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Extras
La última ópera de Giacomo Puccini no necesita introducción. Tras 20 años de ausencia, Turandot regresó al Teatro Real de la mano de una nueva producción firmada por uno de los directores capitales de los siglos XX y XXI: Robert Wilson, creador de imágenes inolvidables en sus producciones de The Life and Death of Marina Abramovic y Pelléas et Mélisande.
Al frente de un reparto estelar encabezado por Nina Stemme, Gregory Kunde y Yolanda Auyanet, el director musical asociado del Teatro Real, Nicola Luisotti, dirige uno de los grandes títulos del repertorio italiano.
RECOMENDADO
Mozart acababa de cumplir 16 años cuando, en marzo de 1771, le llegó el encargo de componer Lucio Silla. Año y medio después había escrito todos los recitativos y se había personado en Milán, donde trabajaría en la música para las arias y comenzaría los ensayos. La tercera de sus óperas se estrenó en el Teatro Regio Ducal en diciembre de 1772 con un reparto que incluía algunas de las mejores voces del momento. No era para menos: la partitura, endiablada, solo está al alcance de cantantes con una sólida técnica vocal.
El libreto, que tan solo un par de años después retomaría Johann Christian Bach para componer su propia ópera, se ciñe al modelo de opera seria habitual en la Europa del siglo XVIII, y propone la magnanimidad como el valor moral alrededor del cual hacer girar la trama. El dictador romano Silla –papel inspirado en el personaje histórico homónimo– trama valerse de su peso político para conquistar a su amada Giunia, hija de su acérrimo enemigo. Ella, sin embargo, tiene sus afectos puestos en Cecilio, senador exiliado por motivos políticos. La determinación inicial de Silla va resquebrajándose, dando paso a una compasión que acabará por hacerle ceder ante el amor e incluso a renunciar al poder. Las decisiones virtuosas, nos propone la ópera, siempre son las más acertadas.
*Título disponible solo en países no UE, a excepción de España
La ópera Aida de Giuseppe Verdi con libreto de Antonio Ghislanzoni está ligada al Teatro Colón de Buenos Aires desde sus orígenes. En 1908, fue el título con el que se inauguró su actual edificio. Desde entonces, se representó innumerables veces, con figuras tan deslumbrantes como Enrico Caruso, Beniamino Gigli, Renata Tebaldi y María Callas, entre otros.
A partir de 1966, el argentino Roberto Oswald se hizo cargo de la escenografía y del vestuario y en 1989 asumió la puesta en escena, mientras el vestuario estuvo a cargo de Aníbal Lápiz. Esta clásica producción de la casa argentina, realizada íntegramente en sus talleres, fue repuesta en
mayo de 2018 para celebrar los 110 años del edificio con un elenco que contó con las voces de Latonia Moore y Riccardo Massi junto a figuras locales y la Orquesta, el Ballet y el Coro Estables del Teatro Colón.
Ambientada en la España de los años 40, esta producción de Lluis Pasqual para el Teatro Real con escenografía de Ezio Frigerio y vestuario de Franca Squarciapino cuenta con un reparto de lujo encabezado por el barítono malagueño Carlos Álvarez en el papel protagonista. Sonia Ganassi como Doña Elvira, la espléndida María Bayo en el difícil papel de Doña Ana y José Bros como Don Ottavio, papel por el que recibió en 2006 el Premio Lírico del Teatro Campoamor al mejor cantante de ópera, completan el plantel estelar de esta puesta en escena de la obra de Mozart y Da Ponte, dirigida por el maestro Victor Pablo Pérez y grabada en alta definición en el Teatro Real en la temporada 2005-2006.
TODO EXTRAS
Los protagonistas de 'La Cenerentola', descubren los detalles de la producción de Stefan Herheim.
La historia de la sirvienta que se transforma mágicamente en princesa está presente en las tradiciones folclóricas de la antigua Grecia, la dinastía Tang en China, Las mil y una noches, así como en las antologías de Perrault, los hermanos Grimm y –como todos sabemos– Walt Disney. Ahora bien, en ninguna de ellas –que sepamos– se pronuncia la pregunta de resonancias hamletianas que si escuchamos en La Cenerentola de Rossini: ≪.Soy un príncipe o una coliflor?≫. En efecto, un siglo y medio de tradición de commedia dell’arte y otro mas de opera buffa no habían transcurrido en balde y, así, el último dramma giocoso del último gran representante de este género batió todas las expectativas en su tiempo –la ópera llegó hasta Constantinopla, Buenos Aires, Calcuta y Sidney a solo unas pocas décadas de su estreno en Roma– del mismo modo que sigue sin defraudar en el nuestro.
La divertida y animada producción de Stefan Herheim que nos visita en esta ocasión añade un inesperado ingrediente a esta excitante mezcla de humor y fantasía, pues en ella el propio compositor hará acto de presencia y demostrara como la verdadera magia se encuentra, en realidad, en la voz humana.
José Luís Téllez analiza La cenerentola.
La historia de la sirvienta que se transforma mágicamente en princesa está presente en las tradiciones folclóricas de la antigua Grecia, la dinastía Tang en China, Las mil y una noches, así como en las antologías de Perrault, los hermanos Grimm y –como todos sabemos– Walt Disney. Ahora bien, en ninguna de ellas –que sepamos– se pronuncia la pregunta de resonancias hamletianas que si escuchamos en La Cenerentola de Rossini: ≪.Soy un príncipe o una coliflor?≫. En efecto, un siglo y medio de tradición de commedia dell’arte y otro mas de opera buffa no habían transcurrido en balde y, así, el último dramma giocoso del último gran representante de este género batió todas las expectativas en su tiempo –la ópera llegó hasta Constantinopla, Buenos Aires, Calcuta y Sidney a solo unas pocas décadas de su estreno en Roma– del mismo modo que sigue sin defraudar en el nuestro.
La divertida y animada producción de Stefan Herheim que nos visita en esta ocasión añade un inesperado ingrediente a esta excitante mezcla de humor y fantasía, pues en ella el propio compositor hará acto de presencia y demostrara como la verdadera magia se encuentra, en realidad, en la voz humana.
Anunciado en las dos ediciones anteriores de LIFE Victoria, el Festival ha querido mantener su compromiso con Dame Sarah Connolly, una de las grandes mezzosopranos de la escena actual. Lo hará manteniendo el programa que iba a ofrecer en 2019 alrededor de Alma Mahler y los compositores contemporáneos de Viena en ese momento, poniendo en contexto las composiciones de esta artista que a menudo ha estado escondida bajo la sombra alargada de su primer marido.
Comienza con el preámbulo de Johannes Brahms, a través de Hugo Wolf, quien explotó el romanticismo exacerbado de la canción, llegando a las composiciones del matrimonio Mahler. La relación conyugal entre Gustav y Alma fue bastante tortuosa: juzgada como femme fatale por su infidelidad con Walter Gropius -fundador de la Bauhaus y con quien más tarde se casaría- estudios recientes han demostrado que su historia con Mahler estaba llena de grises…
Aquí Connolly se enfrenta a sus composiciones. El recorrido terminará con el post Romanticismo vienés de Alexander von Zemlinsky y estos seis Lieder basados en textos simbolistas de Maurice Meterlinck. Una mujer fascinante en un momento histórico fascinante.
El debut de Anne Schwanewilms es uno de los más esperados en el LIFE Victoria. Nacida en Alemania, destaca en los roles femeninos creados por Richard Strauss -su última aparición en Barcelona fue Arabella en el Liceu- pero también en roles wagnerianos tales como Elsa (Lohengrin) o Elisabeth (Tannhäuser), así como en otros títulos comoDialogue des Carmélites, Wozzeck o Otello. Inspirada por el drama de la ópera, la soprano se presenta de nuevo en Barcelona en un programa dividido en cuatro partes, cuatro viajes del alma que repasan algunos de sus compositores recitalísticos de cabecera.
En la primera parte, Himmelfahrt (Ascensión) interpretará Lieder eteris de Mahler, comoWo die Trompeten blasen y Debussy, como L’invitation au voyage, que da nombre a la edición de 2020. Los tres Lieder d’Ofelia de Strauss, su compositor de cabecera, centrarán la segunda parte dedicada a Reisen in den Irrsinn (Viajes a la locura), mientras que las Proses lyriques de Debussy centrarán los Traumreisen (Viajes poéticos). Para finalizar el Lieder de Wolf pondrán la magia cerrando con la última parte Phantasiereisen (Viajes a la fantasía) este recital tan esperado.
Cuatro pretendientes para una mujer –uno de los cuales es, a su vez, una mujer travestida– constituye el punto de partida de una de las óperas más singulares entre las compuestas por Handel para el público londinense. Con Parténope, el compositor sajón ensayaba un registro dramático que participaba a la vez del carácter antiheroico y satírico de la antigua ópera veneciana y de la comedia de enredo sentimental característica de la opera buffa.
Rechazada por el gerente de la Royal Academy of Music por juzgar su libreto como un producto de la ≪depravación del gusto del público italiano≫, Parténope alcanzó sin embargo un éxito comercial que avaló su reposición siete años después en el mismo escenario. Alejada también en lo musical de los estándares de la ópera seria, Parténope está servida mediante una partitura de carácter más ligero que el habitual, con arias breves y diversos números de conjunto que agilizan la acción y la aproximan al ideal del ≪teatro cantado ≫. La dirección escénica de Christopher Alden –ganadora del Premio Olivier a la Mejor Producción Operística en 2009– da vida a esta divertida obra en un decorado sofisticado y urbanita inspirado en la mansión de Nancy Cunard, donde el universo del fotógrafo y artista Visual Man Ray juega un papel importante.
La historia de la sirvienta que se transforma mágicamente en princesa está presente en las tradiciones folclóricas de la antigua Grecia, la dinastía Tang en China, Las mil y una noches, así como en las antologías de Perrault, los hermanos Grimm y –como todos sabemos– Walt Disney. Ahora bien, en ninguna de ellas –que sepamos– se pronuncia la pregunta de resonancias hamletianas que si escuchamos en La Cenerentola de Rossini: ≪.Soy un príncipe o una coliflor?≫. En efecto, un siglo y medio de tradición de commedia dell’arte y otro mas de opera buffa no habían transcurrido en balde y, así, el último dramma giocoso del último gran representante de este género batió todas las expectativas en su tiempo –la ópera llegó hasta Constantinopla, Buenos Aires, Calcuta y Sidney a solo unas pocas décadas de su estreno en Roma– del mismo modo que sigue sin defraudar en el nuestro.
La divertida y animada producción de Stefan Herheim que nos visita en esta ocasión añade un inesperado ingrediente a esta excitante mezcla de humor y fantasía, pues en ella el propio compositor hará acto de presencia y demostrara como la verdadera magia se encuentra, en realidad, en la voz humana.
Disponible a partir del 26 de noviembre
La colección más importante de música para tecla de Purcell apareció póstumamente en 1696 titulada A Choice Collection of Lessons for the Harpsichord y contiene sus ocho suites para tecla. En 1720 Händel publicó sus Suites de pièces, corpus representativo de un género compuesto entre Hamburgo y Londres. La interpretación de este repertorio clavecinístico en el piano ofrece una nueva visión sobre la grandeza de esta música.
La España del pasado critica a la España del presente. La España del presente se queja de la herencia recibida. Y, entre medias, dos novios con un oscuro porvenir planean su boda. El costumbrismo y la crítica social caracterizan las tonadillas, género dramático-musical que floreció en España a finales del siglo XVIII. En esta producción se recuperan tres tonadillas de quien fuera uno de los autores más reputados de su tiempo: Blas de Laserna.
Los elementos se presenta explícitamente como una “ópera armónica al estilo italiano”, en la que confluyen la mejor tradición del verso hispano con las novedades italianas de la música, materializadas en el uso de violines y la alternancia de recitativos y arias. Estos rasgos estilísticos se entendían entonces como sinónimo de modernidad, algo que tampoco escaparía a sus primeros oyentes. La puesta en escena de esta nueva producción trae estos códigos alegóricos al presente, al tiempo que mantiene el mundo emblemático de la ópera barroca, con los originales resultados propios del esplendor de esta etapa dorada de la música española.
La comparación del claroscuro caravaggesco con la creación musical del Barroco ha hecho fortuna. A partir de esta idea, este proyecto pone en paralelo diversas composiciones barrocas con tableaux vivants que recrean en vivo pinturas de Caravaggio y Velázquez.
La crítica la alaba y el público la adora - Kristine Opolais, la primadonna y estrella de la Metropolitan Opera de Nueva York en un espléndido concierto en solitario en la Ópera Nacional de Letonia. El programa incluye arias de óperas que han dado a Kristine fama internacional y piezas que se incluirán en su futuro repertorio.
El hermoso programa, dedicado en su mayor parte a la música italiana, anima a soñar con el amor y a reflexionar sobre lo verdaderamente importante, llegando al corazón de muchas maneras.
¿Una ópera en la que la prima donna es un barítono? Le convenienze ed inconvenienze teatrali es un título excesivamente largo y desalentador para una ópera demasiado divertida para ser olvidada. Eso debió de pensar Helmut Käutner, director de cine alemán que la renombró como Viva la mamma en la célebre producción de 1969 para el teatro rococó de Cuvilliés de Múnich que cambió para siempre la historia de esta obra. Estrenada en Nápoles en 1827, esta farsa de teatro dentro del teatro nos muestra los contratiempos padecidos por una compañía de ópera de segunda fila al montar en un teatro de provincias el gran drama serio Romolo ed Ersilia, y en el que las insoportables tensiones entre las dos cantantes principales solo se resolverán mediante la decisiva intervención de la madre de una de ellas. La coproducción de la Opéra de Lyon junto al Grand Théâtre de Ginebra y el Teatro Real viene avalada por Laurent Pelly, animador infatigable de la comedia donizettiana cuya lectura de La fille du régiment tuvimos ocasión de disfrutar hace unos años.