¿Una ópera en la que la prima donna es un barítono? Le convenienze ed inconvenienze teatrali es un título excesivamente largo y desalentador para una ópera demasiado divertida para ser olvidada. Eso debió de pensar Helmut Käutner, director de cine alemán que la renombró como Viva la mamma en la célebre producción de 1969 para el teatro rococó de Cuvilliés de Múnich que cambió para siempre la historia de esta obra. Estrenada en Nápoles en 1827, esta farsa de teatro dentro del teatro nos muestra los contratiempos padecidos por una compañía de ópera de segunda fila al montar en un teatro de provincias el gran drama serio Romolo ed Ersilia, y en el que las insoportables tensiones entre las dos cantantes principales solo se resolverán mediante la decisiva intervención de la madre de una de ellas. La coproducción de la Opéra de Lyon junto al Grand Théâtre de Ginebra y el Teatro Real viene avalada por Laurent Pelly, animador infatigable de la comedia donizettiana cuya lectura de La fille du régiment tuvimos ocasión de disfrutar hace unos años.

Aunque coreografió más de 100 ballets a lo largo de su carrera, Frederick Ashton no era alguien que se repitiera. Desde las creaciones narrativas de larga duración hasta los pas de deux en miniatura, cada una de sus obras es única en concepto, realizada en un estilo que se adapta de manera única a su historia particular, su música y los bailarines en los que se creó. Y, sin embargo, a pesar de la precisión de su coreografía, cada bailarín en un papel de Ashton puede encontrar su propio camino a través de él, creando una interpretación que no solo es fiel sino también personal.

En esta grabación, antes de Marguerite & Armand vienen dos excelentes actuaciones de la Compañía, cada una mostrando diferentes aspectos de Ashton. Su exquisito The Dream (1964), una adaptación del Sueño de una noche de verano de Shakespeare, ambientada en la respuesta musical de Mendelssohn a la obra, está protagonizada por Steven McRae y Akane Takada como el etéreo rey y reina de las hadas. En una entrevista (también incluida), Dowell, el Oberon original, menciona su alivio al ver cómo los bailarines todavía encuentran difíciles los roles: Oberon, especialmente, se encuentra entre los roles masculinos más exigentes del repertorio. Pero, a pesar de todos los desafíos, McRae y Takada son tan ligeros como el aire en su conmovedor pas de deux de reconciliación.

Con la colaboración de Naxos

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Sabina Puértolas es una de las sopranos españolas más internacionales, reconocida y aclamada por sus interpretaciones de un amplio repertorio del bel canto y música barroca. Su proyección, en constante ascenso, la ha llevado a cantar en coliseos como la Royal Opera House de Londres, el Teatro Real, el Gran Teatre del Liceu, el Teatro Municipal de Santiago de Chile, la Ópera de Seattle (EE. UU.) o el Centro Nacional de Artes Escénicas de Pekín (China). En 2001 debutó en el Teatro alla Scala de Milán bajo la dirección de Riccardo Muti interpretando el papel de Oscar en Un ballo in maschera, de Verdi, y desarrolló desde entonces una intensa carrera internacional. Sus interpretaciones, de gran expresividad y teatralidad, la unen con el alma de sus personajes.

Junto al pianista Rubén Fernández Aguirre, la velada ofrecerá canciones, romanzas y arias de óperas como Alcina y Rodelinda de Händel, Il turco in Italia de Rossini o Lucia di Lammermoor de Donizetti. El canto elegante, musical y de gran control técnico de Puértolas promete una noche para el recuerdo.

Nuestro musicólogo favorito desgrana para nosotros los detalles y el contexto de Viva la mamma.

Aplaudida por el público y la crítica, Raymonda, con la suite de este ballet, en la versión de Luis Ortigoza, basada en el ballet de Marius Petipa, se presentó el verano de 2019 en el Parque de las Esculturas gracias al convenio entre la Corporación Cultural de Santiago y la Corporación Cultural de Providencia.

Esta obra ambientada en la Francia medieval, es un producto del exotismo de fin-de-siècle y una representación simbólica del proceso de expansión imperialista de la Rusia decimonónica, que pretendía conquistar territorios en Persia y China.

Exquisitos decorados y bellos trajes en esta propuesta más breve y dinámica, que presenta una alta exigencia para el rol protagónico y mantiene el papel fundamental del cuerpo de baile, que en este caso tiene más presencia masculina que en el original. Una historia de un amor amenazado por la guerra y la distancia que logra sortear todos los obstáculos hasta llegar a un feliz desenlace.

El compositor francés Maurice Ravel sigue siendo una fuente de inspiración para cualquier coreógrafo. El director artístico y coreógrafo estrella Sidi Larbi Cherkaoui y el talento emergente Jeroen Verbruggen llevan su visión de la música de Ravel al escenario. Jeroen Verbruggen, que como joven estudiante de danza en la Royal Ballet School ganó el Prix de Lausanne, se ha inspirado en la Pavane pour une Infante défunte de Ravel y en Ma mère l'oye.

Sidi Larbi Cherkaoui también traduce a Ravel a la danza, optando por Cuadros de una exposición, que fue compuesta originalmente por Modest Mussorgsky, pero que posteriormente fue orquestada por Ravel para convertirse en la orquestación más interpretada de esta obra: De este modo, se ha convertido en un verdadero canon.

Es un programa lleno de sorpresas con el que el Royal Ballet Flanders/ Ballet Vlaanderen podría escribir una página de la historia de la danza.

Además de aplazar su debut en el LIFE Victoria – previsto para la primavera de 2020- a Sylvia Schwartz, el confinamiento también la llevó a reflexionar sobre el poder de la evasión. La música es precisamente uno de los caminos más rápidos hacia la evasión, de cómo con estas vibraciones en el aire podemos huir hacia otros mundos, embarcándonos quizás en uno de los viajes más intensos. La soprano nos plantea un programa en tres partes, junto con Malcolm Martineau, que se convierte también en muy pictórico (otro mundo evasivo): en la primera, dedicada al Lied alemán, vivimos la evasión romántica a través de la poesía apasionada, como en un cuadro de Friedrich; en la segunda, nos evadimos a través de Granados al mundo de Goya, evasión que vivió el mismo compositor en un momento bélico -la Primera Guerra Mundial- que terminó con su propia vida; en la tercera, Poulenc nos presenta la evasión más primaria y más grande: la de los niños. Antes, los prometedores Lluís Calvet i Pey junto a Èric Varas al piano ofrecen dos ciclos deliciosos, como LIFE New Artists: Let us Garlands Bring de Finzi y Chansons gaillardes de Poulenc, en la que se hace referencia constante a una mujer ideal... llamada Sylvia.

Disponible a partir del 23 de mayo

El libreto de la ópera más célebre de Dvořák, estrenada en Praga en 1901, está inspirado en la versión checa de la leyenda folclórica centroeuropea que conocemos también a través de Undine (1811) de Friedrich de la Motte Fouqué y La sirenita (1837) de Hans Christian Andersen. El relato original encuentra una perfecta traducción musical en una partitura llena de magia y colorido en la que es posible adivinar la influencia wagneriana, en concreto, en las corrientes fluviales de El anillo del nibelungo.

Presenta también notables similitudes con otra gran fábula acuática de sacrificio y redención, Sadko (1898) de Rimski-Kórsakov, todo ello sin renunciar a las raíces bohemias que el compositor, como artista comprometido con la música y la cultura nacional checas, imprimió a la mayor parte de sus creaciones. Rusalka conquistó pronto los países germanoparlantes, pero su eclosión internacional tardó en producirse pese a la celebridad de su “Canción de la Luna”. Desde las últimas décadas del pasado siglo, su presencia en los escenarios no ha dejado de consolidarse hasta convertirse en una de las veinte óperas más interpretadas de nuestros días a pesar de que, sorprendentemente, no se haya representado nunca en el Teatro Real desde su reinaguración.

"Este es un espectáculo de índole muy distinta del Marina Abramovic Presents… que representamos en el Festival Internacional de Manchester en 2009. Aquello era arte interpretativo, pero The Life and Death of Marina Abramovic es una obra poética de teatro biográfico. El primero surgió durante un periodo realmente difícil de mi vida, en el que no sabía hacia dónde me dirigía con mi trabajo. Creo que adopté la forma teatral para distanciarme del dolor. El proceso me resultó tan interesante que cada cinco o seis años vuelvo a él, y le pido a un director distinto que retome mi biografía. Charles Atlas hizo la primera biografía en 1989 y Michael Laub ha realizado la última, The Biography Remix, en 1997. Esta vez, quería trabajar con Bob porque soy una gran admiradora suya desde hace mucho tiempo. Realmente ha inventado un nuevo lenguaje del teatro en relación con el tiempo y el espacio. Su imaginería es icónica, pinta con la luz.

Cada vez que hago una biografía, parto del mismo principio: renunciar por completo al control. Así, al entregar el material a un director, él puede reordenar mi vida en cierto modo. Puede desembocar en un relato cronológico o no –eso carece de importancia. Yo soy material y nada más. No aporto nada, pero lo que ocurre cada vez es que mi vida es nueva para mí. No puedo decir lo liberador que resulta eso. Cuando conocí a Bob, dijo que quería que yo interpretara a mi madre, cuando en la vida real tengo un problema tremendo con mi madre, una verdadera relación de amor-odio. Pero él vio algo en eso, y quería explorarlo, aunque eso haya supuesto que me pasara todo el tiempo llorando desde que llegué a Manchester.

Esta biografía es distinta, porque todos los demás directores se concentraron en aspectos de mi obra, mientras que lo que quería explorar Bob era mi vida. Tomó todas las historias trágicas, dolorosas y afectivas de que estoy hecha, y las puso en escena. De hecho, todo se vuelve tan trágico que casi te tienes que reír, y para mí ha supuesto una tremenda liberación de negatividad. Trabajar con Willem y Antony es como una reacción química fascinante. No puedo imaginar trabajar con nadie más: Antony ha plasmado mi vida en música de una manera muy conmovedora, y Willem es un actor asombroso.
¿Por qué me sigue intrigando mi biografía? Porque los artistas siempre trabajan con materiales procedentes de sus propias vidas. Hacer arte consiste en transferir esos sentimientos y pensamientos a un lenguaje universal. También la biografía funciona así. Pero para mí, sigue siendo muy personal, y por eso quiero dedicar The Life and Death of Marina Abramović al gran amor de mi vida, Paolo Canevari."

Marina Abramovic

Nikolaus Lehnhoff, uno de los principales directores de escena del mundo, ha presentado una nueva y extraordinaria producción de la popular ópera Rigoletto de Giuseppe Verdi. Con estrellas internacionales como Juan Diego Flórez y Diana Damrau y dirigida por el nuevo director titular Fabio Luisi, esta producción de ópera demuestra un nivel musical convincente y altamente cualificado. Un acontecimiento maravillosamente atemporal, que tuvo lugar en el maravilloso ambiente de la Semperoper de Dresde.

Para el Festival de Pascua 2017 en Baden-Baden, Sir Simon Rattle y la Filarmónica de Berlín se inspiran en Tosca, la más conocida y también la más brillante de todas las óperas de Puccini. Y esto es merecido, ya que Tosca no es sólo una obra de arte, sino también una apasionante historia llena de suspense. Con Kristine Opolais en el papel de Tosca y una espectacular puesta en escena de Philipp Himmelmann, esta producción ofrece una nueva visión de esta querida composición clásica.

El hecho de que la Filarmónica de Berlín haya recurrido a Puccini -este compositor tan querido y a la vez tan condenado al ostracismo- es simbólico. Se trata de alguien que durante mucho tiempo se pensó que estaba pasado de moda, pero en realidad hay mucho más que descubrir sobre él y su obra. La historia de quien se convierte en modelo pero sigue siendo una niña, es muy contemporánea.

Disponible a partir del 16 de julio