrellas verdianas: Ludovic Tézier, Maria Agresta, Ekaterina Semenchuk, Francesco Meli y Roberto Tagliavini, entre muchos otros. La enrevesada trama, basada en la obra de teatro de Antonio García Gutiérrez, cuenta aquí con una gran producción a cargo de Francisco Negrín, que destaca la tensión dramática y arrolladora de esta obra de Verdi.
El segundo Verdi de la temporada 18/19 lo representa uno de los títulos más populares de todo el repertorio operístico: Il trovatore. En una nueva producción del Teatro Real, Maurizio Benini dirige dos repartos repletos de grandes estrellas verdianas: Ludovic Tézier, Maria Agresta, Ekaterina Semenchuk, Francesco Meli y Roberto Tagliavini, entre muchos otros. La enrevesada trama, basada en la obra de teatro de Antonio García Gutiérrez, cuenta aquí con una gran producción a cargo de Francisco Negrín, que destaca la tensión dramática y arrolladora de esta obra de Verdi.
Rompiendo con la ausencia de 8 años de Richard Strauss, la nueva producción de Capriccio supone también el estreno en el Teatro Real de la última ópera del compositor bávaro, con una puesta en escena del celebrado Christof Loy y dirección musical del experto straussiano Asher Fisch. Capriccio es la respuesta de Strauss a la pregunta que persigue a la ópera como forma de arte desde su nacimiento: ¿debe pesar más la música o la palabra? Del compositor de desgarradoras tragedias como Salomé o Elektra sorprende descubrir una exquisita comedia que sintetiza todo su lenguaje musical en un ejercicio de brillantes armonías y texturas.
Rompiendo con la ausencia de 8 años de Richard Strauss, la nueva producción de Capriccio supone también el estreno en el Teatro Real de la última ópera del compositor bávaro, con una puesta en escena del celebrado Christof Loy y dirección musical del experto straussiano Asher Fisch. Capriccio es la respuesta de Strauss a la pregunta que persigue a la ópera como forma de arte desde su nacimiento: ¿debe pesar más la música o la palabra? Del compositor de desgarradoras tragedias como Salomé o Elektra sorprende descubrir una exquisita comedia que sintetiza todo su lenguaje musical en un ejercicio de brillantes armonías y texturas.
Rompiendo con la ausencia de 8 años de Richard Strauss, la nueva producción de Capriccio supone también el estreno en el Teatro Real de la última ópera del compositor bávaro, con una puesta en escena del celebrado Christof Loy y dirección musical del experto straussiano Asher Fisch. Capriccio es la respuesta de Strauss a la pregunta que persigue a la ópera como forma de arte desde su nacimiento: ¿debe pesar más la música o la palabra? Del compositor de desgarradoras tragedias como Salomé o Elektra sorprende descubrir una exquisita comedia que sintetiza todo su lenguaje musical en un ejercicio de brillantes armonías y texturas.
La lenta recuperación del genio de Francesco Cavalli nos ha permitido descubrir, tras siglos de olvido, las delicias de La Calisto, hoy un título imprescindible de la ópera barroca. En su estreno en el Teatro Real, Ivor Bolton y Christopher Moulds se alternan al frente de la Orquesta Barroca de Sevilla y dos repartos de primer nivel formados por Karina Gauvin, Monica Bacelli, Louise Adler (recientemente premiada en el concurso BBC Cardiff Singer of the World 2017), Tim Mead y Xavier Sabata, entre otros grandes intérpretes barrocos. David Alden aprovecha la gran expresividad y fuerza dramática de la música de Cavalli para crear una puesta en escena donde los dioses, antaño inalcanzables, demuestran ser tan irreverentes como los seres humanos que gobiernan.
La lenta recuperación del genio de Francesco Cavalli nos ha permitido descubrir, tras siglos de olvido, las delicias de La Calisto, hoy un título imprescindible de la ópera barroca. En su estreno en el Teatro Real, Ivor Bolton y Christopher Moulds se alternan al frente de la Orquesta Barroca de Sevilla y dos repartos de primer nivel formados por Karina Gauvin, Monica Bacelli, Louise Adler (recientemente premiada en el concurso BBC Cardiff Singer of the World 2017), Tim Mead y Xavier Sabata, entre otros grandes intérpretes barrocos. David Alden aprovecha la gran expresividad y fuerza dramática de la música de Cavalli para crear una puesta en escena donde los dioses, antaño inalcanzables, demuestran ser tan irreverentes como los seres humanos que gobiernan.
La lenta recuperación del genio de Francesco Cavalli nos ha permitido descubrir, tras siglos de olvido, las delicias de La Calisto, hoy un título imprescindible de la ópera barroca. En su estreno en el Teatro Real, Ivor Bolton y Christopher Moulds se alternan al frente de la Orquesta Barroca de Sevilla y dos repartos de primer nivel formados por Karina Gauvin, Monica Bacelli, Louise Adler (recientemente premiada en el concurso BBC Cardiff Singer of the World 2017), Tim Mead y Xavier Sabata, entre otros grandes intérpretes barrocos. David Alden aprovecha la gran expresividad y fuerza dramática de la música de Cavalli para crear una puesta en escena donde los dioses, antaño inalcanzables, demuestran ser tan irreverentes como los seres humanos que gobiernan.
De la admiración de Giuseppe Verdi por el genio de William Shakespeare nacieron tres de las grandes óperas del compositor italiano: Macbeth, Otello y, como testamento musical y única comedia de su obra, Falstaff. Una obra perfecta que nos enseña a reírnos de la vida y de nosotros mismos, que en esta nueva producción del Teatro Real cuenta con el talento para la comedia del director Laurent Pelly, responsable de las recientes La hija del regimiento, Hänsel y Gretel y El gallo de oro. Daniele Rustioni dirige dos repartos de marcado carácter español, junto al Coro y Orquesta Titulares.
De la admiración de Giuseppe Verdi por el genio de William Shakespeare nacieron tres de las grandes óperas del compositor italiano: Macbeth, Otello y, como testamento musical y única comedia de su obra, Falstaff. Una obra perfecta que nos enseña a reírnos de la vida y de nosotros mismos, que en esta nueva producción del Teatro Real cuenta con el talento para la comedia del director Laurent Pelly, responsable de las recientes La hija del regimiento, Hänsel y Gretel y El gallo de oro. Daniele Rustioni dirige dos repartos de marcado carácter español, junto al Coro y Orquesta Titulares.
De la admiración de Giuseppe Verdi por el genio de William Shakespeare nacieron tres de las grandes óperas del compositor italiano: Macbeth, Otello y, como testamento musical y única comedia de su obra, Falstaff. Una obra perfecta que nos enseña a reírnos de la vida y de nosotros mismos, que en esta nueva producción del Teatro Real cuenta con el talento para la comedia del director Laurent Pelly, responsable de las recientes La hija del regimiento, Hänsel y Gretel y El gallo de oro. Daniele Rustioni dirige dos repartos de marcado carácter español, junto al Coro y Orquesta Titulares.
De la admiración de Giuseppe Verdi por el genio de William Shakespeare nacieron tres de las grandes óperas del compositor italiano: Macbeth, Otello y, como testamento musical y única comedia de su obra, Falstaff. Una obra perfecta que nos enseña a reírnos de la vida y de nosotros mismos, que en esta nueva producción del Teatro Real cuenta con el talento para la comedia del director Laurent Pelly, responsable de las recientes La hija del regimiento, Hänsel y Gretel y El gallo de oro. Daniele Rustioni dirige dos repartos de marcado carácter español, junto al Coro y Orquesta Titulares.
Tras diez años de Guerra troyana, Idomeneo finalmente vuelve a casa victorioso. Algunas de sus tropas ya han regresado y traído consigo prisioneros troyanos, entre ellos Ilia, hija del fallecido rey Príamo. A su regreso de la guerra, Agamenón, otro victorioso rey griego, es asesinado por su mujer Clitemnestra y su amante Egisto. El hermano de Elettra, Orestes, ha vengado la muerte de su padre matando tanto a su madre como a su amante. Elettra, huérfana como Ilia, se ha refugiado en Creta, donde se ha enamorado del hijo de Idomeneo, Idamante, que ha estado gobernando en ausencia de su padre..
Tras diez años de Guerra troyana, Idomeneo finalmente vuelve a casa victorioso. Algunas de sus tropas ya han regresado y traído consigo prisioneros troyanos, entre ellos Ilia, hija del fallecido rey Príamo. A su regreso de la guerra, Agamenón, otro victorioso rey griego, es asesinado por su mujer Clitemnestra y su amante Egisto. El hermano de Elettra, Orestes, ha vengado la muerte de su padre matando tanto a su madre como a su amante. Elettra, huérfana como Ilia, se ha refugiado en Creta, donde se ha enamorado del hijo de Idomeneo, Idamante, que ha estado gobernando en ausencia de su padre..
Tras diez años de Guerra troyana, Idomeneo finalmente vuelve a casa victorioso. Algunas de sus tropas ya han regresado y traído consigo prisioneros troyanos, entre ellos Ilia, hija del fallecido rey Príamo. A su regreso de la guerra, Agamenón, otro victorioso rey griego, es asesinado por su mujer Clitemnestra y su amante Egisto. El hermano de Elettra, Orestes, ha vengado la muerte de su padre matando tanto a su madre como a su amante. Elettra, huérfana como Ilia, se ha refugiado en Creta, donde se ha enamorado del hijo de Idomeneo, Idamante, que ha estado gobernando en ausencia de su padre..
Con Das Rheingold, se marca el inicio de El anillo del nibelungo, la colosal tetralogía de Richard Wagner y la segunda que el Teatro Real lleva a su escenario desde su reinauguración en 1997.
Con Das Rheingold, se marca el inicio de El anillo del nibelungo, la colosal tetralogía de Richard Wagner y la segunda que el Teatro Real lleva a su escenario desde su reinauguración en 1997.
El director de escena canadiense sitúa el prólogo del Anillo en la crudeza de nuestro contaminado mundo actual, donde se despliegan los personajes del conflicto cósmico retratado en la tetralogía, que veremos completa a lo largo de las próximas temporadas.
Con Das Rheingold, se marca el inicio de El anillo del nibelungo, la colosal tetralogía de Richard Wagner y la segunda que el Teatro Real lleva a su escenario desde su reinauguración en 1997. Pablo Heras-Casado, principal director invitado del Real, dirige un reparto con renombrados cantantes wagnerianos como Greer Grimsley, Sarah Connolly y Samuel Youn en una desoladora producción de Robert Carsen. El director de escena canadiense sitúa el prólogo del Anillo en la crudeza de nuestro contaminado mundo actual, donde se despliegan los personajes del conflicto cósmico retratado en la tetralogía, que veremos completa a lo largo de las próximas temporadas.
La última ópera de Giacomo Puccini no necesita introducción. Tras 20 años de ausencia, Turandot regresa al Teatro Real de la mano de una nueva producción firmada por uno de los directores capitales de los siglos XX y XXI: Robert Wilson, creador de imágenes inolvidables en sus producciones de The Life and Death of Marina Abramovic y Pelléas et Mélisande. Al frente de un reparto estelar encabezado por Nina Stemme, Gregory Kunde y Yolanda Auyanet, el director musical asociado del Teatro Real, Nicola Luisotti, dirige uno de los grandes títulos del repertorio italiano.
La última ópera de Giacomo Puccini no necesita introducción. Tras 20 años de ausencia, Turandot regresa al Teatro Real de la mano de una nueva producción firmada por uno de los directores capitales de los siglos XX y XXI: Robert Wilson, creador de imágenes inolvidables en sus producciones de The Life and Death of Marina Abramovic y Pelléas et Mélisande. Al frente de un reparto estelar encabezado por Nina Stemme, Gregory Kunde y Yolanda Auyanet, el director musical asociado del Teatro Real, Nicola Luisotti, dirige uno de los grandes títulos del repertorio italiano.
La última ópera de Giacomo Puccini no necesita introducción. Tras 20 años de ausencia, Turandot regresa al Teatro Real de la mano de una nueva producción firmada por uno de los directores capitales de los siglos XX y XXI: Robert Wilson, creador de imágenes inolvidables en sus producciones de The Life and Death of Marina Abramovic y Pelléas et Mélisande. Al frente de un reparto estelar encabezado por Nina Stemme, Gregory Kunde y Yolanda Auyanet, el director musical asociado del Teatro Real, Nicola Luisotti, dirige uno de los grandes títulos del repertorio italiano.
La última ópera de Giacomo Puccini no necesita introducción. Tras 20 años de ausencia, Turandot regresa al Teatro Real de la mano de una nueva producción firmada por uno de los directores capitales de los siglos XX y XXI: Robert Wilson, creador de imágenes inolvidables en sus producciones de The Life and Death of Marina Abramovic y Pelléas et Mélisande. Al frente de un reparto estelar encabezado por Nina Stemme, Gregory Kunde y Yolanda Auyanet, el director musical asociado del Teatro Real, Nicola Luisotti, dirige uno de los grandes títulos del repertorio italiano.
Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real, nos ofrece un recorrido por la historia y las claves de #OnlyTheSoundRemains.
El Teatro Real acoge el estreno en España de Only the Sound Remains, última ópera de Kaija Saariaho. https://www.teatro-real.com/es/temporada-18-19/opera/only-the-sound-remains
El Teatro Real acoge el estreno en España de Only the Sound Remains, última ópera de Kaija Saariaho, una de las compositoras más reconocidas del panorama actual y ganadora en 2017 del premio Fronteras del Conocimiento de la Fundación BBVA por su contribución a la música contemporánea. En una nueva producción del Teatro Real y la Opéra national de Paris, Philippe Jaroussky y Davone Tines dan vida a los simbólicos protagonistas de la ópera, una experiencia sensorial de tintes orientalistas. Peter Sellars firma la puesta en escena, en su regreso al Real tras sus aclamadas producciones de Iolanta yPerséphone, The Indian Queen y Tristán e Isolda.
El Teatro Real acoge el estreno en España de Only the Sound Remains, última ópera de Kaija Saariaho, una de las compositoras más reconocidas del panorama actual y ganadora en 2017 del premio Fronteras del Conocimiento de la Fundación BBVA por su contribución a la música contemporánea. En una nueva producción del Teatro Real y la Opéra national de Paris, Philippe Jaroussky y Davone Tines dan vida a los simbólicos protagonistas de la ópera, una experiencia sensorial de tintes orientalistas. Peter Sellars firma la puesta en escena, en su regreso al Real tras sus aclamadas producciones de Iolanta yPerséphone, The Indian Queen y Tristán e Isolda.
El Teatro Real acoge el estreno en España de Only the Sound Remains, última ópera de Kaija Saariaho, una de las compositoras más reconocidas del panorama actual y ganadora en 2017 del premio Fronteras del Conocimiento de la Fundación BBVA por su contribución a la música contemporánea. En una nueva producción del Teatro Real y la Opéra national de Paris, Philippe Jaroussky y Davone Tines dan vida a los simbólicos protagonistas de la ópera, una experiencia sensorial de tintes orientalistas. Peter Sellars firma la puesta en escena, en su regreso al Real tras sus aclamadas producciones de Iolanta y Perséphone, The Indian Queen y Tristán e Isolda.