El libreto de la ópera más célebre de Dvořák, estrenada en Praga en 1901, está inspirado en la versión checa de la leyenda folclórica centroeuropea que conocemos también a través de Undine (1811) de Friedrich de la Motte Fouqué y La sirenita (1837) de Hans Christian Andersen. El relato original encuentra una perfecta traducción musical en una partitura llena de magia y colorido en la que es posible adivinar la influencia wagneriana, en concreto, en las corrientes fluviales de El anillo del nibelungo.

Presenta también notables similitudes con otra gran fábula acuática de sacrificio y redención, Sadko (1898) de Rimski-Kórsakov, todo ello sin renunciar a las raíces bohemias que el compositor, como artista comprometido con la música y la cultura nacional checas, imprimió a la mayor parte de sus creaciones. Rusalka conquistó pronto los países germanoparlantes, pero su eclosión internacional tardó en producirse pese a la celebridad de su “Canción de la Luna”. Desde las últimas décadas del pasado siglo, su presencia en los escenarios no ha dejado de consolidarse hasta convertirse en una de las veinte óperas más interpretadas de nuestros días a pesar de que, sorprendentemente, no se haya representado nunca en el Teatro Real desde su reinaguración.

"Este es un espectáculo de índole muy distinta del Marina Abramovic Presents… que representamos en el Festival Internacional de Manchester en 2009. Aquello era arte interpretativo, pero The Life and Death of Marina Abramovic es una obra poética de teatro biográfico. El primero surgió durante un periodo realmente difícil de mi vida, en el que no sabía hacia dónde me dirigía con mi trabajo. Creo que adopté la forma teatral para distanciarme del dolor. El proceso me resultó tan interesante que cada cinco o seis años vuelvo a él, y le pido a un director distinto que retome mi biografía. Charles Atlas hizo la primera biografía en 1989 y Michael Laub ha realizado la última, The Biography Remix, en 1997. Esta vez, quería trabajar con Bob porque soy una gran admiradora suya desde hace mucho tiempo. Realmente ha inventado un nuevo lenguaje del teatro en relación con el tiempo y el espacio. Su imaginería es icónica, pinta con la luz.

Cada vez que hago una biografía, parto del mismo principio: renunciar por completo al control. Así, al entregar el material a un director, él puede reordenar mi vida en cierto modo. Puede desembocar en un relato cronológico o no –eso carece de importancia. Yo soy material y nada más. No aporto nada, pero lo que ocurre cada vez es que mi vida es nueva para mí. No puedo decir lo liberador que resulta eso. Cuando conocí a Bob, dijo que quería que yo interpretara a mi madre, cuando en la vida real tengo un problema tremendo con mi madre, una verdadera relación de amor-odio. Pero él vio algo en eso, y quería explorarlo, aunque eso haya supuesto que me pasara todo el tiempo llorando desde que llegué a Manchester.

Esta biografía es distinta, porque todos los demás directores se concentraron en aspectos de mi obra, mientras que lo que quería explorar Bob era mi vida. Tomó todas las historias trágicas, dolorosas y afectivas de que estoy hecha, y las puso en escena. De hecho, todo se vuelve tan trágico que casi te tienes que reír, y para mí ha supuesto una tremenda liberación de negatividad. Trabajar con Willem y Antony es como una reacción química fascinante. No puedo imaginar trabajar con nadie más: Antony ha plasmado mi vida en música de una manera muy conmovedora, y Willem es un actor asombroso.
¿Por qué me sigue intrigando mi biografía? Porque los artistas siempre trabajan con materiales procedentes de sus propias vidas. Hacer arte consiste en transferir esos sentimientos y pensamientos a un lenguaje universal. También la biografía funciona así. Pero para mí, sigue siendo muy personal, y por eso quiero dedicar The Life and Death of Marina Abramović al gran amor de mi vida, Paolo Canevari."

Marina Abramovic

Nikolaus Lehnhoff, uno de los principales directores de escena del mundo, ha presentado una nueva y extraordinaria producción de la popular ópera Rigoletto de Giuseppe Verdi. Con estrellas internacionales como Juan Diego Flórez y Diana Damrau y dirigida por el nuevo director titular Fabio Luisi, esta producción de ópera demuestra un nivel musical convincente y altamente cualificado. Un acontecimiento maravillosamente atemporal, que tuvo lugar en el maravilloso ambiente de la Semperoper de Dresde.

Para el Festival de Pascua 2017 en Baden-Baden, Sir Simon Rattle y la Filarmónica de Berlín se inspiran en Tosca, la más conocida y también la más brillante de todas las óperas de Puccini. Y esto es merecido, ya que Tosca no es sólo una obra de arte, sino también una apasionante historia llena de suspense. Con Kristine Opolais en el papel de Tosca y una espectacular puesta en escena de Philipp Himmelmann, esta producción ofrece una nueva visión de esta querida composición clásica.

El hecho de que la Filarmónica de Berlín haya recurrido a Puccini -este compositor tan querido y a la vez tan condenado al ostracismo- es simbólico. Se trata de alguien que durante mucho tiempo se pensó que estaba pasado de moda, pero en realidad hay mucho más que descubrir sobre él y su obra. La historia de quien se convierte en modelo pero sigue siendo una niña, es muy contemporánea.

Bajo la dirección de Michel Plasson, especialista en Massenet, Jonas Kaufmann y Sophie Koch interpretan una de las historias de amor más conmovedoras de la ópera. En la obra maestra de Massenet, las lágrimas no cesan de brotar desde el mismo momento en que el idilio a la luz de la luna se revela y se destruye. "Todo mi ser llora ante ello", dice Werther. Estamos muy lejos de las lágrimas habituales de la ópera, ya sean furtivas o violentas. Estas lágrimas fluyen lenta e inexorablemente, una a una. "Lágrimas pacientes", como dice Charlotte. En el espacio de cuatro actos, habrán hecho su trabajo. Charlotte no puede contenerlas mientras relee las cartas de Werther, y sus lágrimas son la única parte de ella, el único sacrificio que él se atreve a pedirle. Fluirán frente a Sophie, el ángel del consuelo. Fluirán cuando Werther lea a Ossian. Y finalmente fluirán al ver el cuerpo ensangrentado de Werther. Sin embargo, él rechaza estas últimas lágrimas: porque ahora es feliz y libre.

Werther es un largo réquiem, "lacrimosa dies illa", un día de lágrimas como nunca lo hubo, un réquiem por un joven poeta que termina en el paraíso.

Con canciones de Mahler, Liszt, Schumann, Vaughan Williams, Guastavino entre otros, la soprano británica Kate Royal, junto con Joseph Middleton al piano, nos explicará el viaje de un hombre joven, desde el amanecer al atardecer, llegando a las profundas horas de la -a veces difícil- noche. Una canción para cada hora del día, que comienza a las seis de la mañana de manera vital con esta mañana de primavera que es Frühlingsmorgen de Mahler y finaliza a las cinco de la mañana del día siguiente de manera más sombría y apasionada con Morgenstimmung de Wolf.

Dos caras de una moneda y de ver el amanecer, en medio de las cuales esta joven se nos presenta hedonista (con Siesta de Guastavino) y profunda (con Mondnacht de Schumann); nostálgica (con Mond so geht du wieder auf de Korngold) y terrenal (con Rabbit stew de Bernstein). Un personalísimo ciclo creado por la soprano y el pianista que es un viaje por la psique humana y los diversos estados del alma. Antes, Pau Armengol y Álvaro Carnicero participan en el recital como LIFE New Artists con una breve selección de Lieder de Schubert y Schumann.

Disponible a partir del 23 de mayo

Basado en la obra de Schiller Kabale und Liebe (Intriga y amor), el trágico melodrama de Verdi Luisa Miller gira en torno a los amores de la heroína del título y de Rodolfo, hijo del conde Walter, y a las maquinaciones del mayordomo del conde, Wurm, que quiere a Luisa para sí, con el resultado de la muerte de los tres. Dirigida por Arnaud Bernard, que se inspiró en la película 1900 de Bernardo Bertolucci de 1976, esta producción de La Fenice está protagonizada por la extraordinaria soprano búlgara Darina Takova, cuya intensa caracterización de Luisa pone de relieve la tortura interior de la heroína, y por Giuseppe Sabbatini, que aporta una emocionante teatralidad al papel de Rodolfo, especialmente en el aria más famosa de la ópera, "Quando le sere al placido".

Disponible a partir del 14 de mayo

Desde hace 20 años, la Filarmónica de Berlín celebra su fundación el 1 de mayo con el concierto anual Europa Konzert, que este año tiene lugar en Oxford. La orquesta, bajo la dirección del mundialmente conocido músico Daniel Barenboim, da la bienvenida a la violonchelista Alisa Weilerstein, que ha llamado la atención por una interpretación que combina el dominio virtuoso natural y la precisión técnica con una apasionada musicalidad.

Disponible a partir del 9 de mayo

Desde hace 20 años, la Filarmónica de Berlín celebra su fundación en 1882 con un concierto, cada año en un lugar de importancia cultural de una ciudad europea diferente. Este año, el Europa Konzert tiene lugar en el Teatro Real de Madrid. La Filarmónica de Berlín y su director musical, Sir Simon Rattle, reciben al famoso guitarrista flamenco Cañizares. Su virtuosismo, su técnica, armonía, fuerza y sensibilidad han distinguido a Cañizares como un artista único, considerado como uno de los grandes músicos flamencos del cambio de siglo.

Resulta irónico -y seguramente no es casualidad- que la primera gran ópera completa en lengua inglesa la compusiese Händel en 1743, un emigrante alemán que se acercaba a la cúspide de sus poderes, pero que se había autoimpuesto el retiro de la tóxica escena operística londinense.

Sémele fue su desafiante contraataque a los que durante años habían tratado de controlarle: los aristocráticos propietarios de teatros y directores de compañías rivales. No es de extrañar que Händel prefiriera promover y organizar su propia temporada anual de conciertos en el Covent Garden sin interferencias y con sus propios solistas, orquesta y coro elegidos a dedo. Sémele sorprendió a su público: no era una ópera italiana convencional debidamente "escenificada" (aunque claramente lo era en la imaginación de Händel y a pesar de la presencia de elaboradas indicaciones escénicas); tampoco era un oratorio piadoso basado en el Antiguo Testamento adaptado a la época de Cuaresma. Ni mucho menos. En su lugar, eligió una historia "profana" basada en Ovidio, en la que los dioses y los mortales actúan al mismo nivel, comportándose mal y apasionadamente, pero de forma que todo el mundo -excepto el descontento público de la época o, más tarde, los mojigatos victorianos- puede identificarse con ella.

La interpretación de Bieito de Lohengrin de Wagner trata del amor, el odio, los celos y la esperanza, pero sobre todo de la necesidad imperiosa del hombre de creer en algo. Para visualizar estos dos mundos contrapuestos, Bieito crea dos escenarios: el mundo de los cuentos de hadas (el bosque) y la realidad (la sala del tribunal). Según Bieito, los cuentos de hadas son tan relevantes hoy en día como lo fueron en su día y no son sólo fábulas que contamos a nuestros hijos, sino una necesidad en la edad adulta, ya que reflejan la vida misma ofreciendo tanto lo bueno como lo malo.